a luci spente

La Talpa (Tinker, Tailor, Soldier, Spy) - Tomas Alfredson

2012-02-23T17:36:00.002+01:00

“Ma sei un buon osservatore, eh? Noi solitari lo siamo sempre.”

All’apparenza “La Talpa” potrebbe sembrare una semplice spy story, scritta, diretta e interpretata magistralmente, ma la grandezza di questa pellicola risiede proprio nel non detto; al di là della rappresentazione pulita, ordinata e lineare, questo film è una pentola in continua ebollizione e racconta attraverso sguardi, silenzi e taciti gesti il vissuto interiore dei protagonisti.

In piena guerra fredda l’ex agente in pensione George Smiley(uno straordinario Gary Oldman) viene incaricato di stanare una spia sovietica infiltratasi a capo dei servizi segreti britannici, potente organizzazione di cui lo stesso Smiley faceva parte prima di essere sollevato dall’incarico; ha inizio così una lunga e sconvolgente indagine capace di scardinare qualunque equilibrio. In questa continua ed estenuante corsa per la salvaguardia individuale, sono soprattutto gli equilibri interni ad essere minati e scossi e ad Alfredson poco importa degli avvenimenti storici e politici di quegli anni, perché la sua attenzione si focalizza sulla complessità dei rapporti umani. Ciò che interessa al regista svedese è l’uomo e non l’agente, le contraddizioni e gli sbandamenti di un individuo al quale viene sempre richiesto di non fallire, di rimanere attento e vigile e di subordinare le emozioni e i sentimenti al dovere. E in questo senso il trio Oldman-Strong-Firth è estremamente emblematico: il dualismo interiore logora giorno dopo giorno e corrode chi ne è colpito.
Quella che abbiamo davanti agli occhi è innanzitutto una storia di amore e amicizia, di lealtà e tradimento, che non fa né vincitori né vinti; la spy story mostra quindi le dinamiche di rapporti umani corrosi e indeboliti dal potere e dai potenti, in cui l’elemento umano cede il passo all’utile personale.
Bisogna essere dei silenziosi osservatori, come l’ex agente Jim Prideaux, per comprendere che la profondità di questo film sta oltre le parole e le indagini e si annida nei silenzi, negli sguardi e nel non detto. Non a caso Alfredson veste i panni dello scrutatore silenzioso senza mai essere patetico e sentimentale e ci trascina in un vortice di autodistruzione che lascia senza fiato. La ferocia con cui ogni rapporto umano viene demolito e smantellato lede interiormente e con lentezza chi ne osserva le dinamiche, portando ogni uomo a fare i conti con i propri scheletri e i propri mostri più nascosti. Ciò che ne deriva è un senso di sradicamento e fragilità lancinante che ci obbliga a far i conti con noi stessi.
Alfredson, una bellissima sorpresa all’interno del panorama cinematografico contemporaneo, dimostra di avere una spiccata capacità nel raccontare la fragilità e l’instabilità dei rapporti umani, mostrando l’individuo nella sua nudità.
Quelle complessità e quelle contraddizioni interne che le parole non possono spiegare, il regista svedese le espone sullo schermo sottoforma di altro. E scusate se è poco.

C’è da dire che tutto questo non sarebbe stato possibile senza un cast di altissimo livello. Spicca su tutti la figura di Gary Oldman, il quale dimostra(per l’ennesima volta) si essere un attore straordinario e di possedere un’abilità e una sensibilità uniche. Lo so, lo so…quando si parla di Oldman sono sempre poco obiettiva, ma sfido chiunque a dire il contrario.
Insomma, l’attore britannico continua a non perdere colpi(almeno lui!) e invecchia proprio bene.

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Valeria

Hugo Cabret - Martin Scorsese

2012-02-17T15:18:00.002+01:00

Probabilmente se questo film fosse stato girato da un altro regista lo avrei apprezzato di più, ma da Scorsese, che seguo e amo da sempre, non posso accettare un lavoro che non osa e che non sa che strada prendere. Va benissimo l’omaggio alla nascita del cinema e alla figura di Méliès, ma quando questo elogio si limita alla scopiazzatura delle pellicole dell’illusionista francese senza l’inserimento di un minimo di inventiva e senza mettere sé stessi nel proprio lavoro, possiamo davvero parlare di omaggio?

Non si riesce mai a capire quanto questo dono a Méliès e al suo cinema sia realmente sentito o sia buttato lì per far contenti gli addetti ai lavori e gli spettatori più pigri, quelli che si accontentano e si esaltano vedendo citazioni fini e sé stesse copiate minuziosamente dall’originale.
A questo Scorsese manca la vena emotiva, non riesce (o non vuole?) sporcarsi le mani come invece ha sempre fatto nei suoi precedenti lavori, con l'eccezione di Shutter Island; sembra nascosto dietro le pellicole di Méliès e pare si diletti(?) a ricreare quel mondo credendo di omaggiare il grande maestro. Mi dispiace dirlo, ma in questa pseudo riscrittura non riesce mai a far capire quali siano le sue vere intenzioni. E’ come se la dichiarazione d’amore al regista francese restasse a metà, sospesa tra il detto e il non detto.
E poi c’è un altro fattore fondamentale: l’accostamento di Scorsese a un cinema fatto di magia e illusioni, pregno di sogni e allucinazioni, capace di portarti in un mondo in cui la luna ha un razzo infilato in un occhio e gli scheletri si dissolvono tra il fumo e la nebbia; quanto questo avvicinamento è sentito? Quanto studiato e programmato? E quanto sincero?
Per un regista che ha sempre raccontato la strada, la criminalità, il degrado quotidiano, le psicosi e le nevrosi dell’uomo contemporaneo com’è possibile accostarsi alla soglia dei 70 anni ad un genere il più delle volte snobbato e considerato poco?!? Come può Scorsese dirci che il cinema è magia, illusione, è un sogno ad occhi aperti?!?
E’ anche vero che questo è un semplice omaggio a uno dei padri della settima arte e i discorsi di stile lasciano il tempo che trovano, ma il film dà sempre l’impressione di rimanere a metà strada, di voler dire di più ma di avere paura di farlo, di volere fare un tributo a Méliès ma di non sapere mai che strada prendere. Ed è così che iniziano le citazione, le scopiazzature e le ricostruzioni.
Scorsese vuole dirci che dopo un secolo la forza del cinema non è cambiata? Che ora come allora quest’arte continua a farci sognare e a illuderci? Che in fondo Mèliès è più attuale di quanto non si pensi? Altri si sono espressi meglio e continuano a raccontare quel mondo in maniera originale e personale non dimenticando mai il loro maestro; forse è meglio che il regista americano continui a parlarci della strada e del degrado cittadino e lasciasse i sogni e le illusioni ad altri. In fondo il buon vecchio Martin è stato sempre un lumèriano convinto e questa sferzata senile, che è comunque degna di rispetto, non sembra intaccare, fortunatamente, il suo passato e la sua meravigliosa filmografia.
Non è un caso le scena più bella e più commuovente del film sia l’ultima, quella in cui si susseguono frammenti di pellicole mélièsiane. Lì non c’è nulla di Scorsese, è puro Méliès.

E’ però giusto ricordare che il soggetto non è assolutamente originale, ma è tratto dal romanzo illustrato “La straordinaria invenzione di Hugo Cabret” del autore americano Selzinick (che non ho né letto né visto).

Gustatevi il vero Méliès(è difficilissimo scegliere):
Il viaggio nella luna
la sirena

Valeria

Away we go - Sam Mendes

2012-02-11T14:05:00.002+01:00

Delicato, ironico, dolcemente incisivo e rasserenante. Un nuovo Mendes, insomma. I temi sono sempre gli stessi, ma adesso sono trattati in maniera diversa e, ritengo, più efficace.

Il regista americano abbandona i toni aspri e fortemente pessimistici che avevano caratterizzato le precedenti pellicole per scoprire un mondo nuovo in cui la speranza riaffiora.

Ed ecco che i protagonisti di quel bellissimo film che era Revolutionary Road ritornano in vesti e atteggiamenti nuovi, anzi decisamente opposti: due ultratrentenni in attesa del loro primo figlio si imbarcano in un viaggio lungo l’America alla ricerca di un luogo (ma anche un modo) nel quale crescere il loro bambino. Un viaggio che è principalmente presa di coscienza, consapevolezza che il luogo e il metodo giusto non si trovano poi così lontano e (ri)scoperta degli elementi che stanno alla base della costruzione di una famiglia e che nessuno può spiegare o imparare.

La costruzione del nucleo familiare riparte però da un luogo-simbolo, un luogo che è allo stesso tempo passato, presente e futuro: una prima pietra che possa essere la solida base di un edificio da costruire e proteggere giorno dopo giorno.

La famiglia, che per Mendes è sempre stata il luogo delle nevrosi, dei desideri repressi, dei compromessi, dell’immobilismo e del soffocamento di sé stessi, diviene adesso un solido rifugio, il regno della piena realizzazione, dell’opportunità e della comprensione. La situazione così si rovescia: da luogo in cui riaffiorano i fantasmi della propria vita a luogo in cui questi fantasmi vengono affrontati e uccisi.

Il regista britannico abbandona le cupe e fredde abitazioni dei precedenti film, quelle gabbie dorate che uccidono pian piano ogni individuo oltre che le sue aspirazioni, i suoi sogni e le sue speranze, per tuffarsi nella strada e vivere all’aria aperta. La contrapposizione interno-esterno sempre centrale nelle pellicole di Mendes viene nuovamente riproposta: non è un caso che la destinazione finale contenga entrambi gli elementi. Un’abitazione al tempo stesso chiusa in sé stessa, ma aperta all’infinito, un luogo in cui gli opposti coesistono e si alimentano l’uno con l’altro. E’ questo il nuovo approdo di Mendes: la famiglia è un luogo di contraddizioni, di luce e tenebre, di paure e speranze, di amore e odio…la sua riuscita dipende dai “costruttori”.

Mendes insomma ci mostra la vita: le ansie e le paure che stanno alla base della costruzione della vita familiare, il terrore di sbagliare, di perdere quello che si è costruito o di non essere in grado di conservarlo; siamo di fronte alla ricerca ossessiva di un metodo che in fondo non esiste e del bisogno di trovarlo per sentirsi più sicuri. Il nuovo Mendes crede nella forza dei sentimenti, nell’affetto e nell’amore che possa unire due persone e che questo sentimento possa essere la pietra fondante e il collante di una famiglia anche nei momenti di difficoltà.

Che il regista britannico abbia trovato la sua dimensione? Io spero di si.

C’è da dire che a contribuire al bellissimo risultato finale sono soprattutto i due sceneggiatori, Dave Eggers e Vendela Vida, ai quali Mendes si affida con totale fiducia e devozione, rimanendo nascosto dietro la macchina da presa a spiare da vicino i suoi protagonisti.

(Ditenticate il titolo italiano(?), American life, perchè non c'entra assolutamente nulla...come al solito, direi!)

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Valeria

L'esplosivo piano di Bazil - Jean-Pierre Jeunet

2012-01-31T15:30:00.002+01:00

Dove si è nascosto Jean-Pierre Jeunet? Dov’è finita la sua poesia? E la capacità di emozionare con le piccole cose?

In Amèlie il trasporto è stato totale, come se il regista francese mi avesse letto nel pensiero e avesse trasferito tutto ciò che trovava nella mia contorta testolina sullo schermo, utilizzando un linguaggio personalissimo che lo rende ormai inconfondibile.
Ho sempre pensato che il colore giallo dei suoi film rappresentasse quel calore e quel trasporto emotivo che le sue pellicole hanno sempre posseduto, ma con Bazil non è stato così.
E’ come se Jeunet e i suoi personaggi si fossero persi e non trovassero più la strada per raccontarsi agli altri, donandoci solamente piccoli attimi. Il calore in questo caso si trasforma in gelo.
Non so se il problema sia la scrittura o gli attori, ma Bazil non riesce in quello che fa Amèlie, eppure la sua storia dovrebbe da sola incollarci allo schermo e farci patire e sorridere insieme a lui.
Se Amèlie eravamo noi, Bazil invece rimane lontano.
Quello che mi fa più arrabbiare è il non essere mai entrata dentro il film, il non essermi mai appassionata a quelle vicende e il non comprendere fino in fondo il bisogno di una vendetta che nella vita reale sarebbe stata comunque plausibile e comprensibile per la maggior parte delle persone. Perché non sono riuscita a capire e sostenere un ragazzo che vuole distruggere le due più grandi fabbriche di armi francesi in quanto colpevoli di aver ucciso suo padre e che hanno rischiato di fare fuori anche lui?
La motivazione iniziale di per se basterebbe, ma Bazil rimane comunque lontano.
Ci sono alcune scene che ci ricordano che Jeunet è ancora lì con la sua immensa creatività e genialità, ma nel complesso il film lascia poco, anche se diverte e fa sorridere.
Dispiace che il regista francese abbia perso l’occasione di regalarci ancora una volta storie e personaggi unici, capaci di lasciare il segno, emozionare e far riflettere allo stesso tempo.
Ho letto da qualche parte che è stato definito “il regista degli emarginati”, ed effettivamente mi trovo d’accordo con questa affermazione. Jeunet ha sempre dato voce a chi aveva paura, ai dimenticati, ai maltrattati e sfruttati ed è stato così anche in questo caso. Bazil e i suoi strampalati amici vivono sotto una discarica, non hanno lavoro e sembrano non esistere, ma riescono ugualmente a lasciare un segno nel mondo.
In fondo Jeunet è sempre stato un grande umanista, fiducioso nella capacità e nella solidarietà umane, ha sempre creduto che l’uomo potesse fare grandi cose utilizzando i mezzi a sua disposizione in maniera opportuna. La creatività e l’ingegno sono sempre al centro delle sue vicende. Per questo motivo il film lascia l’amaro in bocca; i personaggi creati da Jeunet hanno le loro particolarità, le loro manie, i loro sogni, ma rimangono bidimensionali accatastati sullo schermo e dimenticati presto.

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Valeria

Fёdor Michajlovič Dostoevskij (Mosca,11/11/1821-San Pietroburgo, 28/01/1881)

2012-01-28T13:35:00.005+01:00

Oggi ricorre l'anniversario della morte di uno degli scrittori più grandi che la storia abbia mai avuto. Il 28 gennaio 1881, al suo appartamento di Pietroburgo, si spegneva Fёdor Michajlovič, appena un mese dopo la pubblicazione de I fratelli Karamazov, da molti considerato la sua migliore opera.

Scrivere di una persona così importante mi mette enormemente in soggezione, ma voglio rendere omaggio a questo grande uomo a cui sento di dovere parte della mia personalità. Non esagero se dico che non sarei la stessa persona che sono adesso se non avessi letto Delitto e castigo, o Memorie dal sottosuolo (non so adesso se questo sia un bene o un male).
I libri di Dostoevskij hanno una forza che lascia il segno su chiunque li legga, non si può restarne immuni. Mai ho sentito di persone che sono rimaste indifferenti alle sue letture.

Ciò che lo rende così particolare e unico è la sua capacità di capire e di descrivere gli uomini. Non conosco uno scrittore capace, come lui, di scendere in profondità nelle anime delle personaggi. Non so dire come lo fa, so solo che quando finisco di leggere un suo libro sento di aver conosciuto qualcuno, non di aver letto un libro. Io ho conosciuto Raskol'nikov, ho penato per lui, sono stato attratto da Stavrogin, ho avuto voglia di picchiare e di prendere per il culo Pёtr Verchovenskij, e sono anche io un po' innamorato di Sonja. Vedo tutti questi personaggi con un chiaro volto e una chiara personalità, sento anche che ognuno di loro è parte di me.

Lo zio Fёdor (come piace chiamarlo a me e a una mia combriccola di amici) ha anche questa capacità di individuare piccoli germi presenti in ognuno di noi e trasformarli in personaggi. Leggendo le sue opere non possiamo non restarne rapiti, perchè sentiamo che parla anche di noi, che scopre lati della nostra personalità che capiamo di avere solo quando leggiamo.

Io sento dentro di me un piccolo (anche grande) Raskol'nikov, un piccolo (anche grandissimo) uomo del sottosuolo, ho scoperto un piccolo Stavrogin, un piccolo Kirillov, un piccolo Marmeladov.. cazzo, forse anche un piccolo Pёtr Verchovenskij!

Sono tutte conoscenze di parti di me stesso che ho fatto grazie a lui.

Questo peculiare talento di Dostoevskij assume un merito ancor maggiore se pensiamo che questa profondità di analisi psicologica avviene in un periodo storico in cui nessuno aveva ancora parlato di psicologia. Non esisteva ancora il concetto di subconscio, eppure lo zio Fëdor, con la sua straordinaria abilità di capire gli esseri umani e la loro natura più intima, già scavava negli abissi della personalità, muovendo i primi passi in un terreno che sarebbe stato poi tanto percorso nel XX secolo.

A Mosca, visitai la casa-museo. Vidi la casa in cui lo zio Fёdor era cresciuto e aveva mosso i primi passi verso la letteratura.

C'erano i suoi quaderni scolastici, la scrivania a cui si sedeva ogni sera, il baule che usava come letto, la sua penna, la sua giacca e il suo primo rasoio da barba. Era una casa piccola, con poche finestre, molto buia e scarna. Un ambiente che faceva pensare più a un monastero che a un'abitazione.

“Lui amava questa casa, secondo alcuni studi i ricordi di questo posto gli hanno ispirato alcuni tratti dei Fratelli Karamazov” mi disse la guida.

Fu molto emozionante camminare negli stessi luoghi che lui ricordava con tanto affetto.

A sedici anni, Dostoevskij andò via dalla casa che sempre ricordò come il lato più positivo della sua vita. Ancora in lui c'erano solo gli embrioni di quella scioccante sensibilità che venne poi, a seguito degli innumerevoli eventi traumatici che gli piovvero addosso: la morte della madre per tisi, l'uccisione del padre, gli attacchi di epilessia, l'arresto per cospirazione, la condanna a morte, la salvezza annunciata solo sul patibolo, i lavori forzati in Siberia e altri..

Ebbe sin da giovane una forte passione per la letteratura, ma cominciò a scrivere tardi, quando tornò ad essere un uomo libero e quando il congedo militare gli diede il tempo di mettersi davanti a carta e penna.

Sebbene sia certo che tanti furono gli scrittori del '900 che dichiararono di amare o di essere stati influenzati dagli scritti di Dostoevskij (tra i quali Bulgakov, Majakovskij, Grossman, Moravia, Pasolini) mi mancano sufficienti conoscenze letterarie per poter asserire con certezza quale sia la sua effettiva influenza sulla letteratura internazionale.

I miei elogi, che vorrebbero essere senza fine, sono frutto di una gratitudine che ho nei confronti di quest'autore per avermi fatto scoprire dei lati di me stesso che altrimenti non conoscerei.

Spero d'aver lasciato, a chi non ha ancora avuto la fortuna di leggere qualche sua opera, un po' di curiosità.

Un saluto a tutti voi, e uno speciale allo zio Fёdor: Grazie di essere esistito e di aver scritto!

Robin

Moravia su Dostoevskij

In memoria di Theo Angelopoulos

2012-01-25T16:21:00.003+01:00

Theo Angelopoulos ci ha lasciato ieri sera, in una notte invernale di Atene, dopo essere stato investito da una moto lungo le strade della capitale greca. Che destino beffardo pensavo ieri sera, mentre la malinconia e i ricordi che mi legavano al suo cinema, facevano capolino nella mia mente: la velocità di un bolide strappava alla vita un artista che faceva della dilatazione temporale il suo marchio autoriale. Colui che della lentezza (ma di quella alta,nobilissima) faceva un vanto era stato portato via in una carrellata di pochi secondi a molti chilometri all’ora.

E’ triste pensare che non mi potrò più fare quei lunghi dialoghi a distanza con questo autore che molto ha dato agli appassionati di cinema. Cinema puro, senza compromessi, che tanto donava ma che tanto richiedeva. Andare a vedere un suo film era un po’ una sfida. Ai titoli di testa lo temevo un po’ ma, quasi sempre, al primo piano sequenza venivo conquistato da questo incredibile poeta delle immagini. Delle volte, soprattutto negli ultimi film, mi faceva arrabbiare perché caricava le sue sceneggiature di una poesia francamente superflua sopra delle immagini di per sé bastevoli. Ma era un confronto che in ogni caso ti faceva crescere.

Vidi il suo primo film nel 1989, era Paesaggio nella nebbia, avevo appena compiuto diciotto anni ed era il primo esame di maturità che l’arte cinematografica mi sottoponeva a un livello così profondo. La forza di quelle immagini non mi ha più lasciato e la scena di quella ragazzina che scende, con il volto triste, da un tir dove un selvaggio aveva probabilmente abusato di lei, si scolpì nella mia mente per sempre. Nessuna violenza gratuita nelle immagini solo una compassione incredibile nel riprendere discretamente il volto segnato di quell’adolescente. Fu la sua prima grande lezione morale. Un’estetica dello sguardo che non ha bisogno di sangue e urla per entrarti dentro. Dopo quel film cominciò la ricerca (in quegli anni per niente facile) dei suoi film. Ogni volta che ne trovavo uno era una conquista che riuscivo a dividere con pochi compagni universitari che con me condividevano questa passione. Scoprì dei capolavori grandiosi, dal suo primo film Ricostruzione di un delitto, a La recita, da I giorni del ’36 ad Alessandro il grande. Ogni suo titolo richiederebbe molto tempo per essere seriamente discusso. Dopo ogni suo film aumentava l’amore per una terra, la Grecia, che conoscevo poco. Per la prima volta non vedevo una Grecia da cartolina, quelle delle isole e del mare o, al massimo, del Partenone, ma vedevo una terra aspra, la Grecia delle montagne e di un popolo eternamente ferito ma sempre pieno di forza e di orgoglio. Fu grazie ad Angelopoulos che decisi di scegliere lo studio del greco moderno all’Università. Lo feci solo per un anno purtroppo e non mi rimase moltissimo a livello linguistico (se non la capacità di leggere i titoli dei suoi film in originale…) ma mi ha permesso di capire un po’ meglio quella cultura, spalancandomi le porte verso la conoscenza di autori fino ad allora sconosciuti come Kavafis o Ioannu.

Di questo e di tanto altro sono grato a Theo Angelopoulos e oggi sono molto triste nel dovere dire, per l’ultima volta, ciao Theo e che lieve ti sia la terra.

Sergio

Buon compleanno Federico (20/01/1920 - 20/01/2012)

2012-01-20T14:29:00.003+01:00

Per chi ama il cinema la figura di Fellini è simile a quella di un membro di famiglia. Non somiglia a quella di un padre (gli manca probabilmente la seriosità e la severità proprie di un genitore) ma si avvicina di più a quella di un vecchio nonno, forse un po’ svanito, con cui da bambini amavamo passare i pomeriggi per farci raccontare storie cariche di magia.

Oggi Fellini avrebbe compiuto novantadue anni ma purtroppo è andato via già nel 1993 lasciandoci però un bel po’ di opere in regalo. Non ricordo più quale fu il suo primo film che vidi, tutto si confonde dietro sale buie dove da bambino, e poi da adolescente, riuscì a vedere surreali prove d’orchestra paradisiache città delle donne fino a quella magnifica voce della luna rimasto il suo ultimo titolo. Dopo non riuscì a fare più nulla perché il mondo stava già cambiando (per molte cose in peggio) e davanti a quei sogni straordinari (che tanto meglio ci facevano capire la vita) anche i produttori cominciavano a temerne le conseguenze. Troppo costosi da realizzare e troppo complicati da capire per un pubblico che si stava ormai abituando ai linguaggi della tv commerciale (e anche questo Fellini lo comprese prima di tanti altri quando realizzò nel 1985 Ginger e Fred).Trascorse gli ultimi anni come fosse un monumento in vita ma quel misterioso progetto del viaggio di g.mastorna se lo portò nell’aldilà e chissà se da qualche parte poi riuscì a realizzarlo non appena fu raggiunto da Marcello Mastroianni che di quel film doveva (naturalmente) essere il protagonista.

Purtroppo Fellini non mi sembra essere ricordato abbastanza e tra i giovani non riesco a trovarne molti che mi chiedano i suoi film o che amino parlare di lui, quando (raramente) questo capita mi riempio di gioia e non vorrei più smettere di ricordare. Perché dietro ai sogni di Fellini c’è sempre stata tutta l’anima dell’Italia dalla fine della guerra agli inizi degli anni Novanta. Quell’Italia che attraverso sceicchi bianchi e vitelloni faceva finta di diventare adulta e che nella dolce vita si rispecchiava in modo goloso. Passando poi tra gli inferni onirici di otto e mezzo (forse il soggetto cinematografico più copiato in assoluto) ai ricordi irresistibili dell’infanzia romagnola di Amarcord. Tutto visto sempre con gli occhi di uno a cui piace giocare, a cui piace sognare (ed infatti l’immagine del circo è quasi sempre presente nei suoi film). Quanti capolavori ci ha lasciato e quante lezioni dovremmo ancora imparare prima di citare a sproposito giovani registucoli che pieni di boria vorrebbero farci passare per originali delle intuizioni che Fellini ebbe già qualche decennio fa…

Buon compleanno Federico e dai un abbraccio a Giulietta…

Sergio

Clint Eastwood - Hereafter

2012-01-17T19:22:00.000+01:00

Ieri sera mi sono lasciata tentare da Hereafter… anzi, a dire il vero Sergio mi ci ha tirato dentro con l’inganno! Comunque, vedo così pochi film ultimamente che mi sembrerebbe un’occasione sprecata non parlarne con voi… Non è vero! Non voglio dire bugie, perché è proprio per il suo naso da pinocchio che Clint mi fa antipatia. La verità è che il film non mi è piaciuto affatto e quindi l’Anton Ego che c’è in me scalpita per uscire…
L’interrogativo di partenza è quello più antico e più attuale del mondo: “Esiste una vita dopo la morte?”. Tre storie parallele si dipanano da questo unico nodo iniziale: una giornalista vive un’esperienza di pre-morte, un bambino perde il suo fratello gemello in un incidente, un sensitivo avverte il peso di una vita popolata da ombre dell’aldilà. Non c’è bisogno che vi dica che queste tre storie diventeranno una prima della fine del film e che la giornalista si azziterà (si accoppierà per i non indigeni…) col sensitivo, quello che va detto invece è che tutto ciò avviene in un modo talmente forzato da essere irritante. Sono irritante anch’io, lo so… ma mi aspetto di più da un colosso così elogiato dalla critica… questo compito in classe di sceneggiatura è freddo, nonostante i trucchetti e le musiche di sottofondo strappalacrime. La morte non è già orrenda di suo? E allora perché la musichetta? La vita, la morte, l’esistenza umana… è tutto così complesso e inafferrabile! E allora perché i personaggi sono banalizzati in questo modo insopportabile? Il sensitivo è fragile, è triste perché si sente prigioniero dei dolori altrui, si sente perseguitato da morti che non lo riguardano… chi gli mettiamo vicino a dargli fastidio? Un fratello insensibile e cialtrone col gusto degli affari che vuole fare di lui il nuovo padre Pio. La giornalista è una donna forte, in carriera, che va dritta dritta verso la vetta del successo… cosa mai le capiterà? L’esperienza con la morte le farà perdere il lavoro e rivedere i suoi valori… e cosa fa quel birbante del suo uomo? Sì, sì, avete indovinato, la tradisce con la stangona che le ha rubato il posto di lavoro. La musichetta incalza. La storia è scritta con una bella calligrafia, ma non mi arriva niente.
Mi piace pensare che “l’arte” cominci quando questi trucchetti diventano invisibili, quando lo spettatore si commuove senza sapere perché, quando è catturato al centro della storia senza frecce luminose o cartelli che indicano “da dove si deve passare”.
Caro Clint, preferivo il whisky e le pallottole.

Gabri

Drive - Nicolas Winding Refn

2012-01-10T20:59:00.004+01:00

Prima di addentrarmi (e giuro che non vedo l’ora) nell’analisi di questo film, è necessario definire cos’è Drive per evitare eventuali fraintendimenti e malintesi: non è né un action-movie né un thriller dalle venature pop, ma una semplice, e mi permetto di dire, meravigliosa storia d’amore, in cui violenza e rabbia totalizzante sono funzionali alla comprensione di ogni singola azione, a differenza dei film e dei registi a cui questa pellicola e Refn sono stati recentemente accostati (Tarantino per citarne uno).

Del nostro protagonista non abbiamo nessun dato anagrafico e questo contribuisce ad accrescere quell’alone di mistero e inquietudine che gli aleggia intorno; sappiamo solo che lavora in un’officina, fa lo stuntman in alcuni action-movie e arrotonda prestando servizio come autista per alcuni rapinatori di banche. Il Driver è silenzioso, composto, contenuto, un attento osservatore che non lascia nulla al caso, ma la sua vita sarà scossa dall’amore per la vicina di casa.
Un amore che si nutre di silenzi, sguardi e piccoli sorrisi, ma non per questo meno profondo e intenso di quelli comunemente vissuti e incontrati; un vortice di passione che sembra travolgere quel mondo fatto di compostezza e autocontrollo, trovando la sua essenza in esplosioni di violenza necessari alla difesa delle persone amate. In quei gesti, così brutali, feroci e selvaggi si legge una dichiarazione d’amore a cui nemmeno le parole avrebbero potuto dare una simile profondità. Un “real hero” violento e dolce, feroce e umano allo stesso tempo.

Quello che colpisce è la scelta di raccontare una storia d’amore in cui prevalgono la rinuncia e il silenzio e di farlo attraverso lo sviluppo di un processo di autodistruzione necessario alla difesa della donna amata. E’ possibile parlare di amore, un amore puro e incondizionato, sporcandosi le mani di sangue? Decisamente si. In questa spirale autodistruttiva l’amore non può prescindere dalla violenza e la violenza non può prescindere dall’amore, e così diventano una cosa sola. Non è più possibile definire dove finisce una e inizia l’altra, non resta che vivere quelle emozioni così antitetiche, ma bisognose l’una dell’altra.

Alla fine nel film la violenza e la ferocia cedono il passo alla dolcezza e alla delicatezza, cancellando le macchie di sangue e i morti lasciati lungo il cammino. Se i gesti di violenza non sono altro che gesti d’amore, il Driver, bruto e silenzioso, è un uomo che deve fare i conti con se stesso, il proprio amore e chi minaccia di distruggerlo.

La scena dell’ascensore, così delicata e violenta allo stesso tempo, è quella che meglio riassume le contraddizioni di questo sentimento.

Chiudo con invito: recuperate, se potete, la filmografia di Refn perché è davvero preziosa.

Valeria

E morì con un felafel in mano - Richard Lowenstein

2012-01-07T03:28:00.001+01:00

Un caotico film che lascia un po’ interdetti. La trama è semplice ma raccontata con estrema confusione, i personaggi sono molto curati, caratterizzati al massimo in maniera eterogenea.

La storia ruota attorno alla figura di Danny, aspirante scrittore sui trent’anni. E’ costretto a cambiare casa per i motivi più vari e assurdi: debiti che vanno sempre accumulandosi, riti pagani con sacrifici umani, poliziotti dal grilletto facile. A fargli da sfondo sono tre città australiane (Brisbane, Melbourne e Sidney) che vengono presentate con personalità molto forti e contraddistinte tra loro.

Indipendentemente dall’assurdità esponenziale degli eventi che accadono, Danny è sempre impassibile, flemmatico, sempre presente con una distaccata attenzione riflessiva. Sembra alla costante ricerca di una maturazione, della sua individualità; scrive citazioni, si siede in continuazione alla macchina da scrivere per non scrivere mai nulla se non pensieri sparsi. E’ pieno di piccole fisse che sembrano create da lui stesso arbitrariamente per darsi un tono. Sembra che aspetti qualcosa che, dall’alto, gli cambi la vita e che sia anche consapevole di quanto ciò sia stupido e inutile.

Empaticamente, sento una voglia smisurata di raggiungere una meta contro una pigrizia disarmante verso il percorso per raggiungerla.

Motore dell’azione sono i vari coinquilini, tutti individui schizzati, con personalità ai limiti del grottesco: dark lady “integraliste del separatismo lesbico”, tossicodipendenti che si abbronzano al chiaro di luna, attricette nevrotiche da soap opera, neonazisti, omosessuali frustrati e tanti altri.

Leitmotiv è anche il rapporto che si evolve con Sammy, unica vera amica del protagonista, poi amante, poi di nuovo amica, poi.. boh.

Tutti, comunque, individui disagiati, incapaci di inserirsi felicemente nella società che li circonda e, soprattutto, incapaci di comunicare tra loro.

Ognuno dei personaggi porta una propria tematica di riflessione, che si inserisce tra le altre quasi con la forza, generando di proposito confusione, rendendo l’incomunicabilità il filo conduttore di tutti gli eventi che accadono.

Quest’aspetto sembra crescere esponenzialmente man mano che il film va avanti, fino ad arrivare a livelli quasi paradossali, in cui i personaggi smettono di ascoltarsi e stanno in scena alternandosi il fuoco della macchina da presa per i loro singoli monologhi.

Il regista lancia svariati temi di riflessione in maniera volutamente caotica.

Da spettatore, sono ancora interdetto, confuso, come se qualcuno mi avesse tirato polvere negli occhi, millantandomi abilmente con frasi ad effetto e trucchetti narrativi che non riesco a comprendere. Ho la sensazione che a riflettere meglio sui numerosi temi proposti dal film potrei realizzare di essere stato preso per il culo nelle ultime due ore della mia vita e turbarmi leggermente, o, alla fantozzi, incazzarmi come una bestia. Eppure, mi sento di dire che il film m’è piaciuto.

Confuso, ma soddisfatto.

Robin

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Come definire un uomo che non vuole fare sesso?

Stefano Benni - I Mostri della Notte di Natale

2011-12-24T09:28:00.003+01:00

Vi copio e incollo un pezzo tratto da Dottor Niù - Corsivi diabolici per tragedie evitabili (libro che consiglio a tutti!) e auguro a tutti i lettori del blog un buon 25 dicembre :-)

Robin

Che Natale sarà? Un po' felice e un po' impaurito. Sembra che tutti si siano accorti che la Terra è in pericolo, anche se i tecnocrati ecofagi penecefali riuniti all'Aja, hanno riaffermato che per prima cosa bisogna salvare gli equilibri politici ed economici del mondo, e poi il mondo.

Un po' come dire che il mondo è la più grande e pregiata delle materie prime. Una ventata di eco-paura ha scompigliato i Media, più per presa di audience che per presa di coscienza.

Figuriamoci l'asse Rai-Fininvest, ormai così finto e impaurito dalla realtà da affidare la cosiddetta «Tv verità» ad attori e burattini.

Ma basta coi cattivi pensieri: non c'è inflazione, devoluzione o alluvione che possa fermare i doni di Natale, questa Festa durante la quale finalmente possiamo comprare in una settimana tutto ciò di cui non abbiamo bisogno il resto dell'anno. Ecco per voi i tipi più singolari di donatori natalizi.

L’Ansioso. Soggetto che entra in ansia da regalo con largo anticipo, a volte dal ventisei dicembre dell’anno prima. Ci tiene a far bella figura, ed è terrorizzato dall’idea di dimenticare qualcuno, o di sbagliare regalo. La vacanza natalizia è il suo periodo di maggior lavoro. Compila elenchi di persone e doni da abbinare. Già verso novembre inizia i primi acquisti. Misura di nascosto l’impronta del sedere su un divano perché deve regalare dei pantaloni. Entra di notte in casa dell’amico e gli fotografa l’armadio con le cravatte. Telefona agli amici del figlio per sapere che regalo vuole suo figlio che deve a sua volta telefonare a tutti gli amici per dire che regalo devono dire, e il risultato finale è un regalo all’Omnitel. Potete vedere l’ansioso, la settimana prima di Natale mentre gira per negozi con una serie di dossier, tariffari e cataloghi. La sua richiesta può essere terribilmente precisa. Una gonna scozzese verde e gialla per una signora che ha le chiappe asimmetriche. Un libro per un signore che ha due e mezzo di miopia, preferisce le copertine dorate, ha una passione per i cavalli e vuole che le storie finiscano bene. L’autore? Faccia lei. Quando finalmente l’ansioso arriva al fatidico ventiquattro sera, carica un quintale di regali sul portapacchi, sale in auto e stremato si addormenta nel garage. Si sveglia la mattina del ventisei. Nessuno in famiglia lo saluterà per un anno.

Il Ritardatario. E’ l’opposto dell’Ansioso. Si muove solo un giorno prima e in un pomeriggio pretende di comprare tutti i regali, fende la folla a gomitate, insulta i commessi, ruba orsacchiotti ai bambini, urla “ma che cazzo ci fa in giro tutta questa gente!”. In due ore esaurisce gli acquisti. Per questa sua fretta, il ritardatario è quasi sempre monotematico. Cioè, accappatoio rosso per tutti, vaso portafiori per tutti, dentiere per tutti, compresi i bambini.

L’Antinatalizio. Inizia un mese prima a martellare la frase “quest’anno non faccio regali, e guai a voi se mi fate un regalo, basta col consumismo.” Dopo questo diktat, ecco cosa può accadere.

a) L’Anti tiene duro, non fa regali a nessuno ma tutti gli fanno un regalo e lui, sotto sotto, sente di aver fatto una figura di merda.

b) L’Anti tiene duro, non fa regali a nessuno, nessuno gli fa un regalo e lui ci rimane male e fa l’offeso.

c) L’Anti cambia idea, fa regali a tutti, nessuno gli fa regali rispettando il suo antico volere, e lui si incazza perché l’hanno preso sul serio.

d) L’Anti fa il regalo solo al piccolo Sergino, un etto di caramelle, e il piccolo Sergino glielo tira in faccia.

Il Riciclatore. Pericolosissimo. Non si sa se agisca per parsimonia o vizio atavico. Ma riciclare i regali ricevuti è più forte di lui. Anche se è un abile incartatore e infiocchettatore, finisce inevitabilmente smascherato. I suoi errori più comuni: regalare una statuetta giapponese alla stessa persona che gliel’ha regalata il Natale prima. Regalare alla fidanzata di nome Adele un libro con la dedica “al mio bel porcone la sua Cinzia”. Regalare agende del 1997, oppure con la scritta “La Banca Romagnola fa i migliori auguri ai suoi clienti”.

L’impacchettatore. A questo tipo di donatore non interessa il regalo ma la confezione. Passa ore e ore a manovre fogli di carta lucida, nastri, pigne dorate, palline di vetro, muschi e licheni. Confeziona scatoloni di ogni forma e colore, è capace di stare tre ore a pensare come impacchettare un ombrello senza che sembri un ombrello impacchettato. Il risultato finale è che in quella confusione di nastri e carte, non si sa più di chi sono i regali. Accadono spiacevoli scambi: sci di due metri e mezzo per il piccolo Sergino, una confezione di Viagra per il cane, un osso per lo zio, un reggicalze per il padre, una pipa per la mamma, un cazzo di gomma per la nonna e i ferri da calza per il fratello.

Il Gastronomo. Regala solo roba da mangiare. Compra ad esempio una mortadella di venti chili. Poi pensa che è troppo grande ed è meglio dividerla in due regali. Mentre la divide, ne mangia cinque chili. Poi, in un attacco di tirchieria, ci fa sei regali e sei mortadelline. Ne mangia quattro. Si accorge adesso che il regalo è alquanto misero e, per il nervosismo, mangia le ultime due. Si presenta a mani vuote e, al pranzo natalizio, vomita appena arriva in tavola la mortadella.

Lo snob. Costui non fa regali né li riceve. Snobba anche il cenone. Raramente fa l’albero o il presepe. Di questi individui ce ne sono parecchi, ad esempio, in Zaire, in Bangladesh e in Sudamerica.

Il Tradizionale o Veronatale. Il più pericoloso di tutti. Per lui a Natale bisogna rispettare scrupolosamente ogni rito e tradizione. Già la settimana prima inizia a controllare la casa dove avverrà lo scambio dei doni. Se non c’è l’albero, lo porta lui e lo arreda, se non c’è il presepe, lo fa, se il padrone di casa è ateo, nasconde la grotta di Betlemme nel freezer, l’importante è che ci sia. Inizia a massacrare tutti con telefonate del tipo “mi raccomando non regalare una vestaglia a mamma che gliela regalo io, e non scordarti il bambolotto a Serena perché io le regalo la sciarpina”. Pedina di nascosto i parenti per accertarsi che facciano gli acquisti giusti. Controlla anche il Natale dei limitrofi, ad esempio si fa mandare un a polaroid del presepe dalla famiglia della fidanzata, o telefona al suo dentista chiedendogli perché non ha ancora comprato il panettone. Sceglie il menù della cena. Si presenta con un centrotavola natalizio formato da un bosco di abeti, grappoli di palle e una candela alta un metro che, accesa, ammorba l’aria. Da questa abetaia escono spesso scoiattoli che rubano la frutta. Obbliga i bambini a leggere la poesia, i grandi a cantareSilent night, il nonno a raccontare il Natale sotto le bombe. A mezzanotte, distribuisce lui i regali uno alla volta. Ogni volta il donatore deve spiegare i motivi profondi della sua scelta, e il ricevente deve esternare con un breve discorso la sua gratitudine. Ogni venti regali si canta Astro del Ciel e si mangia un torrone. In una famiglia di dieci persone, questo tipo di distribuzione può durare fino alle sei di mattina. All’alba, se il Veronatale è religioso, trascina tutti a messa, se è laico li costringe a fare un giro in slitta. Se c’è neve bene, sennò si va sull’asfalto. Per difendersi da questo pericoloso individuo, alcune famiglie passano le festività in baite di montagna o, chi può, sulle isole tropicali, ma il Veronatale non demorde. Se vedete sull’aereo per i Carabi un uomo con un albero di Natale e una valigia di panettoni, sappiate che è un Veronatale che sta per colpire a distanza. E Dio non voglia che, per un ritardo, dobbiate passare il Natale in volo con lui.

Eduardo De Filippo - Natale in casa Cupiello

2011-12-22T22:04:00.005+01:00

I riti sono probabilmente necessari agli uomini, attraverso il riproporsi di certi contesti l’uomo ritrova il filo rosso che lo lega al proprio passato e gli permette di guardare alla propria vita con un sentimento di unitarietà. Il Natale, al di là degli aspetti propriamente religiosi, rappresenta il rito più importante del mondo occidentale. L’atmosfera natalizia, che ruffiani messaggi pubblicitari ci vogliono inculcare solo per spendere un po’ di più, è in realtà uno dei sentimenti più intimi e nello stesso tempo (passando attraverso la sua unicità) più universali della nostra società. Molti amano questa data, qualcuno non la regge ma è difficile trovare chi rimanga indifferente all’avvicinarsi del 25 dicembre.

Personalmente ritengo che l’atmosfera natalizia riviva attraverso il riprodursi di sensazioni della propria infanzia, se riusciamo a risentire voci, emozioni che ci riportano a quello che sono stati i nostri natali passati ecco che questa atmosfera si appropria di noi. Assieme a volti e luoghi delle antiche feste, per me l’atmosfera ha bisogno di un piccolo sostegno culturale. Quello che per me funge da piccolo rito all’interno di un rito più grande: mettere su il dvd di Natale in casa Cupiello di Eduardo. Ritrovo immediatamente sensazioni innumerevoli che partono da me bambino e attraverso gli anni mi vedono crescere sempre con quella inimitabile voce edoardiana che dice “te piace ò presepe?”. Parlare di quest’opera da un punto di vista di critica teatrale mi allontanerebbe in questo momento da quello che vogliono essere queste righe. A volte mi chiedo anche se ci riuscirei… forse no, quando qualcosa è così legata alla tua persona come fai a sezionarla con gli strumenti della critica? La guardavo da bambino negli anni Settanta in televisione, poi negli anni Ottanta comprai la videocassetta e adesso il dvd… ogni volta che si avvicina il Natale Luca Cupiello si sveglia e ricomincia a fare il presepe. E ogni anno mi convinco sempre di più della grandezza di Eduardo De Filippo. Nessuno come lui riesce a parlarmi degli affetti familiari, delle cose che rendono una vita meritevole di essere vissuta. Di un’umanità che spesso fatico a ritrovare nel mondo. Luca Cupiello era, romanticamente, un illuso… non vedeva il mondo cambiare e, attraverso la costruzione del presepe, riproponeva se stesso da bambino con i suoi affetti inattaccabili e le sue certezze granitiche. Il suo presepe è misero ma lui ci vede il mondo intero, la sua famiglia attraversa situazioni complicate ma lui sembra non accorgersene, per lui esiste solo il Natale che arriva e il presepe da costruire. Ma il suo non è disinteresse, è fiducia nel fatto che solo l’amore rimette a posto le cose. Anche quelle più gravi. Perché quella che può sembrare la fissazione di Luca Cupiello è in realtà una delle più grandi lezioni che Eduardo ci ha lasciato. Non è facile trascriverla con parole questa lezione; sta tutta negli occhi di Luca Cupiello che chiede ancora una volta al figlio, nella scena finale, “te piace ò presepe?”. Gli eventi familiari sono precipitati ma nella risposta del figlio si riapre finalmente la speranza. Lui che rispondeva continuamente con fastidio al padre sull’utilità del presepe, trova alla fine un’illuminazione in quegli occhi e risponde “sì, me piace…” Non è un semplice scambio di battute tra padre e figlio, è una presa di coscienza fortissima da parte del figlio (e quindi della vita che verrà). Come i fedeli napoletani aspettano ogni anno la liquefazione del sangue di san Gennaro per affrontare con fiducia il futuro, ogni anno attendo l’ultima battuta di quest’opera immensa per vedere se riesco ancora ad emozionarmi e a dire, ancora una volta, “ si, me piace ò presepe…”

Sergio

Natale in casa Cupiello

Nanni Moretti - Habemus Papam

2011-12-20T16:47:00.005+01:00

Mi si accusa di essere troppo parziale nei confronti di Moretti verso il quale nutro una simpatia esagerata, che forse trascende le sue doti registiche…
Non capisco un granché di inquadrature, tagli e sequenze… e nonostante i miei studi e sforzi, la valutazione che riesco a dare di un film è sempre basata su altri elementi.
Nanni Moretti mi piace. Il suo umorismo mi aiuta a sopportare le cose che nella quotidianità mi deprimono irrimediabilmente. Grazie a lui adesso riesco a ridere ogni volta in cui mi trovo accidentalmente in contesti imbarazzanti quali ad esempio, reading di poesie appena scritte dai nipoti sfigati di Carmelo Bene o aperitivi intellettuali in cui il numero di noccioline è nettamente superiore a quello dei neuroni… immediatamente nella mia testa si fa viva la sua voce che dice “Mi si nota di più se vengo e mi metto in disparte o se non vengo per niente? Vengo e mi metto vicino a una finestra, di profilo, in controluce…?” Così riesco a tornare a casa sorridendo.
Mi sembra che Moretti riesca a migliorare la realtà con la sua chiave comica, rendendola così anche più “umana”… se prendiamo da questa parola ciò che ha ancora di buono da offrire. E’ questo il caso di Habemus Papam, perché quella che il regista dipinge è a mio parere una Chiesa migliore di quello che è in realtà… la Chiesa però non sembra essere di questo parere (e la cosa non mi stupisce per niente), anzi ha addirittura sollevato una grossa polemica invitando la gente a boicottare le sale in cui si proiettava la pellicola (anche dal punto di vista della strategia adottata… nulla di nuovo sotto al sole).
Lo spunto narrativo mi è sembrato bellissimo: il neo-eletto santo padre si sente schiacciato dal ruolo e dalla responsabilità assegnatogli e cade in uno stato di panico che non gli permette di iniziare a svolgere il suo mandato. Entra così in ballo la psicoanalisi, con un Moretti che recita sé stesso alle prese con una terapia impossibile. E’ possibile indagare sui sogni del Papa? Meglio di no. Sulle sue fantasie sessuali? Assolutamente no! Un accenno alla mamma? Meglio di no. La macchina-Chiesa si mette in moto per mantenere il segreto e salvare le apparenze e, mentre il Papa tenta la fuga mescolandosi tra la gente comune di Roma, il Moretti psicologo rimane prigioniero del Vaticano regalandoci le scene più comiche di tutto il film.
A questo punto devo aprire una grossa parentesi che riguarda Michel Piccoli… la sua bravura è quasi divina (per restare in tema)… Un colosso della scena che recita con ogni singolo muscolo del corpo, rendendo indelebile anche la sfumatura emotiva più lieve. Il personaggio che indossa, arriva dritto al cuore, ci mostra un Papa estremamente umano, impaurito, un po’ bambino, disperatamente in fuga verso i suoi ricordi di gioventù, legati ad una vita senza abiti sacri.
Quando lo sbandieramento gaudioso della folla di fedeli in piazza San Pietro si arresta impotente davanti alla debolezza del Papa che non riesce ad assumersi la responsabilità di essere guida di una Chiesa così fatta… il film sembra finire con un retrogusto amaro e qualcosa di irrisolto. Ma dopo averci riflettuto un po’, ho apprezzato moltissimo la scelta di Moretti. Se davvero la Chiesa si vestisse di un’umanità più sincera e vacillasse anche solo per un attimo davanti alle sue certezze… sarebbe un ottimo modo per ricominciare in modo diverso e un’occasione per i fedeli di elaborare con coscienza, oltre che con fede, dei dogmi piovuti dall’alto…

Gabri

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Yasujiro Ozu (12/12/1903 - 12/12/1963)

2011-12-12T16:22:00.002+01:00

Il 12 dicembre del 1963 Yasujiro Ozu avrebbe compiuto sessant’anni ma quello fu pure il giorno della sua morte. Questo non è un evento usuale ma Ozu non è stato di certo una persona comune. Ritengo il suo cinema tra le creazioni più alte che il mondo della settima arte abbia prodotto in poco più di cento anni di vita. Conobbi i suoi film quando pensavo di avere già abbastanza esperienza nel campo delle conoscenze cinematografiche ma la visione dei suoi capolavori rimise in discussione tutte le mie teorie sul cinema. I film di Ozu erano qualcosa di straordinariamente nuovo, non riuscivo ad accostare la sua arte a quella di nessun altro autore. I suoi capolavori più grandi parlano del Giappone del dopoguerra, di una società profondamente segnata dall’esperienza atroce della seconda guerra mondiale. Ozu parlava di questo attraverso storie familiari, storie minime, rapporti tra padri e figli, generazioni a confronto in un mondo che cercava di rinascere dalle macerie. E’ stato definito il regista più giapponese per la sua profonda immersione nei riti della società nipponica ma, magicamente, parlando in maniera così specifica di un mondo a noi lontano nel tempo e nello spazio, riesce a parlare a tutti. Capacità che solo i grandi artisti hanno, trovare il mondo attraverso la visione di una piccola realtà quotidiana. Cominciai a vedere i suoi film in maniera quasi ossessiva, mi accorsi che le trame sembravano sempre molto simili ma quello che potrebbe essere un limite per altri registi, per Ozu diventava un valore aggiunto. Anche se iniziavo a confondere le trame di Viaggio a Tokyo, Tarda primavera, Il gusto del sakè, C’era un padre o Tardo autunno, scoprivo che di Ozu non potevo più farne a meno. Quando la malinconia o la stanchezza di un giorno faticoso si impadronivano di me ecco che Ozu mi prendeva per mano e mi faceva scoprire di nuovo la bellezza della vita. Come le commedie di Eduardo De Filippo ti donano un’umanità che, delle volte, non senti più di avere o come i quadri di Vermeer che riescono a darti serenità senza che tu sappia bene il perché, ecco che il cinema di Ozu ti restituisce tutto lo splendore dell’esistenza in un modo assolutamente misterioso.

Scoprì che quasi tutti i grandi registi della storia del cinema amavano Ozu, anche se sembravano distanti anni luce dalla sua poetica e dalla sua tecnica. Ozu fu anche un grande innovatore della tecnica cinematografica e le sue composizioni figurative hanno fatto scuola. La sua capacità di fare interi film senza un solo movimento di macchina (ma sfido chiunque ad accorgersene senza che lo sappia prima…) è straordinaria. Forse può sembrare eccessivo affermarlo (ma non per chi ami le sue opere) ma per me, malato di cinema da tanto tempo, esistono due storie del cinema. Una è quella di Yasujiro Ozu, nella seconda prendono spazio tutti gli altri. Non è questione di maggiore o minore importanza ma soltanto impossibilità di inserire Ozu all’interno di un discorso che racchiude anche altri autori.

Qualcuno ritiene esagerato il mio amore per il suo cinema ma sono sicuramente in buona compagnia. Quando a Wim Wenders (reduce dal suo Il cielo sopra Berlino, film sugli angeli e sull’animo umano), chiesero se credesse a una vita dopo la morte lui rispose che non sapeva se esistesse o meno un Paradiso ma era sicuro che sulla terra il posto che più gli si avvicinava era dentro i film di Yasujiro Ozu…

Arigatò.

Sergio

David Mamet - Redbelt

2011-12-11T02:23:00.000+01:00

Mike Terry (Chiwetel Ejiofor) è un insegnante di Ju Jitsu brasiliano (variante del più antico Ju Jitsu giapponese, sviluppatosi in Brasile agli inizi del '900, grazie a un console giapponese e ai suoi allievi del posto). Crede fermamente nei valori che il vero Ju Jitsu vuole tramandare, è contro il combattimento sportivo, sostenendo che “indebolisce” il vero guerriero; potremmo definirlo un samurai dei giorni nostri.

In una società come la nostra, però, un credo di ferro come il suo ha vita difficile. Le varie intemperie economiche che gli pioveranno addosso metteranno a durissima prova tutti i valori che difende.

Drammaturgo ormai esperto e praticante di arti marziali da tanti anni, David Mamet ci presenta una storia asciutta, ricca di colpi scena, in cui parla di resistenza e di valori, di una società sporca in cui domina solo il dio denaro, e dove anche coloro che rappresentano quelle che dovrebbero essere piccole oasi di purezza, sono marci fino al midollo. Pochi personaggi rappresentano una lotta a questo sistema, una lotta che difende quei valori che non giovano al profitto ma rimangono necessari, sempre e comunque, all'essere umano.

Metafora di tutto: il Ju Jitsu.

Letteralmente “arte della cedevolezza”, il Ju Jitsu è la madre di tutte le arti marziali giapponesi, nata intorno al 1200 d.C. ad opera dei samurai. Il suo concetto fondamentale risiede nella cosiddetta “leggenda del salice”: durante le abbondanti nevicate, i rami di tutti gli alberi vengono spezzati dal peso della neve che si accumula. Il salice, invece, i cui rami sono flessibili, resta intatto perchè la neve scivola sul ramo che “cede” e non contrasta la forza della neve. La leggenda vuole che un samurai, osservato questo fenomeno, applicò il principio di cedevolezza in fase di addestramento, imparando a sfruttare la forza dell'avversario.

Una sceneggiatura a dir poco eccellente, da prendere come esempio per le nuove generazioni di scrittori. Concisa, essenziale, mai banale, in una parola: perfetta.

Magistrale anche l'interpretazione di Chiwetel Ejiofor, che rende così pieno di sfumature il personaggio principale, che vive una lotta interiore tra i valori in cui crede, e la situazione tragica in cui si trova.

Ben lungi dall'essere il solito film di arti marziali che tutti s'aspettano, il regista americano prende come spunto l'enorme e profondissima filosofia del Ju Jitsu per porci una riflessione sulla nostra società, senza voler imporre necessariamente una morale, senza far retorica.

Essenziale, deciso, preciso e necessario, proprio come il Ju Jitsu.

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Robin

Mario Martone - Noi credevamo

2011-12-06T23:57:00.001+01:00

Incontrai per la prima volta Mario Martone in un’estate dei primi anni Novanta durante il festival del cinema di Taormina. Stava preparando L’amore molesto (uno dei suoi film migliori) e mi colpì molto il fatto che leggesse, durante un incontro con la stampa, alcune pagine del suo diario di lavorazione sul set che riguardavano non il film che stava girando, ma delle riflessioni che Francois Truffaut faceva sulla propria idea di cinema ai tempi della realizzazione del suo Enfant sauvage. Autori lontani nel tempo e nello spazio che comunicavano a me, giovane appassionato di cinema, la medesima passione per un’arte, quella cinematografica, che non avrebbe più smesso di farmi compagnia.

Il cinema di Martone non mi ha mai deluso (tranne forse con L’odore del sangue). Dalla Morte di un matematico napoletano al citato L’amore molesto fino a Teatro di guerra, i suoi film sono sempre nati da esigenze forti; racconti di vite normali eppure straordinarie come quella del matematico Renato Caccioppoli o esperienze di teatriinguerra dove il conflitto nasce dal tentativo di fare teatro, e quindi vita, in una realtà in cui la vita non sembra più occuparsi dell’arte.

Quando quest’anno è uscito Noi credevamo, film sul Risorgimento che Martone preparava da anni e che, giustamente, è arrivato nel 150° anniversario dell’unità d’Italia, le aspettative erano tante e, al di là degli encomi istituzionali dovuti e scontati, il film rappresenta una ulteriore conferma delle qualità artistiche di Martone. Tratto dal libro omonimo di Anna Banti, il film racconta gli eventi italiani che, a partire dal 1828, portarono l’Italia ad una unificazione sofferta e forse mai veramente realizzata. La ricostruzione scenografica dell’Italia di allora è di altissimo livello così come l’interpretazione degli attori, forse dai tempi del Gattopardo viscontiano non avevamo una rappresentazione così viva di quegli anni. Inevitabilmente parlare di una storia che tocca le origini del nostro essere nazione ci porta a considerare questa pellicola su piani non esclusivamente cinematografici. Non è questo il luogo di riflessioni storiche ma mi sembra importante il fatto che Martone abbia scelto, per parlare del Risorgimento italiano, la storia di tre ragazzi del Cilento che dal sud credevano di combattere per un traguardo che forse non era proprio quello che si realizzò a partire dal 1861.

Probabilmente il Risorgimento non è mai stata una vera rivoluzione. Dopo quasi tre ore di film il momento che mi rimane maggiormente impresso è un passo di una lettera di Cristina di Belgioioso “l’albero è stato piantato, con delle radici malate ma è stato piantato…”; l’albero dell’Unità d’Italia mi convinco sempre più essere frutto del primo grande compromesso del paese. Una Rivoluzione che avrebbe dovuto portare la Repubblica e che invece si accontentò dei regnanti piemontesi… un meridione che voleva liberarsi della dominazione straniera e che finì per pagare ancora più tasse invece che ai borboni ai nuovi governanti. E’ un senso di insoddisfazione che ti lascia la visione di questo film, ma non per il valore (alto) della pellicola ma perché ci ricorda ancora una volta come il nostro paese si sia sempre fermato qualche metro prima dell’obiettivo con il risultato che l’ardore e l’idealismo puro dei patrioti di allora sia ormai definitivamente tramontato dopo un secolo e mezzo di accomodamenti continui.

Sergio

Scena film - Discorso di Mazzini (Toni Servillo)

I 400 colpi - François Truffaut

2011-11-21T15:15:00.005+01:00

Il caso ha voluto che, mentre mi accingevo a mettere giù qualche riga sull’ultimo film di Laurent Cantet (Entre les murs), la tv mandasse in onda quell’inarrivabile capolavoro di Truffaut; a quel punto non restava che mollare tutto, piazzarsi davanti allo schermo e ritornare bambina per dormire in una tipografia, falsificare giustificazioni e assistere ad uno spettacolo di marionette insieme ad Antoine. Il caso ha voluto, inoltre, che i due film avessero interessanti punti di contatto, ma, mentre il film di Cantet si focalizza sul ruolo delle istituzioni scolastiche contemporanee e sul loro complicato rapporto con studenti problematici, il film di Truffaut è uno spiazzante viaggio di crescita e ribellione; e qui crescere vuol dire sporcarsi le mani in prima persona, sbandare, commettere errori, rompere gli schemi imposti delle istituzioni, scolastiche e familiari in primo luogo. Ad un’infanzia mutilata o, addirittura, negata corrisponde l’incessante bisogno di “farsi da soli” per dimostrare di valere qualcosa; per Antoine, al quale “non riesce d’imparare” tra i banchi di scuola o le mura domestiche, ciò che è importante è apprendere le leggi della strada o chiudersi in un cinema per trovare la propria dimensione.
Dietro quest’incessante bisogno di crescita e maturità, si nasconde, però, la necessità di essere apprezzato e ben voluto dalle persone emotivamente più vicine, perché in fondo sempre di un bambino si tratta. La lotta di Antoine è, in primo luogo, una lotta interiore tra la propria anima-bambina e l’anima-adulta, è un rimanere in bilico tra il bisogno di innocenza ed inconsapevolezza e la fame di conoscenza.

Le scene in cui Antoine sorride (decisamente poche) sono quelle in cui gli è permesso rimanere bambino; un gelato dopo il cinema o una mattina passata in un luna park rappresentano tutto ciò di cui ha bisogno. E’ quando, invece, si ostina a giocare a fare l’adulto che l’intera situazione si complica e non c’è spazio per le punizioni da bambini, ma sono le leggi dei grandi a valere.
Ciò che spiazza è come tale condizione non sia percepita e riconosciuta da nessuno, fuorché da un suo coetaneo, il quale diventa l’unica ancora di salvataggio. I due piccoli uomini si sostengono a vicenda quando tutte le porte sono state chiuse e le chiavi gettate. Per questo quella scena finale, quella disperata corsa che porta al mare (mai visto da Antoine) ha una sapore diverso, di speranza.
Quella corsa che altro non è che il filo rosso che lega l’età dell’infanzia a quell’enorme distesa di acqua che è il diventare grandi.
La vita di Antoine e quella di Truffaut, in questo modo, sembrano fondersi insieme.
La grande capacità del maestro francese sta nell’aver saputo dipingere in maniera così cruda, ma allo stesso tempo delicata e leggera, quel momento di passaggio, così duro e necessario, dall’età dell’innocenza al tempo della consapevolezza e della maturità.

E proprio questo film rappresentò per me, la prima volta che lo vidi, quel momento di passaggio, di consapevolezza, di crescita interiore; è stata una delle prime pietre di quell’edificio che cerco ancora di costruire giorno dopo giorno.

Vi lascio con due scene
Scena marionette
Scena finale

Valeria

Stefano Incerti - Gorbaciof

2011-11-17T15:10:00.000+01:00

Ci sono dei film che non puoi immaginare di realizzare se non hai a disposizione un interprete all’altezza. Un attore che riesca a dominare anche il più impercettibile movimento delle sopracciglia per metterlo al servizio del personaggio. Io che sono sempre stato (abbastanza) d’accordo con sir Alfred Hitchcock (che alla domanda di alcuni suoi attori su come potessero riuscire a trovare le giuste motivazioni del personaggio rispondeva “nella paga che le viene data”), riesco ancora a ricredermi quando ammiro sullo schermo probabilmente il più grande attore che abbiamo attualmente in Italia, Toni Servillo.

Nel film Gorbaciof di Stefano Incerti, regista eterna promessa del panorama italiano capace di un esordio miracoloso con Il verificatore e poi abbastanza discontinuo nelle opere a seguire, tutto è studiato per permettere a Servillo di regalarci una delle sue più grandi prove attorali della carriera (secondo me superiore anche a Il divo). Il Gorbaciof del titolo è Marino Pacileo, ragioniere napoletano in servizio nel carcere di Poggioreale dove tiene la contabilità dei soldi che i parenti dei reclusi portano ai loro congiunti. Tutti lo chiamano Gorbaciof per quella strana voglia sulla fronte che ricorda l’ultimo presidente sovietico. Gorbaciof-Servillo trascorre le sue giornate tra il lavoro e il retrobottega di un ristorante cinese dove dilapida tutto in infiniti tavoli di poker,il vizio del gioco lo consuma facendolo continuamente perdere denaro in ogni modo possibile. Questo lo porta inevitabilmente a essere attratto dalla grande quantità di denaro che gli passa tra le mani nel suo luogo di lavoro e a cacciarsi in guai più grandi di lui. Ma Gorbaciof è in fondo un uomo buono, solitario, taciturno, timido e riesce ancora a sognare nonostante il grigiore dell’ambiente che lo circonda (una Napoli fotografata in modo magistralmente grigia nei suoi vicoli ormai multietnici). Una donna (la figlia del ristoratore cinese dove Gorbaciof gioca a carte) sarà naturalmente la tentazione che lo porterà a passi forse troppo azzardati. In questo film si parla pochissimo ma è tutto tranne che un film lento, Servillo riesce a dare uno spessore tale al personaggio da rimanere affascinati di fronte a tale bravura; i dialoghi, quando ci sono, non aggiungono moltissimo al film (oppure sono incomprensibili perché fatti in cinese o in un napoletano per esperti).

Alla fine della visione provi un leggero disagio dato dal fatto che, con un pò di accortezza in più in fase di scrittura, questo film poteva diventare un vero e proprio capolavoro e invece alcune leggerezze (soprattutto nel finale) lo faranno ricordare di più per l’immensa prova di Servillo che, comunque,non è poco.

Sergio

Trailer

V per Vendetta - James McTeigue

2011-11-05T19:25:00.003+01:00

C'è molto più della carne sotto questa maschera. C'è un'idea, e le idee sono a prova di proiettile...

Il misterioso V, nascosto dietro la maschera sorridente di Guy Fawkes, noto cospiratore inglese, membro della congiura, scoperta e repressa il 5 novembre del 1605, ai danni di Giacomo I D’Inghilterra, approda sul grande schermo e ci esorta alla ribellione.

Ed ecco che V ritorna a pareggiare i conti ben 604 anni dopo, in un futuro apocalittico e repressivo, in cui le autorità governative controllano e dominano ogni aspetto della vita sociale, così come le coscienze individuali, grazie all’audace e al furbo utilizzo dei mezzi di comunicazione di massa.

Tralasciando le scelte tecniche e stilistiche e le qualità narrative che sono senza dubbio di altissima qualità e contribuiscono a rendere l’opera un piccolo capolavoro, è sicuramente il versante emotivo ad essere così trascinante ed impetuoso.

Ogni gesto, ma soprattutto ogni parola, del nostro misterioso anti eroe sono una lama che trafigge lo stomaco, sono un pugno in pieno volto, una secchiata di acqua gelida che ci fa spalancare gli occhi e ringhiare; parole crude e dirette che ci svegliano da un cattivo sogno in cui da troppo tempo siamo intrappolati.

V ci esorta a riprenderci quello che è nostro e che da troppo tempo ci è negato, la nostra libertà; e per far questo bisogna rimuovere alla radice l’ordine vigente, sradicare il marcio su cui poggia e riposa, tranquilla e felice, la società moderna che ci logora giorno per giorno.

Non serve a niente continuare a fingere di vivere un’esistenza appagante e felice, in cui quel poco che ci viene concesso basta (e addirittura avanza) alla vita, non ha senso continuare a negare che in fondo una realtà migliore possa esistere. Se prima non svegliamo le nostre coscienze, da troppo tempo anestetizzate e sorde, non possiamo pretendere di meritare di meglio.

"perché mentre il manganello può sostituire il dialogo, le parole non perderanno mai il loro potere perché esse sono il mezzo per giungere al significato e per coloro che vorranno ascoltare all'affermazione della verità...e la verità è che c'è qualcosa di terribilmente marcio in questo paese"

Non limitiamoci a vivere da zombie sullo sfondo di una realtà mistificata e deturpata, in cui le nostre idee, i nostri valori e le nostre individualità sono violentate senza pietà dai signorotti del potere, ma marciamo verso il rinnovamento. Verso la rivoluzione.

Noi siamo il principio del cambiamento, noi siamo il futuro. E allora non lasciamo che le mie parole, come quelle di V e di Guy Fawkes, rimangano solo “belle parole”. Svegliamoci!

Ecco perché “V per Vendetta” è un film di un’attualità disarmante, fotografa la nostra situazione sociale e la pone davanti ai nostri occhi senza nessuno scrupolo; fa male in ogni singola scena perché ci mostra lo sfracello quotidiano di cui siamo protagonisti e spettatori.
Non ci resta, così, che alzarci e preparare il nostro 5 novembre.

Discorso V

Valeria

Pier Paolo Pasolini (02-11-1975 / 02-11-2011)

2011-11-02T15:56:00.001+01:00

Ci sono dei periodi nei quali l’assenza di qualcuno, o di qualcosa, diventa più forte. Amplificata da un senso di vuoto che quella presenza nel passato contribuiva a colmare. Il 2 novembre del1975 veniva brutalmente ucciso Pier Paolo Pasolini in circostanze che purtroppo non sono mai state chiarite totalmente. La figura di Pasolini per la cultura italiana degli ultimi decenni è stata talmente importante che risulta superfluo pensare di discuterla.

Un intellettuale completo, presente in quasi tutti i campi della produzione artistica e pienamente figlio del proprio tempo. Con le sue opere, letterarie e cinematografiche, con i suoi articoli, con i suoi studi ci ha permesso di capire la società italiana come pochi altri. Riusciva a vedere talmente lontano da essere ancora oggi, a quasi quarant’anni dal suo assassinio, una figura attualissima. Questa sua attualità ci fa sentire in maniera ancora più forte la sua assenza. La nostra società viaggia su parametri etici, politici e culturali talmente bassi da farci quasi provare vergogna e guardandoci attorno è veramente complicato trovare una voce all’altezza. Il nostro mondo culturale si è quasi ritratto di fronte allo scempio della società italiana attuale rendendoci drammaticamente orfani di figure che, come quella di Pasolini, non avevano nessun timore di entrare quasi quotidianamente nei dibattiti sulle questioni più importanti della vita del paese.

Pasolini ci manca,con le sue contraddizioni, con i suoi furori, con la sua rabbia e la sua capacità di vedere cosa stavamo diventando. In questo spazio, prevalentemente cinematografico, è naturalmente impossibile tratteggiare in maniera adeguata la figura di Pasolini e allora, in poche righe, vorrei che ci possa ritornare la voglia di studiarlo, di apprezzarlo per ciò che ci ha lasciato in eredità. Se oggi dovessi iniziare a far vedere qualcosa di Pasolini a chi non lo ha mai conosciuto, inizierei con La ricotta, episodio di un film collettivo del 1963 (Ro.Go.Pa.G). Per quel film Pasolini fu processato e condannato per vilipendio della religione cattolica, fu costretto ad inserire alcuni cambiamenti e a subire degli attacchi ferocissimi. Oggi i film di Pasolini li trovi comodamente tra gli scaffali delle edizioni paoline a conferma del fatto che il vero artista vede lontano e che quella che allora sembrava una provocazione (ma solo nella malafede di quella borghesia bigotta che sta(va) al potere) non era altro che uno dei capolavori della cinematografia italiana. Dirà Pasolini a proposito di questo film: “L'intenzione fondamentale era di rappresentare, accanto alla religiosità dello Stracci, la volgarità ridanciana, ironica, cinica, incredula del mondo contemporaneo. Questo è detto nei versi miei, che vengono letti nell'azione del film [...]. Le musiche tendono a creare un'atmosfera di sacralità estetizzante, nei vari momenti in cui gli attori si identificano con i loro personaggi. Momenti interrotti dalla volgarità del mondo circostante. [...] Col tono volgare, superficiale e sciocco, delle comparse e dei generici, non quando si identificano con i personaggi, ma quando se ne staccano, essi vengono rappresentare la fondamentale incredulità dell'uomo moderno, con il quale mi indigno. Penso ad una rappresentazione sacra del Trecento, all'atmosfera di sacralità ispirata a chi la rappresentava e a chi vi assisteva. E non posso non pensare con indignazione, con dolore, con nostalgia, agli aspetti così atrocemente diversi che una sì analoga rappresentazione ottiene accadendo nel mondo moderno”.

Quando vidi per la prima volta questo film ne rimasi profondamente colpito e da lì inizio il mio viaggio verso la conoscenza di Pier Paolo Pasolini. Oggi guardavo i programmi delle tv alla ricerca di un piccolo ricordo a uno degli uomini più importanti della nostra cultura ma, naturalmente, nulla è presente. E allora andiamocela a prendere noi quella capacità di indignarci, a saziare quella sete di conoscenza che a molti non fa comodo riconoscerci. Per fortuna la tecnologia ci aiuta e adesso, per sapere, non è richiesto molto sforzo. Solo un po’ di curiosità.

Sergio

Jane Campion - Bright star

2011-10-27T15:51:00.002+02:00

Avevo atteso con impazienza di potere vedere l’ultimo film di Jane Campion. Dopo il deludente In the cut del 2003 aveva diretto solo alcuni cortometraggi e temevo di dovermi ormai accontentare di rivedere i suoi capolavori del passato, dal celebratissimo Lezioni di piano ai non meno belli Un angelo alla mia tavola, Sweetie o Holy smoke. E invece Bright star è un vero e proprio gioiello cinematografico girato con un coraggio e una sapienza da farmi ritenere che possiamo nuovamente considerare Jane Campion come una delle autrici più importanti del nostro tempo.

Bright star narra degli ultimi anni di vita del poeta inglese John Keats morto in giovane età nel 1821 e nome tra i più importanti della nascente poesia romantica. Ma non è (fortunatamente) il solito film romanzato e superficiale sui personaggi celebri del romanticismo che tanto inutile ciarpame hanno prodotto al cinema e in televisione. La Campion riesce a realizzare (da qui il suo coraggio) un vero e proprio inno alla poesia (e di conseguenza alla vita). Attraverso la storia d’amore con Fanny Brawne, relazione mai vissuta fino in fondo dai giovani per le difficoltà economiche che proibivano a Keats di progettare qualcosa, la Campion ci immerge, in maniera quasi miracolosa, in quei magici momenti in cui ti accorgi che l’amore prende possesso della tua vita fino a renderti assolutamente (e felicemente) schiavo di esso.

Ci voleva coraggio per girare un film sulla poesia in anni come questi e non disdegnare di fare leggere ai due bravissimi attori protagonisti (Ben Whishaw e Abbie Cornish) interi componimenti di Keats; ci voleva coraggio per girare una storia d’amore senza una sola scena di nudo ma caricando di un infinito erotismo anche la più semplice carezza. Pochi riescono, come fa Jane Campion, a filmare il trasporto dei sentimenti e per far questo usa tutta la sua capacità (e qui sta la sua sapienza) di sfruttare il mezzo cinematografico. Alcune inquadrature sono talmente belle che credo rimarranno impresse a lungo negli occhi di chi amerà quest'opera.

Alla fine del film senti di stare meglio (anche se la storia non è naturalmente felice). Stai meglio perché capisci che se ti emozioni sei ancora vivo e che, se anche non credi più che la poesia possa salvare il mondo, sai che non smetterai mai di credere che potrà sempre migliorarlo. E se poi ti vien voglia di (ri)leggere le poesie di Keats ecco allora che il cerchio si chiude…

Sergio

Fanny recita la poesia bright star di John Keats
Testo Bright star

Serena Vitale - A Mosca, A Mosca!

2011-10-24T10:51:00.002+02:00

Monotematico io? Può darsi..

Da coloro che non nutrono quest'amore ai confini dell'ossessione, mi sono sentito spesso incompreso, ho perfino pensato di avere qualcosa che non andasse, poichè non sono mai riuscito a spiegare con parole il perchè di quest'attrazione così forte. Il libro di una delle slaviste più importanti d'Italia, famosa anche a livello internazionale, è una delle prove che non sono il solo ad essere affetto da questa “malattia” per questo paese così ricco di personalità, così unico e speciale: la Russia.

Serena Vitale, allieva diretta del grande Angelo Maria Ripellino (da cui sicuramente è stata influenzata non poco), andò per la prima volta a Mosca nel 1967, in piena epoca brezhneviana. Inimmaginabili sono le difficoltà di una studentessa poco più che ventenne, catapultata in un mondo ostile che la vede come nemica, in quanto borghese dell'occidente capitalista. Non rare furono le porte in faccia, specie all'inizio. La gente aveva quasi paura a parlarle per non compromettersi.

Ma nonostante queste sofferenze, queste iniziali difficoltà, la Vitale non s'è mai data per vinta, e con coraggiosa testardaggine è sempre andata avanti, inghiottendo tutti i soprusi, accollandosi di essere spiata e seguita dagli agenti del KGB da mattina a sera, mettendosi a contrabbandare prodotti dall'occidente.. tutto per rimanere a Mosca e coltivare il suo amore per questo strano paese e per la sua anima, così profonda, attraente e misteriosa.

Nelle sue parole ritrovo il mio stesso sentimento descritto con una consapevolezza, ovviamente, smisuratamente maggiore. Raccoglie esperienze vissute in quarant'anni e le prende come spunto per parlare dell'essenza dell'Unione Sovietica, e, adesso, della Russia; dei suoi difetti, dei suoi pregi, delle sue contraddizioni e dei suoi profondissimi cambiamenti avvenuti nel corso di questi anni.

L'amore per la letteratura e per l'arte russa l'hanno portata a rischiare grosso, trasportando illegalmente e in più di un'occasione microfilm, libri e quant'altro di autori censurati e vietati dal regime.

Già dal titolo, di chiara maternità cechoviana, si può facilmente intendere quali siano i toni con cui si parla di questa città.

Sebbene la maggior parte degli aneddoti raccontano esperienze agghiaccianti, dalle quali ogni persona scapperebbe a gambe levate se ne avesse a priori la consapevolezza, il libro trasuda ammirazione verso la capitale russa e la passata Unione Sovietica.

Mentre si legge, non si può non sognare di andarci, o ritornarci (dico tutto ciò perfettamente consapevole di quanto mi sia impossibile dare un giudizio imparziale).

Il tono nostalgico che si avverte nelle parole della Vitale non risiede certo per l'epoca Brezhneviana, ma è più una nostalgia per la propria gioventù, un'epoca ormai passata in cui ancora aveva tutto da scoprire. Ora sembra quasi delusa da come le cose siano cambiate, come i radicali cambiamenti degli ultimi vent'anni abbiano spazzato via un intero paese, rimasto solo nella memoria di chi vi ha vissuto.

“E' una questione fisiologica, non ideologica. Uno invecchia, la vita si aggrappa alla memoria. Quella Russia è stata comunque la nostra giovinezza, non puoi farci nulla.” le dice una vecchia amica nel 2007 dopo aver provato, senza successo, ad entrare nell'atrio dell'MGU, loro vecchia università, luogo denso di ricordi.

Non è la prima volta che un'opera, letteraria o cinematografica che sia, riesce a chiarirmi le idee su ciò che provo; è una sensazione tanto strana quanto piacevole, che regala un forte senso di gratitudine verso quell'autore/autrice che ha avuto la capacità di spiegare le mie emozioni molto meglio di quanto avessi potuto fare io stesso.

Robin

Podmoskovnye Vechera - "Notti moscoviti" (La Canzone di Mosca)

Mosca mon amour - La Repubblica intervista Serena Vitale

François Truffaut (21/10/1984 - 21/10/2011)

2011-10-21T15:46:00.002+02:00

Quando il 21 di ottobre del 1984 François Truffaut è morto, il mondo era molto diverso rispetto a quello che ventisette anni potrebbero far credere. Ma il suo cinema continua ad essere una delle opere più imprescindibili per chi ama la settima arte.

Io avevo tredici anni in quell’anno, la stessa età di Antoine Doinel il personaggio di uno degli esordi cinematografici più dirompenti che la storia del cinema ricordi: I quattrocento colpi. Quel film, nel1959, rappresentò la nuova rinascita del cinema dopo quella ufficiale dei fratelli Lumiere; la Nouvelle Vague, Truffaut, Chabrol, Godard, Rohmer e tanti altri. Il cinema rinasceva perché prendeva finalmente consapevolezza della sua grandezza, non più arte di secondo piano ma meritevole di stare sullo stesso piano della letteratura o della pittura. Gli insegnamenti di quell’irripetibile stagione cinematografica (oltre all’esordio di Truffaut come non ricordare anche l’uscita, qualche mese dopo, di Fino all’ultimo respiro di Godard?), si allargarono con una velocità sorprendente dalla Francia a tutto il mondo cambiando profondamente il senso del segno cinematografico. Ci vorrebbe troppo spazio e tempo per parlarne in maniera sufficiente e non è questo il luogo ma un ricordo dell’autore più prestigioso di quel movimento è doveroso farlo.

Truffaut sta al cinema come Balzac o Dostoevskij stanno alla letteratura, credo che la formazione culturale (intesa come crescita dell’individuo) non possa ignorare il cinema dell’autore francese. Proprio quel personaggio di Antoine Doinel, riproposto successivamente in altri quattro titoli, che cresceva assieme a noi sia l’esempio più calzante a tal proposito. Per la prima volta al cinema un personaggio diventava adulto man mano che l’età del suo attore cresceva (il leggendario Jean Pierre Leaud) e, attraverso la sua crescita, noi spettatori prendevamo confidenza con il cinema. E con la vita.

Cominciai a vedere i suoi film a poco più di sedici anni e da allora non ho più smesso, ho imparato a conoscere me stesso attraverso la crescita di Antoine Doinel ad amare le donne attraverso gli sguardi di Catherine Deneuve (La mia droga si chiama Julie) e Fanny Ardant (La signora della porta accanto), a vivere il cinema come magia necessaria alla vita con Effetto notte. Con l’opera di Truffaut so di non essere abbastanza lucido nei giudizi, troppo intenso è il legame che mi tiene stretto ad ognuno dei suoi film; mi viene ancora difficile confrontarmi con qualcuno che non si sia emozionato con l’ultima straziante corsa verso il mare di Antoine Doinel alla fine dei Quattrocento colpi . E’ anche questo il bello di amare, non riuscire a spiegare perché le lacrime possono scendere all’improvviso. A Truffaut devo gran parte della mia formazione, sarei stato un’altra persona senza i suoi film, da tanto tempo non lo rivedo (necessariamente da adulti senti il bisogno di staccare da quelli che consideri come genitori), ma che emozione quando una persona di vent’anni mi dice di avere amato un suo film, tocchi con mano quanto l’arte sia capace di creare unione tra persone distanti per età e condizione sociale.

E’ passato un bel po’ da quando Truffaut ci ha lasciato ma non posso ancora fare a meno di ringraziarlo per quello che mi ha regalato.

Sergio

David Cronenberg - A dangerous method

2011-10-14T14:51:00.003+02:00

Noto che a volte i miei personaggi parlano della sofferta rivoluzione della carne. Io dico a me stesso: “ecco di cosa si tratta: l’indipendenza del corpo rispetto alla mente e la difficoltà della mente ad accettare tutto ciò che quella rivoluzione potrebbe significare”.

Prima di andare a vedere l’ultimo Cronenberg, “A dangerous method”, avevo letto delle critiche che lo definivano “accademico”, un “Cronenberg atipico e piegato alle logiche delle grosse produzioni”. Mi ritrovo invece davanti ad un film che è la summa di tutte le ossessioni cronenberghiane, un capolavoro che mi ha fatto uscire dalla sala carica di ammirazione per un’artista dalla lucidità visionaria che ha aggiunto un altro memorabile tassello al suo corposo (mai aggettivo fu più azzeccato!) percorso di ricerca.
Partono i titoli di testa. Dopo aver visto tutti i suoi film ho imparato che per Cronenberg ogni dettaglio è funzionale, non ci sono orpelli… quindi so già che in quell’inchiostro su carta che fa da apertura al film c’è un’importante chiave di lettura. Il film mette in risalto la copiosa corrispondenza epistolare tra i personaggi, sembra quasi che tutti i punti di svolta della storia scaturiscano da questo mettere su carta pensieri e azioni, o meglio… da questo “scrivere il corpo” per usare parole più vicine alla sua poetica.
Qualcuno si è interrogato sul perché Cronenberg si sia dedicato a un argomento che già in questo campo aveva dato i suoi frutti, a una storia così schifosamente cinematografica. Non avevo dubbi sul fatto che la storia sarebbe stata per lui un pretesto per far emergere nuove riflessioni su un problema antico. Ciò che in passato ha catturato l’attenzione di molti in merito all’argomento, ovvero la storia d’amore impossibile che finisce male, in Cronenberg è completamente assente. Il suo sguardo si sofferma invece su uno spaccato di realtà in procinto di un’importante mutazione, la mitteleuropa dell’impero austro-ungarico. Un preciso momento storico in cui era sentire comune che il mondo stesse andando per il meglio, in cui l’uomo si sentiva protagonista di una trasformazione da animale a essere illuminato, volto a una perfezione governata da leggi razionali. In questo scenario, Freud (interpretato da uno stratosferico Viggo Mortensen) incarna la figura di quel “mad doctor” a cui Cronenberg ci ha abituati. Ne Il demone sotto la pelle era il dottor Hobbes che minava quel paradiso di serenità , il complesso residenziale Starlin Towers, con il parassita capace di far emergere le più oscure forze virali dell’uomo. Qui Freud apre una finestra sull’abisso oscuro che è dentro di noi e al quale non si può sfuggire e innesca quel procedimento virale che darà il via a una trasformazione senza ritorno.
Il film si sviluppa secondo una narrazione che sembra anch’essa una “perizia medica” volta a registrare l’avanzare di una malattia. Ma il suo punto di vista è, al contempo, epidemico, nel senso che si incarna con lo stesso virus (forza scatenante della malattia), ribaltando completamente la visione che normalmente abbiamo di esso e attribuendogli invece una veste di cancro creativo in quanto pulsione autonoma volta ad un rimodellamento del corpo. Secondo la “modalità del contagio” che in Cronenberg coincide quasi sempre con il contatto sessuale, i personaggi si contaminano a vicenda in un percorso creativo che si addentra nelle profondità più oscure di loro stessi. Cronenberg fa dire a Jung in un dialogo con Sabina Spielrein “sei sempre stata un catalizzatore, nel bene e nel male”. E’ lei, insieme al personaggio di Otto Gross, a dare vita al cancro creativo di cui si ammalerà Jung.
Ma un interrogativo ancora più grande sottende a tutto il film: “cosa è veramente la malattia?”.

Nei film di Cronenberg spesso i personaggi affetti dalla malattia, e quindi coinvolti nella mutazione, non hanno nessuna volontà di fare marcia indietro verso la normalità, verso la “guarigione”, il più delle volte sono spinti avanti dalla curiosità verso la loro metamorfosi, ne fanno un espediente per uscire dalle sorti comuni… e questo Sabina Spielrein lo dice chiaramente in uno dei suoi primi dialoghi con Jung che l’occhio di Cronenberg ci fa vedere.
Interessante è notare che i personaggi del film attraversano fasi altalenanti in cui non si capisce più “chi cura e chi è curato”, i ruoli si capovolgono e il confine tra sanità e malattia è fragile come quello tra razionalità e istintività. O meglio ancora… questo confine non è più organico ma prettamente sociale, mentale, legato esclusivamente al contesto storico e alla vita intellettuale in cui siamo immersi. E qui riappare come un lampo l’immagine di quell’inchiostro dei titoli di testa… ci riporta indietro ad un altro passaggio epocale senza ritorno: quello dall’oralità alla scrittura. E’ lì che ha inizio l’estrinsecazione, il portare fuori di sé la propria interiorità, il guardarsi dall’esterno e quindi un lento percorso verso l’auto analisi. Sta tutto lì, nei titoli di testa. Il primo passo verso quella modificazione inarrestabile che ci porta ad avere bisogno di una nuova carne, perché l’organismo è indietro rispetto al salto evolutivo verso cui l’uomo ha già allungato la gamba, proprio come Freud nel film dice di aver messo il piede su una terra inesplorata che ancora non si sa com’è ma di certo si sa che c’è…
Da questo primo passo, inizio della mutazione, non si torna mai indietro, non c’è salvezza… e il finale di questo film mi ha fatto ricordare il finale di The Brood, quando il pericolo sembrava scampato la camera si stringe a inquadrare i segni della malattia sul braccio della bambina… la minaccia del contagio avvenuto, da cui non c’è scampo. A dangerous method si conclude con un dialogo tra Jung e Sabina Spielrein in gravidanza, finalmente più distesa e apparentemente più equilibrata; lui le confida un suo sogno ricorrente. In quel sogno la minaccia che si avvererà, la prima guerra mondiale come un fiume in piena carico di sangue spazzerà via il sogno di quella mitteleuropa da cui eravamo partiti. I semi della nostra autodistruzione sono già nel nostro grembo... e alla luce di questo, mi sembra più che palese l’interesse di Cronenberg per questa storia…
Dilungarsi su questo argomento significherebbe parlare di tutti i film di Cronenberg, perché in tutti questo nodo centrale la fa da protagonista. L’uomo cronenberghiano prova sempre a superare i propri limiti, si perde in una costante dialettica tra il nascosto e il mostrato, tra le costruzioni (e costrizioni) sociali e le pulsioni oscure e viscerali che emergono dal profondo di quella terra sconosciuta. L’artista Cronenberg è un pioniere, non temo di dire che secondo me è ciò che ogni artista dovrebbe essere, colui che ha il coraggio di scendere con lucidità in quell’abisso che ci appartiene, toccare con precisione chirurgica quelle corde universali che sono alla base del nostro esserci.

Gabri

A dangerous method - scena film

Stanley Kubrick - Barry Lyndon

2011-10-10T01:19:00.002+02:00

E' strano che in un blog dove si parla di cinema ancora non sia stato fatto il nome di Kubrick nemmeno una volta. Devo dire che ho molta difficoltà a scrivere di un autore così conosciuto e importante, di cui è stato detto già tanto.

E' stato il primo autore a cui mi sono avvicinato da quando ho cominciato a guardare il cinema come qualcosa in più di un semplice passatempo ed è, pertanto, anche uno di quelli che sento più cari. E' anche uno di quei pochi registi di cui sono riuscito a vedere la filmografia completa.

Adoro rivedere i suoi film.

Rivedendo Barry Lyndon ho pensato per un attimo che fosse in assoluto la sua opera migliore, poi mi sono fermato e ho pensato a 2001:Odissea nello Spazio, ad Arancia Meccanica, a Full Metal Jacket, a Dr.Stranamore. Mi sono reso conto che quasi ogni volta che vedo un film di Kubrick penso “è il suo miglior film”. Perchè abbia sentito il bisogno di dare una coccarda a qualche suo titolo non lo so, ho però subito realizzato la mancanza di senso di questo gesto, in quanto ogni suo film è fin troppo speciale e inclassificabile (e per questo bellissimo).

Il film, nella sua visione d'insieme, è talmente perfetto che quasi mi sembra un sacrilegio tentare di scomporlo per analizzarlo punto per punto (o quantomeno per provarci).

Kubrick possedeva un perfezionismo che sconfinava in quella che potremmo tranquillamente definire ossessione. Una volta mi capitò di leggere, non ricordo più dove, che per girare la scena di Nicole Kidman che ride in Eyes Wide Shut, Kubrick volle girare ben 177 ciak prima di considerare buono il risultato e che per la scena del blocca-palpebre in Arancia Meccanica, costrinse Malcolm McDowell a passare svariate ore con quell'affare agli occhi, un'esigenza che causò all'attore una lesione alla retina.

Tuttavia, queste pignolerie che dovevano pagare le persone che avevano la fortuna/sfortuna di lavorare con lui erano ricompensate egregiamente dal risultato finale (anche se, effettivamente, con gli occhi di Malcolm McDowell ha esagerato un pelino)

Non conosco aneddoti particolari sulle riprese di Barry Lyndon, ma immagino benissimo Stanley che tiene ferme le riprese, rimanendo a pensare ore e ore, e perchè no, anche giorni, su luce, composizione e taglio di un'inquadratura da mezzo secondo.

La fotografia fu proprio uno degli aspetti che Kubrick curò di più; nota a molti fu la sua scelta, per questo film, di usare una luce completamente naturale, aiutandosi con candele come “illuminazione artificiale” e usando delle particolari lenti per gli obiettivi, originariamente studiate dalla Zeiss per i telescopi spaziali della NASA.

Il risultato fu a dir poco strabiliante.

Se devo immaginarmi un paradiso, di certo me lo immagino come i paesaggi di Barry Lyndon.

Tanto quanto sul lato fotografico, Kubrick era preparato sul fronte musicale. Non mi viene in mente nessuno, al momento, che condivida il suo stesso talento nel trovare musiche da accostare alle immagini. Volendo citare gli altri suoi film, io davvero non riesco più a separare nella mia mente il Così parlò Zarathustra di Strauss da 2001:Odissea nello Spazio, così come non riesco a sentire la Gazza Ladra o il Guglielmo Tell di Rossini senza pensare immediatamente ad Arancia Meccanica.

Anche in Barry Lyndon la scelta delle musiche è sopraffina: oltre alla conosciutissima Sarabanda di Haendel, la cui fama odierna è dovuta in larga parte a questo film, il meraviglioso Trio n°2 di Schubert accompagna una buona parte del film, e insieme alle altre musiche forma una base d'accompagnamento sulla quale si svilupperà la storia. Pochi sono i momenti in cui la musica è assente.

La trama mostra allo spettatore tutta la vita di Redmond Barry, dal suo primo amore alla sua morte. Quasi sento sbagliato il termine “spettatore” tanto è alto il livello di coinvolgimento che riesce a dare Kubrick. Alla fine del film sembra d'aver davvero camminato e cavalcato per i paesaggi dell'Irlanda, della Prussia e dell'Inghilterra, d'aver vissuto fianco a fianco a Redmond per tutta la sua vita e di aver provato e sofferto tutto insieme a lui. Ci si sente quasi stanchi.

Far vivere una vita intera in poche ore serbandone comunque tutte le emozioni, senza trascurare nulla, far conoscere i personaggi così a fondo da dare la sensazione di averli conosciuti di persona, far vivere nelle sue peculiarità un'epoca così lontana: una sfida all'altezza solo di pochi Kubrick.

Condivido, al posto del consueto trailer, una delle mie scene preferite, una delle più poetiche, in cui il tocco di un maestro è evidente più del solito.

Seducing Lady Lyndon

Robin

Dov'è la casa del mio amico? - Abbas Kiarostami

2011-10-08T15:11:00.009+02:00

Quello che cercherò di fare è di dare un colore e un sapore diverso a questo commento rispetto alle mie precedenti recensioni; cercherò di scrivere utilizzando più la pancia e meno la testa (cosa che mi viene spesso rimproverata e che puntualmente io rimprovero a me stessa), perché, in fin dei conti, il cinema è fatto di emozioni e le emozioni vanno necessariamente vissute e, se si ha il piacere, anche condivise con gli altri utilizzando tutti i mezzi che abbiamo a disposizione.

Kiarostami è l’esempio emblematico di come il cuore e la passione possano prendere il sopravvento sulla tecnica raggiungendo risultati strabilianti, confezionando capolavori di una poesia unica nel suo genere; lavora col cuore ed è lì che intende arrivare. E con me ci è riuscito benissimo.
Il mio incontro col maestro iraniano è piuttosto recente, lo conoscevo già per via della sua fama, del suo percorso cinematografico e dell’enorme importanza che ha rivestito il suo cinema nel panorama mondiale, ma concretamente la sua cinematografia mi è stata sempre sconosciuta.
Il nostro incontro è avvenuto proprio con questo film ed è stato un vero e proprio colpo di fulmine, uno di quei momenti in cui capisci che la persona che hai davanti cambierà la tua vita o avrà, comunque, un ruolo importante nel tuo percorso esistenziale. Ed è così che ho conosciuto la sua poesia, la sua capacità di emozionare con la semplicità e la sua abilità narrativa.
Raccontare storie ed emozionare attraverso queste è forse uno dei lavori più duri e complicati che esistano al mondo, il tranello della banalità, della presunzione e dell’ostentazione è sempre in agguato, tutti ostacoli che, però, Kiarostami è riuscito a superare in maniera eccellente.

Il regista iraniano ci racconta una forma di solidarietà così pura e disinteressata che forse solo un bambino è in grado di coltivare e praticare giorno per giorno.
Solo un bambino può essere capace di sfidare qualunque intemperie per restituire un quaderno al proprio compagno di classe, un gesto che proprio per la sua semplicità e bellezza e per la perseveranza con cui è eseguito rapisce il cuore, spiazza e lascia senza parole.
E’ proprio nel momento il cui questa corsa incessante sembra destinata alla rassegnazione, proprio nel momento in cui crediamo che qualunque gesto e sacrificio non sia servito a nulla, è proprio in quell’istante che Kiarostami regala tutta la sua poesia, in un finale che colpisce l’anima e lascia libero sfogo alle emozioni.
Lo sguardo di Ahmad, così come la disperazione di Nemattzadeh dietro il suo banchetto sono difficili da dimenticare. Viene quasi voglia di alzarsi dalla sedia e correre e patire insieme a loro, solo per rivedere il sorriso splendere sui loro volti.
E così che il piccolo Ahmad diventa il paladino di una solidarietà capace di riempire il vuoto lasciato dalla mancanza di comunicazione da una società eretta su dogmi polverosi ed obsoleti impossibili da sradicare.
Su questo sfondo di desolazione, solitudine ed incomunicabilità i volti di questi bambini rappresentano la speranza e il desiderio di uccidere il vecchio a favore di un nuovo fatto di libertà e condivisione. E la forza emotiva di questo sta proprio nei bambini e nei loro gesti.

Condividere e sacrificarci per gli altri. Forse è questo che Kiarostami vuole dirci, alla stesso modo in cui lui stesso ha voluto condividere con noi questo capolavoro, soffrire e gioire con noi insieme ai suoi bambini.

Quello che poi, in fin dei conti, accade in questo in questo blog e quello che spero di essere riuscita a fare anche io.

Vi lascio con la parte iniziale del film

Dov'è la casa del mio amico?

Valeria

Pavel Lungin - Luna Park

2011-10-06T21:13:00.004+02:00

Ci sono film che potrei vedere e rivedere milioni di volte sapendo che non mi stancheranno mai. Offrono sempre la gradevole sensazione della prima visione.

Dopo essersi conquistato meritevolmente la fama internazionale con Taxi Blues (sua opera prima), premio per la miglior regia a Cannes, il secondo lavoro è senza dubbio all'altezza delle aspettative di pubblico e critica.
La maestria con cui il regista riesce a far convivere una violenza estrema con una pura tenerezza è incredibile.

La storia è quella di un giovane neofascista russo (probabilmente la categoria di uomini peggiori al mondo) che scopre di avere origini ebree. Riuscito a scovare il padre, tenterà di avvicinarsi a lui.

Il padre è un musicista scapestrato amante dell'arte e intriso di ideali di libertà (un po' l'incarnazione del carattere anti-sovietico). Il confronto tra i due darà vita all'intreccio del film, che si evolverà in maniera sempre più deliziosa, per concludersi in uno dei finali più belli e poetici che abbia mai visto.

Guardando non solo l'intreccio tra i personaggi, motore della storia, il film è una denuncia profonda degli avvenimenti contemporanei di quella confusione sociale che ha sconvolto la Russia dei primi anni Novanta.

Lungin riempie la storia di piccoli dettagli, apparentemente secondari, che descrivono con estrema veridicità le condizioni di fame e di disagio che viveva il popolo.

Un film ricco, sotto ogni aspetto. Assolutamente da vedere.

Sconsiglio la versione doppiata, raccomando la versione originale sottotitolata (il doppiaggio italiano di quest'opera è particolarmente scadente)

Intro

Robin

Buon compleanno Buster!

2011-10-04T12:29:00.007+02:00

Non so quale sia stato il primo film visto nella mia vita. La fortuna di crescere con un genitore che lavorava in un cinema mi permetteva di passare interi pomeriggi tra sale cinematografiche e magiche cabine di proiezione. Ricordo vecchi scaffali dove si accumulavano le locandine dei film più antichi e io, bambino naturalmente curioso, a cercare di fare amicizia con coraggiosi cowboy e star più o meno dimenticate. Guardare film era per un me un’attività naturale come dormire o mangiare, ovvio che in questo contesto la mia fantasia mi portasse a familiarizzare con personaggi mai conosciuti. C’era un volto che mi incuriosiva più di tutti, era quello di un uomo dall’aspetto serio e che non rideva mai. Ogni volta che vedevo una sua foto mi colpiva quella sua espressione tra il malinconico e il pensieroso, non sapevo ancora che quel volto apparteneva a uno dei più grandi artisti del cinema comico di sempre. Uno che continua, a distanza di decenni, a regalarmi un po’ di poesia e di allegria tutte le volte che ne ho bisogno. Quel volto era di Buster Keaton attore e regista del cinema americano, star assoluta del cinema muto successivamente caduto in disgrazia con l’avvento del sonoro; un po’ per cause personali (depressione e alcolismo) un po’ perché la sua comicità assolutamente fisica poco si adattava all’uso del parlato.

Non ho mai visto Buster sorridere ma non esiste persona al mondo che mi abbia fatto ridere quanto lui con i suoi personaggi sempre impassibili di fronte a tutti gli eventi della vita ma, ciononostante, capace di regalarti più umanità rispetto a tutti gli altri. Di quel tizio con bombetta e bastone e camminata da clown non nutrivo una gran considerazione, non mi divertiva né mi emozionava perché sentivo istintivamente l’eccesiva artificiosità e costruzione delle sue storie adatte a quel pubblico bisognoso di buoni sentimenti a poco prezzo. Buster non voleva essere un poeta né probabilmente migliorare il mondo. Voleva solo far divertire ma grazie alla sua sincerità ha contribuito a migliorare la vita di milioni di spettatori nel corso degli anni. Perché in tutte le espressioni artistiche solo la sincerità è quella che ti apre le porte della condivisione con i propri simili. Di tutti gli altri ne ho sempre fatto volentieri a meno.

Durante la sua vita Buster Keaton ha interpretato e diretto decine e decine di titoli, naturalmente i più famosi sono quelli del periodo muto, scegliere solo qualche titolo sarebbe per me complicato, da One week a Our hospitality a The General non so quale potrebbe essere additato a capolavoro assoluto e allora mi piace ricordare alcuni titoli, probabilmente meno conosciuti di Buster, che appartengono alla fase finale della sua vita quando, dopo decenni passati nel dimenticatoio, cominciava ad essere nuovamente riscoperto dal grande pubblico. Uno è Film, unica opera scritta per il cinema da Samuel Beckett, dove il volto di Buster praticamente è il film. L’altro titolo è The railrodder girato poco tempo prima della sua morte, l’ultimo titolo più che un film è una battuta, tratta da un film senza pretese con Franchi e Ingrassia e famoso solo per la partecipazione del nostro, che riesce a comunicare con un semplice “grazie…” tutto quello che gli amanti del suo cinema vorrebbero potergli dire con questa parola. Francesco Guccini scrisse una bellissima canzone su Keaton ricordando proprio questo titolo italiano.

Oggi è il 4 di ottobre. E’ il suo compleanno, tanti auguri Busterino e grazie. Di tutto.

Sergio

Nicolo Donato - Fratellanza-Brotherhood

2011-10-03T13:12:00.003+02:00

I registi danesi ci hanno abituato a delle periodiche sorprese nel campo cinematografico. Già prima dei tempi della creazione del manifesto Dogma (che richiederebbe un’analisi molto più ironica da parte di chi ha preso questo decalogo come una nuova e rivoluzionaria tavola delle leggi cinematografica), Lars Von Trier e numerosi altri autori del piccolo paese del nord Europa ci hanno regalato opere bellissime assieme a titoli inspiegabilmente sopravvalutati.

L’opera prima di Nicolo Donato (regista danese ma di origine italiane) “Fratellanza-Brotherhood ” che ha trionfato al festival di Roma 2009 fa sicuramente parte delle piacevoli sorprese. Racconta di un amore omosessuale all’interno dell’ambiente forse più omofobico che si possa immaginare, quelli dei gruppi neonazisti. Lars, il protagonista del film, è costretto a lasciare il mondo militare per delle avances fatte ad alcuni suoi commilitoni. Si ritrova, quasi per caso, ad entrare a far parte del gruppo di estrema destra della sua città. Tra chi lo guarda con diffidenza e chi lo ammira per la sua intelligenza si avvicinerà gradualmente a Jimmy, uno dei veterani del gruppo con il quale esploderà una passione incontrollabile dagli esiti facilmente immaginabili.

Nonostante l’ambiente in cui il film è girato e l’inevitabile carico di violenza che si porta dietro nella sua ricostruzione di pestaggi rituali e iniziazioni alle dottrine naziste, Broterhood è un film delicato nel suo tentativo di raccontare una storia d’amore tormentata. Donato ha spiegato che la scelta di ambientare il film nell’ambiente di estrema destra, non aveva una motivazione strettamente politica ma gli serviva per accentuare il contrasto di un rapporto destinato a difficoltà di ogni tipo. Nelle sue note di regia Donato aveva segnato: è difficile amare qualcuno ma bisogna provarci. Probabilmente la riuscita del film sta proprio in questo pensiero di fondo, in questo sforzo di rappresentare la forza di un sentimento qualunque sia l’ambiente circostante. Per questo Brotherhood poteva anche essere ambientato in un mondo hippie o in un paese islamico integralista. Nelle scelte di Lars e Jimmy c’è tutto il bisogno e l’impotenza di provare ad essere quello che si è e non ciò che gli altri si aspettano da noi. Da vedere.

Sergio

Trailer

Les Choristes - Christophe Barratier

2011-10-01T21:43:00.001+02:00

Credo che sia difficilissimo girare un film che abbia i bambini come protagonisti. Eppure quanta poesia sono capaci di darci quando li si prende per il verso giusto; mi viene da pensare a Gli anni in tasca, o a I Quattrocento colpi di Truffaut. Chissà se i bambini che recitavano in quei film fossero consapevoli dell'immensa poesia che stavano contribuendo a creare o se seguissero solo un percorso abilmente indicato da Truffaut per ottenere quello che voleva. In qualsiasi caso: che meraviglia!

Sebbene siamo ben lontani dai capolavori suddetti, anche in Les Choristes i bambini giocano un ruolo chiave, e qualcuno di loro è capace di farci sorridere come solo la loro ingenuità è capace di fare.

Ambientato in un collegio alla fine degli anni Quaranta, il film narra la storia di un insegnante che non crede all'educazione dai metodi repressivi, ma piuttosto in quella che fa della dolcezza e della comprensione le fondamenta per far crescere un bambino.

Alcuni aspetti di scrittura sono trattati un po' superficialmente, ma la forza di questo film risiede principalmente nella Musica e nell'effetto benefico e curativo che questa infonde a ogni personaggio. Anche i più miseri e abbietti sembrano umanizzarsi e diventare più comprensivi, più teneri.

La musica cattura volutamente l'attenzione dello spettatore, ed è così celestiale che fa passare in secondo piano tutto; e anche se la storia è semplice, potremmo dire anche scontata, quelle voci bianche rendono tutto magico e commovente. Val la pena vederlo anche solo come cornice alla colonna sonora.

Vi lascio con la musica dei titoli di coda

Vois sur ton chemin

Robin

Quentin Tarantino - Bastardi senza gloria

2011-09-30T14:10:00.001+02:00

Quando ti metti a parlare di un film di Quentin Tarantino sai già che scontenterai qualcuno. Sempre giudizi netti su di lui, chi lo adora e chi lo odia, chi pensa che sia uno degli autori più importanti degli ultimi anni e chi lo rifugge come la peste. In effetti il suo cinema non è mai stato conciliante e il termine carino (con cui spesso ci togliamo il pensiero per giudicare un’opera che non ci ha fatto né caldo né freddo), difficilmente possiamo usarlo per le sue opere. Detto questo devo dire che cominciano ad essere troppi i film di Tarantino che mi appresto a vedere con grandi aspettative e che, alla fine, mi lasciano con l’amaro in bocca. Bastardi senza gloria è solo l’ultimo capitolo che da Kill Bill 1 e 2 (posso definirli carini?) all’inguardabile Grindhouse mi fa rimpiangere l’autore che prima con Le iene, poi con Pulp Fiction e dopo con il grandissimo (e secondo me sottovalutato) Jackie Brown aveva scritto delle pagine di grande cinema a 360 gradi (intendendo con questo anche uno splendido lavoro di sceneggiatura).

Come una fastidiosa sensazione di talento sprecato mentre guardavo questo suo ultimo film ambientato durante l’ultimo conflitto mondiale: gli inglorius basterds (non bastards per una questione di diritti d’autore sul titolo) del titolo sono un gruppo di soldati statunitensi che danno la caccia ai nazisti con i soliti metodi pulp che Tarantino ci ha già fatto conoscere nel passato. Ma tra dialoghi, come sempre sostenutissimi (e spesso geniali) e movimenti di macchina sempre più perfetti, risentivo una sorta di gioco fine a se stesso. Come quando vedevo Grindhouse avvertivo che Tarantino si stesse divertendo come un bambino a girare ma dimenticandosi (o forse non importandosene più) del fatto che il cinema può essere anche dialogo, confronto, crescita con lo spettatore (e non uso certo questi termini in funzione scolastica…). Quella tensione etica che avvertivo in interi passaggi (sia pur divertentissimi e sanguinolenti di Pulp Fiction) lascia spazio ad uccisioni continue abbastanza ripetitive (troppo facile e scontato il cliché del nazista da sterminare). E poi, cosa che non riesco a giustificare al nostro Quentin, alcuni buchi nella costruzione della sceneggiatura che da uno scrittore bravo come lui non mi sarei mai aspettato. Uno per tutti, come fa l’ultimo bastardo sopravvissuto a trovarsi sul pullman assieme al tenente Raine (un bravissimo Brad Pitt) mentre, accompagnati dal colonnello Landa, si dirigono verso le linee americane? Spero che qualcuno possa dirmi che mi è sfuggito qualcosa…

Continuerò a vedere i film di Tarantino e a prendere alcuni suoi dialoghi come esempi perfetti di scrittura cinematografica ma vorrei tanto che in futuro il nostro Quentin la smettesse di rimirarsi compiaciuto con la macchina da presa. Non mi aspetto da lui problematiche kieslowskiane ma personaggi di spessore come Jackie Brown o come il grande Jules Winnfield (interpretato magistralmente da Samuel L. Jackson) di Pulp fiction penso ancora di poterli chiedere.

Sergio

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Chris Vermocken - Io sono Anna Magnani

2011-09-26T14:44:00.003+02:00

Non mi capita spesso di prendere spunto da un film, un documentario in questo caso, per parlare di un’attrice. Ma se quest’attrice si chiama Anna Magnani allora tutto passa in secondo piano di fronte a quel volto che, forse come nessun’altro, ha raccontato il nostro paese.

Oggi è il 26 settembre ed è stato proprio il 26 settembre del 1973 che Anna Magnani ci ha lasciato. Troppo presto per tutto quello che avrebbe ancora potuto darci ma, mai come nel suo caso, non è retorico dire che lei non ci ha lasciato mai col suo modo di guardarci dentro come cantava Pino Daniele in una bellissima canzone che le dedicò qualche anno fa.

Il film di Chris Vermocken “Io sono Anna Magnani” , non è un semplice documentario ma è un atto di amore assoluto per la Magnani. Mescolando pubblico e privato si ripercorre la sua vita e, attraverso la sua vita, la vita del nostro paese dal dopoguerra fino agli inizi degli anni Settanta. E’ sicuramente vero che la Magnani sia stata più amata all’estero che da noi, il suo essere specchio di un paese aveva forse bisogno di distanza per essere apprezzato in pieno e purtroppo negli ultimi anni della sua vita non fu utilizzata per come avrebbe meritato. Diventata un monumento in vita, credo che suscitasse un timore fortissimo in autori che avrebbero potuto consegnarle delle parti alla sua altezza. Ripenso con tenerezza alla sua ultima immagine, quella che le dedicò Federico Fellini nel suo film documentario Roma quando la spia per strada mentre ritorna a casa e in quelle poche battute che si scambiano c’è tutto il rispetto che, anche un autore come lui, aveva per Nannarella. Oppure ripenso all’amore che aveva per lei un altro mostro sacro come Eduardo De Filippo che per lei provava una vera e propria venerazione. Perché Anna Magnani non era solo un’attrice (probabilmente la più grande che abbia avuto il nostro paese), ma riusciva a incarnare tutto l’immaginario dell’universo femminile che appartiene alla nostra cultura. Era la mamma di tutti, ma anche la moglie, l’amante, l’amica. Riusciva a essere credibile qualsiasi ruolo interpretasse forse perché non aveva bisogno di fingere. Quando la rivedo in Mamma Roma di Pasolini, in Bellissima di Visconti, nell’episodio L'Amore di Rossellini o nella sua scena più famosa di Roma città aperta dove, come dice Ascanio Celestini, "lei muore praticamente prima di toccare terra mentre sta volando, leggera ed elegante, spinta da una forza quasi inarrestabile, ad afferrare in volo la mano del suo uomo per trarlo via, unico e solo, da quella massa di derelitti", non conta più che conosci a memoria quei film, conta solo lei, il suo sguardo, la sua voce, ancora una volta quel suo modo di guardarci dentro. E forse per questo ci manca ancora Nannarella. Per chi la ricorda in vita, per chi l’ha conosciuta attraverso i suoi film o per chi la conosce solo attraverso qualche sua immagine è bello pensare che sia ancora qui con noi, incontrarla mentre passeggia uno dei tanti cani che raccoglieva per strada regalando loro quello che di più prezioso un essere vivente può dare. Il proprio amore.

Sergio

Io sono Anna Magnani - Trailer

Juan Josè Campanella - Il segreto dei suoi occhi

2011-09-20T21:58:00.000+02:00

Il cinema argentino non arriva spesso da noi ma quando questo avviene capita frequentemente che ci regali delle belle sorprese. Così avviene che, accanto ai lavori del maestro Fernando Solanas, negli ultimi anni abbiamo potuto apprezzare opere come quelle di Lucrecia Martel (La cienaga) o di Pablo Trapero (Mondo grua) senza contare i film dell’italo argentino Marco Bechis (Garage Olimpo e Figli su tutti).

La storia dell’Argentina degli ultimi trent’anni è talmente piena di avvenimenti, per lo più drammatici (la dittatura militare prima e la spaventosa recessione economica poi), da avere inevitabilmente influenzato gli autori che si apprestavano a raccontare delle storie nazionali. Quando l’anno scorso l’opera di Juan Josè Campanella “Il segreto dei suoi occhi”, ha vinto il premio oscar come miglior film straniero ho avuto la speranza di entrare in contatto con un altro autore di rilievo. La visione del film non mi ha deluso.

Il racconto del film si snoda attraverso venticinque anni, tra la metà degli anni Settanta e gli inizi degli anni Novanta. La figura del protagonista è quella di un funzionario di tribunale che, andato in pensione, decide di scrivere un romanzo su uno dei casi che più lo segnarono durante la sua carriera. Quello di una giovane sposa stuprata e uccisa da un vecchio amico di infanzia. Attraverso questo fatto di sangue si ripercorrono storie private e pubbliche di un intero paese che era sull’orlo del precipizio. Precipizio nel quale da lì a poco cadde con una delle dittature militari più odiose degli ultimi decenni. Il film ha una scrittura poderosa che non lascia niente al caso, abbraccia diversi linguaggi cinematografici senza diventare mai di genere.

Tra i diversi meriti del film sicuramente da rimarcare il modo in cui riesce a suggerire in modo quasi impercettibile la discesa di un paese nel baratro della dittatura. Lo si scopre quando assassini che stavano in galera vengono liberati per entrare a fare parte delle squadre della morte, quando tutti quelli che non si allineano cominciano a essere spediti dove non possono più nuocere (il caso del protagonista). L’Argentina continua a fare i conti con il suo passato e anche attraverso questo film ci restituisce in pieno l’atmosfera di un periodo storico.

Ma il film è anche una bellissima storia d’amore, di un amore strappato (quello del marito della vittima che non potrà più mettersi alle spalle la tragedia), di un amore mai dichiarato (quello del protagonista verso la collega giudice). Continui sussulti del cuore dietro storie perdute e storie mai nate, tra strani scherzi del destino che ricordano le atmosfere kieslowskiane (credo che la scena iniziale sul treno sia proprio un omaggio a Destino cieco del grande autore polacco).

Un film da vedere e da consigliare anche a chi non è cinefilo perché ha un linguaggio semplice e non si perde mai dietro a intellettualismi arditi. Un film bello, verrebbe da dire come si facevano una volta…

Sergio

Film - Scena della stazione

Ari Folman - Valzer con Bashir

2011-09-17T19:19:00.001+02:00

Riflettevo in questi giorni sul perché molte persone si scambiassero domande su ciò che facevano dieci anni fa mentre l’undici settembre portava con sé, assieme alla tragedia, uno dei più grandi caroselli mediatici che la storia della comunicazione ricordi. Sono onestamente infastidito da tutte le tavole rotonde sul cambiamento percettivo che l’undici settembre ha provocato nel sistema globale; la letteratura dopo l’undici settembre, il cinema dopo l’undici settembre, la politica dopo l’undici settembre… il tutto mi puzza di speculazione a basso costo fatta da chi ritiene che il potere dei media debba “naturalmente” essere più potente dell’evento stesso. Meditando su tutto ciò mi accorgo che il calendario segna il 17 settembre e nessuno mi chiede cosa facessi nel 1982 mentre si consumava un altro degli eccidi più agghiaccianti del secolo, quello del campo profughi di Sabra e Chatila, quando i miliziani cristiano libanesi uccisero, tra il 16 e il 18 settembre, un numero imprecisato di arabi palestinesi (il numero non si è mai saputo con certezza, si oscilla tra gli 800 e le 3000 vittime). Questo mentre le forze israeliane controllavano fuori dal campo che tutto andasse velocemente e la comunità internazionale levava solo qualche flebile voce di protesta ma non troppo forte perché la diretta televisiva non si poteva fare. E allora ecco che di Sabra e Chatila si occupano gli storici e quelli che vogliono capire perché eventi del genere possano ancora capitare nell’epoca contemporanea (e chi si impegna un po’ sicuramente non affermerà più che l’undici settembre rappresenta uno spartiacque storico ma, al massimo, una tragica consequenza).

Ogni tanto qualche voce per fortuna ci ricorda quell’evento e prova a farci capire un po’ di più. E’ il caso del bellissimo film di animazione di Ari Folman, regista israeliano che con il suo Valzer con Bashir ci consegna una delle più struggenti testimonianze di quello che furono quei tre giorni di settembre dell’82. La storia del film narra di un uomo che partecipò, dentro le fila dell’esercito israeliano, a quegli eventi ma, stranamente, di non serbarne più memoria. Si mette quindi alla ricerca di suoi vecchi commilitoni che erano con lui in quel tempo e, dal frammento che ognuno di essi riporta a galla, si delinea quello che successe veramente in quel luogo. Mai film d’animazione aveva rappresentato in maniera talmente forte un episodio così devastante e forse viene da pensare che realtà simili, per riprodurle, puoi soltanto trasfigurarle visivamente. Alla fine del film,quando il disegno lascia spazio ai filmati d’archivio girati dai primi soccorritori riusciti ad entrare nel campo la mattina del 19 settembre, ti rendi conto di quanto tutta l’opera sia pervasa da una rabbia mista ad impotenza. Un violento pugno nello stomaco che ci colpisce tramortendoci e spiegandoci come l’amnesia sia un’utile rimedio che l’uomo provoca su se stesso per superare ciò che non fa bene ricordare. Come tutti noi che non ricordiamo cosa facevamo in quei tre giorni di settembre o non ne sapevamo neanche l’esistenza…

Sergio

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Samurai Rebellion - Masaki Kobayashi

2011-09-17T18:19:00.003+02:00

Leggere il nome di Toshiro Mifune nel cast di un film è ormai una garanzia. Mai, finora, ne sono stato deluso. Stavolta non diretto dal più abile Kurosawa, Mifune veste i panni del samurai ribelle, sotto la guida di Masaki Kobayashi, già specializzato in film sui samurai e sul Giappone antico, come Harakiri e Kwaidan, entrambi premiati a Cannes.

Il regista ci mostra un samurai molto più umano di quello del nostro immaginario collettivo. Un samurai che arriva addirittura a ribellarsi al proprio Daimyō (alta carica feudale a cui i samurai erano sottoposti) anteponendo i propri sentimenti e il proprio senso di giustizia al rigidissimo codice comportamentale a cui è votato.

La storia è quella della famiglia Sasahara, che vede Toshiro Mifune nel ruolo di Isaburo, padre capofamiglia, intrappolato in un matrimonio senz’amore, che vive esclusivamente per l’amore verso il figlio Yogoro. A seguito di una pesante angheria del Daimyō, che si approfitta del suo rango per ordinare alla famiglia Sasahara di restituirgli Ichi, moglie di Yogoro, Isaburo decide di ribellarsi per difendere l’amore di suo figlio e della nuora.

Quest’evento sarà motore di catastrofi sociali: secondo il codice comportamentale del Giappone antico, un samurai che disobbedisce a un ordine del daimyō ha l’obbligo di fare seppuku (suicidio rituale simile al più noto harakiri), ma Isaburo si rifiuta, mettendosi contro tutti i samurai della sua terra, perfino quelli che gli erano più amici.

Straordinario è il confronto tra Isaburo e Tatewaki, suo stretto amico, anch’egli samurai, costretto a schierarsi contro di lui per adempiere ai propri doveri.

Nonostante qualche tratto eccessivamente fumettistico, mi riferisco a scene “alla Batman” in cui il protagonista combatte contro una cinquantina di guerrieri insieme uscendone vincente e pressocchè illeso, il film riesce a risultare credibile all’occhio dello spettatore, che non può fare a meno di sentirsi coinvolto in una storia dove prevale inizialmente un senso di impotenza, poi sostituito, grazie anche ai furenti sguardi di Toshiro Mifune, da un dirompente spirito rivoluzionario.

E’ sorprendente come ci si riesce a immedesimare in storie così lontane da noi e in modi di pensare così diversi. E’ strano come un occidentale possa accettare una scena di due cari amici che duellano fino alla morte mantenendo alta e solida la loro amicizia. E mi riferisco a uno solo dei tanti esempi possibili.

Ho trovato bellissimo, inoltre, perdermi nei dettagli un po’ meno significanti del film, quelli che fanno riferimento ai costumi e alle tradizioni della cultura medievale giapponese. L’architettura delle case, i giardini zen, il modo di aprire le porte scorrevoli, l’abitudine di inginocchiarsi prima di dire o fare qualcosa di importante, il samurai che porta sempre con sé due spade, una lunga e una corta.. e tante altre piccole cose, insignificanti dal punto di vista della storia, ma interessantissime per scoprire una cultura che conosco così poco.

Un saluto a tutti

Arigato! :-)

Robin

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Hayao Miyazaki - Il mio vicino Totoro

2011-09-16T14:03:00.002+02:00

Come già era successo per Porco rosso anche per Il mio vicino Totoro abbiamo dovuto aspettare tanti anni in Italia prima di avere la possibilità di ammirarlo (il film è del 1988). Ma per fortuna i capolavori non invecchiano e allora poco importa se fai la conoscenza di Totoro quando già in tutto il mondo la sua figura è estremamente familiare. Totoro è il simbolo della casa di produzione di Miyazaki (la leggendaria Studio Ghibli) e addirittura il suo nome è diventato anche quello di un asteroide scoperto nel 1994.

Come un film e un personaggio riescano a diventare talmente familiari nell’immaginario collettivo ci porterebbe a discorsi complicati sul potenza del cinema e sulla sua capacità di farti diventare ciò che guardi. Della magia nello scoprire che ti emozioni quando una bambina di tre anni che ti sta accanto, vedendoti con in mano un’immagine del film, esclama tutta contenta: “ma questo è Totoro!”, e allora io, vecchio cinefilo (probabilmente anche un po’ noioso), risento spuntare l’entusiasmo di condividere le mie passioni e di imparare ancora, anche attraverso gli occhi di quella bambina, quello che il cinema non mi ha ancora detto.

Il film è la storia di Satsuki e Mei, due sorelline di quattro e undici anni, che vanno a vivere in una casa di campagna assieme al padre per avere la possibilità di stare più vicini alla clinica dove la madre è ricoverata. In questa casa e nei campi circostanti le piccole faranno la conoscenza con un universo magico, una realtà che agli adulti non è permesso vedere; gli spiriti della fuliggine (che torneranno nella Città incantata), il Gattobus e naturalmente Totoro, uno spirito buono della natura con la forma un po’ di orso e un po’ di talpa. E’ Totoro che guiderà Satsuki e Mei nella scoperta di un mondo nuovo e le proteggerà da eventi che ancora stentano a comprendere. Tutto Miyazaki è probabilmente in questo film magico con dei disegni che sono dei capolavori di arte grafica. Forse un giorno riuscirò ad andare a Tokyo e allora sono sicuro che dopo avere reso omaggio a Yasujiro Ozu mi perderò all’interno del museo Ghibli per ricordarmi di tutto quello che da bambino sapevo già ma che poi l’età mi ha fatto scordare.

Sergio

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Ascanio Celestini - La pecora nera

2011-09-15T14:49:00.000+02:00

Rimarrei per delle ore ad ascoltare Ascanio Celestini raccontarmi delle storie. La sua voce ha la rara capacità di proiettarti immediatamente nel mondo che evoca. Nei suoi spettacoli teatrali non vi è alcun bisogno di scenografia, basta lui per creare tutte le atmosfere utili. Se a questo aggiungiamo la sincerità della sua arte e la sua voglia di raccontare sempre storie dalla parte dei vinti, si comprende perché i suoi lavori sono da ritenersi preziosi.

A parte due documentari, Ascanio non si era ancora misurato con il cinema inteso come fiction narrativa, lo fa per la prima volta con La pecora nera, presentato lo scorso anno al festival di Venezia. Il film, tratto da un suo libro del 2006 e trasposto anche a teatro, racconta la storia di Nicola (interpretato dallo stesso Celestini), che da trent’anni vive in un ospedale psichiatrico diventandone ormai un abitante normale: esce per fare la spesa assieme alla suora, collabora per le piccole attività quotidiane. Ma la storia di Nicola non è una storia comune, passare quasi tutta la vita in una clinica psichiatrica non può renderti normale. E così la storia ci parla del nostro paese degli ultimi trent’anni ma attraverso gli occhi di chi quel paese lo vedeva dalla televisione o dai personaggi che si incontrano al supermercato. Anche se il tema non è leggero Celestini lo tratta con leggerezza (ma non superficialità), ogni tanto ti scopri a sorridere mentre lo guardi ma quello che ti cresce dentro è un disagio tipico di quando si guarda qualcosa che non vorresti fosse reale ma che sai che esiste. Forse il Celestini del cinema non è dirompente come quello del teatro, avverti che alcuni snodi narrativi diventano forzati quando li filmi invece che evocarli con le parole. Paradossalmente i momenti migliori sono quelli nei quali ascolti la voce fuori campo di Ascanio dimenticando che la voce fuori campo è una delle scelte più anti cinematografiche che esistano. Ma Ascanio Celestini è così, quando lo senti parlare non esiste più niente al di fuori del suo racconto, e allora passi sopra a qualche piccolo difetto che si presenta di tanto in tanto. Perché in fondo averne film italiani così sinceri, così reali in mezzo a tanta rozza e inutile fiction che ci viene propinata quotidianamente.

Sergio

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Into Paradiso - Paola Randi

2011-09-13T14:06:00.001+02:00

E’ sempre piacevole constatare come il cinema italiano, da troppi anni etichettato come vecchio, polveroso e, addirittura, morto, sia ancora in grado di sfornare opere bisognose di raccontare storie ed emozioni profondamente radicate alla nostra realtà quotidiana; ed è ancora più confortante notare come tutto questo sia frutto di un’opera prima, partorita da una giovane aspirante regista dalle idee chiare e con la precisa volontà di rischiare e superare quella fitta rete di banalità e mediocrità in cui buona parte del cinema nostrano è rimasto intrappolato.

Così Paola Randi ci regala una deliziosa fiaba sociale multietnica, piccola a livello di budget e risorse tecniche, ma grande nelle premesse e negli obiettivi.

La storia è quella di Alfonso, un timido ed impacciato precario ricercatore universitario, rimasto senza lavoro e costretto a rivolgersi ad un vecchio amico d’infanzia, un politico in ascesa legato alla mafia locale, per mandare avanti la propria vita. Coinvolto in una resa dei conti tra camorristi si troverà costretto a rifugiarsi nel terrazzo di una grande comunità srilankese nel cuore di Napoli, scontrandosi così con una realtà atipica e particolare che gli cambierà l’esistenza.

Un isolamento forzato all’interno di un piccolo “paradiso” simbolo di una realtà ancestrale ed atavica, ancora non contaminata dal bisogno incessante di potere e dalla volontà di migliorare a tutti i costi la propria condizione sociale; un’oasi retta da una collettività operosa per il bene comune, aperta al prossimo e al diverso che poco ha a che vedere con quella realtà ghettizzante che ci circonda e ci soffoca. Così la terrazza in cui Alfonso si trova intrappolato rappresenta una vera propria boccata d’aria, un tuffo in un mare di solidarietà e rispetto che non conosce limiti.

Parallelamente si sviluppa il tema della criminalità organizzata, tema a noi caro e costantemente affrontato, scardinato e mostrato in tutte le salse, qui presentato in chiave nuova, in bilico tra il comico e il grottesco; un mondo imbarazzante e sopra le righe, inserito all’interno di una realtà asettica e fredda, come quella del reparto surgelati di un supermercato che si vede già sconfitto di fronte all’accogliente e cordiale microcosmo skrilankese.

Due diverse realtà a confronto rese ancora più lontane dalle scelte cromatiche (colori freddi e opachi per il mondo criminale e caldi ed accesi per la piccola comunità straniera) e dei luoghi che nelle loro architetture e conformazioni hanno tanto da raccontare.

L’intreccio tra commedia degli equivoci e commedia social sentimentale, la scelta di una narrazione sospesa tra il fiabesco e il reale e di accorgimenti stilistici che si distanziano dal contemporaneo panorama cinematografico italiano ci regalano un’opera unica nel suo genere, che sfrutta le potenzialità del mezzo per raccontare una storia universale nei personaggi e nelle emozioni.

Il cinema è denuncia, è riflessione, è racconto, è emozione, ma la Randi ci ricorda che il cinema è capace anche di farci sognare, di creare mondi possibili per dirla alla Leibniz, di modellare universi apparentemente distanti dalla nostra realtà, ma capaci di smuoverci e spingerci al cambiamento e alla rivoluzione delle coscienze.

Quello che la giovane regista intende fare è proprio rivoluzionare il modo di narrare, correndo il rischio di sperimentare (realtà quasi sconosciuta nel nostro paese) non demolendo l’anima della settima arte.

E come erano soliti fare i grandi maestri della commedia italiana, a volte è necessario nascondere la degradazione e l’abiezione dietro un’apparente sorriso, dietro una risata che ha radici ben più profonde e tragiche; un lieto fine che non dia serenità ed appagamento, ma che porti maggior consapevolezza e spinga alla riflessione, all’indignazione e al conseguente miglioramento.

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Valeria

Aleksandr Sokurov

2011-09-12T16:50:00.004+02:00

Pur amando i festival del cinema, non sono particolarmente attento al momento dei premi e riconoscimenti, troppe sono le variabili che portano ad assegnare leoni o palme d’oro a un autore piuttosto che ad un altro. Ma quando, come qualche giorno fa, un regista come Aleksandr Sokurov riesce ad aggiudicarsi il leone d’oro a Venezia, sono felice soprattutto per un motivo: sapere che il suo film riuscirà ad ottenere una distribuzione (sia pur minima…) nel nostro paese.

Sokurov è uno dei massimi esponenti del cinema contemporaneo . Iniziò a girare in Unione Sovietica negli anni Settanta, intimo amico di Andrej Tarkovskij condivise con lui le censure del potere che mal sopportava tutti quegli autori inclini a una predisposizione intimistica nel linguaggio cinematografico. La sua filmografia è imponente e non comprende soltanto lungometraggi ma anche numerosi documentari. La sua collezione di Elegie (omaggi a personaggi e luoghi della sua terra, tra le quali una struggente Elegia moscovita (1987) dedicata proprio a Tarkovskij), lo colloca tra gli autori più importanti del cinema dell’est europeo. In Italia fu soltanto nel 1997 che conobbe la sua prima distribuzione con il lungometraggio Madre e figlio. Con questo capolavoro assolutamente magico nelle atmosfere e nel linguaggio (ispirato ai dipinti di Caspar Friedrich), Sokurov rielabora il rapporto tra madre e figlio in un’ottica onirica ma con un grado di emotività talmente profonda da non potere lasciare indifferente. A partire da quel film Sokurov conobbe o giudizi esaltanti o stroncature durissime. Naturalmente faccio parte di coloro che amano il suo cinema pur nella consapevolezza che in alcuni suoi lavori l’eccessivo carico di poesia porta a una complicata lettura dell’opera rendendola troppo criptica (un po’ come il Tarkovskij di Nostalghia o Il sacrificio). Ma quando il suo stile non si lascia andare a virtuosismi (sia tecnici che linguistici) troppo arditi, ecco che i suoi film ti entrano dentro con una delicatezza e una forza che solo la poesia riesce a fare. E’ il caso di Alexandra (2007), o dei suoi film che precedono quest’ultimo Faust vincitore a Venezia. Moloch (1999) Toro (2001) e Il sole (2005), che sono i primi tre capitoli della tetralogia (conclusasi appunto con Faust) che indagano sulla natura del potere su tre personaggi diversissimi (Hitler, Lenin e l’imperatore giapponese Hirohito) ma accomunati dal fatto di essere delle personalità fuori dal comune.

Per guardare Sokurov non è necessario essere degli esperti del linguaggio cinematografico ma bisogna essere predisposti ad accogliere e rielaborare le sue immagini come quando, da lettori, ci troviamo di fronte a una poesia di Montale. Soltanto allo spettatore pigro sarà interdetto l’ingresso in un universo poetico straordinario. Per tutti gli altri rimarrà la soddisfazione di entrare in simbiosi con un artista che speriamo possa in futuro (anche grazie a questo Leone d’oro) raccogliere il successo che merita.

Sergio

Da "Madre e figlio" (1997)

L'Idiota - Akira Kurosawa

2011-09-09T11:25:00.004+02:00

“Adoro Dostoevskij, ma non filmerò mai L’Idiota dopo Kurosawa.”

[Andrej Arsen’evič Tarkovskij]

Dopo il capolavoro di Rashomon, Kurosawa era diventato un regista tenuto sott’occhio dal pubblico e dalla critica di tutto il mondo. Aggiudicatosi un posto di rilievo nella storia del Cinema, mette a punto quello che lui stesso definirà: “il mio più grande capolavoro”.

Dostoevskij è indubbiamente un pozzo senza fondo dal quale attingere ispirazione. Kurosawa cambia l’ambientazione, i costumi e i tratti più superficiali dei personaggi. Si passa da un’aristocrazia imperiale pietroburghese di fine ‘800 a un Giappone postbellico, i nomi dei personaggi cambiano, cambiano le loro storie, ma l’anima, la filosofia e le emozioni rimangono le stesse.

Poco importa che il protagonista sia il giovane Kameda o il principe Myškin, l’ingenuità e la pura umanità di questo personaggio tocca nel profondo e commuove in entrambe le opere.

Un triangolo amoroso con ai vertici i due lati opposti della follia umana, quello feroce e incontrollato e quello buono e mansueto. Un uomo che dopo aver visto la morte da molto vicino, ha cominciato ad apprezzare la vita fino ai più piccoli dettagli, fino al punto di amare ogni cosa ed essere addirittura privato della capacità di odiare. Non riuscendo a provare odio, non riuscendo nemmeno a pensare male di qualcuno, viene presto scambiato per malato mentale, o più semplicemente, per un idiota.

Nessuno riesce a volergli male, sarebbe come voler male a un bambino o a un cucciolo, ma nessuno lo rispetta veramente. Anche se qualcuno lo ama davvero.

L’amore della bellissima Taeko e l’amicizia dell’amico/nemico Akama sono gli elementi portanti del film, affidati a Setsuko Hara e Toshiro Mifune (attore prediletto di Kurosawa) che riescono in modo sorprendente a commuovere con pochi sguardi e ad impersonare con alta maestria la profonda complessità e dualità dei loro ruoli.

Con “L’Idiota”, Dostoevskij e Kurosawa fanno una denuncia. Non una denuncia contro l’alta società pietroburghese o contro il Giappone post-bellico, ma una denuncia contro la gente. Contro la natura di tutta la gente, di ogni epoca e di ogni provenienza geografica. Denunciano la sconfinata difficoltà che ha l’uomo nel confrontarsi con ciò che è diverso da se stessi, con ciò che inconsciamente ci fa più paura anche se non lo ammettiamo mai: essere “nudi”, puri, totalmente sinceri e, quindi, totalmente vulnerabili.

Nella società che dipinge Dostoevskij nel racconto, e Kurosawa nel film, vediamo un uomo che è idiota perché troppo diverso dagli altri. La gente non può accettarlo perché la sua purezza e il suo candore mettono in luce tutto ciò che non va in loro. Qualunque persona adulta e sana di mente si guarderebbe bene dal mostrarsi pura e candida. Equivarrebbe a mostrarsi indifesi.

La nostra società non lascia spazio ai puri e ai candidi. Chi lo è, viene inevitabilmente bollato con l’etichetta di Idiota.

Tutti noi se incontrassimo un principe Myškin o un Kameda nella realtà, poco esiteremmo a definirlo idiota, o se non idiota magari “disagiato”, “ritardato”, insomma, uno con dei problemi. Ma in questa storia, leggendola su delle pagine o vedendola su di uno schermo, ci nasce una profondissima empatia dovuta al fatto che Kurosawa riesce a portare allo scoperto il lato puro di ognuno di noi e a porcelo davanti. Ci mette a confronto con una parte estremamente intima di noi stessi, senza farci sentire a disagio.

Ed è con questa parte di noi allo scoperto che sorge automatica la riflessione: ma chi è veramente l’idiota?

Robin

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Kim Ki Duk - Arirang

2011-09-08T14:45:00.001+02:00

Se negli ultimi vent’anni dobbiamo al cinema della Corea del Sud il merito di avere portato una ventata di freschezza e originalità al linguaggio cinematografico, gran parte di questo merito va a uno dei suoi cineasti di punta: Kim Ki Duk. Quando nel 2000 il festival di Venezia lo fece conoscere a noi occidentali con L’isola si comprese immediatamente che Kim era un regista dal quale aspettarsi parecchio. La (ri)scoperta dei suoi film precedenti (Crocodile, Birdcage Inn) e la meraviglia di quelli successivi (Indirizzo sconosciuto, Primavera, estate autunno, inverno… e La samaritana per citare i più belli) confermavano il fatto che Kim era uno dei registi più importanti del decennio. Non capitava da tempo di vedere al cinema delle storie con una così grande forza espressiva, dove violenza e tenerezza diventavano inscindibili, cardini di storie che non ti scivolavano via ma ti rimanevano dentro costringendoti a ripensare ad aspetti che l’uomo spesso è portato a rimuovere. La crudeltà dei rapporti umani ma anche la loro necessità, l’essere nello stesso tempo capaci di gesti violenti e di atti di amore infiniti. Tutto questo è presente in quei film di Kim e ogni suo titolo diventava un appuntamento obbligato. Poi succede quello che meno ti aspetti. Dopo La samaritana (che si conclude con i dieci minuti tra i più intensi della storia del cinema) comincia un lento declino. I film successivi di Kim diventano sempre più finti, estetizzanti e improbabili, girati velocemente e come fatti su commissione, con lo scopo di piacere a un pubblico occidentale di poche pretese: L’arco, Time, Soffio… come poteva il Kim che avevamo amato avere girato anche queste inutili storie? Il fatto di essere diventato un regista di culto lo aveva probabilmente portato a considerarsi capace di creare opere anche girando con la mano sinistra e gli occhi chiusi… Ma un’altra sorpresa stava arrivando. Nel 2008, durante le riprese di Dream, una sua attrice rischia di morire impiccata durante una scena, Kim riesce a salvarla appena in tempo ma esce devastato da questo episodio. Una persona stava per morire per girare una scena che lui aveva inventato. Kim manda tutto all’aria e va a vivere in una capanna in montagna, isolato da tutto e tutti. Per tre anni non si hanno più sue notizie, chi lo dava per malato chi per impazzito fino a quest’anno quando arriva di nuovo la sua voce con Arirang. Non è un film, non è un documentario ma piuttosto una testimonianza lancinante di Kim Ki Duk della sua vita negli ultimi tre anni. Con l’aiuto di una piccola telecamera Kim si riprende e si racconta, su ciò che gli è successo, su ciò che non riesce più a fare e su quello che vorrebbe tornare a essere: un regista cinematografico. Arirang (come i grandi film di Kim) ti entra dentro come solo la vita riesce a fare quando è vera, attraverso la esperienze di Kim fai i conti anche con te stesso e con le tue paure. Come reagiremmo davanti a un trauma? Come saremmo in grado di risalire dopo una caduta? Impossibile dare giudizi estetici su un’opera come Arirang, usare i metri della classica critica cinematografica, siamo di fronte a qualcosa di totalmente diverso. Naturalmente non siamo così ingenui da non sapere che anche in un’opera simile non ci sia un’abile costruzione (Céline diceva che nonostante tutto l’uomo sta sempre in posa e anche Kim scherza su questo quando in una scena afferma ironicamente “probabilmente prima piangevo per drammatizzare un po’…”) ma alla fine quello che rimane è uno straordinario documento che fa luce sul percorso umano di uno degli autori più importanti del cinema contemporaneo. Speriamo che sia anche il momento della rinascita di Kim Ki Duk e di quel suo cinema che nel passato è riuscito ad emozionarci come pochi.

Sergio

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I Sette Peccati Capitali - Chabrol,Demy,Dhomme,Godard,Ionesco,Molinaro,Vadim

2011-08-19T01:11:00.000+02:00

Jacques Demy, Sylvain Dhomme, Edouard Molinaro, Roger Vadim, Jean-Luc Godard, Eugène Ionesco, Claude Chabrol.

Sette registi francesi, infervorati dalla nascente e rivoluzonaria Nouvelle Vague, decidono di lavorare insieme e di dar vita a: “Les sept péchés capitaux”, una raccolta di sette cortometraggi, ognuno dei quali ispirato a uno dei vizi capitali.

Ogni corto, preso a singolo, mostra lo stile personale del regista e può, volendo, considerarsi un’opera a sé stante. Tuttavia, la coordinazione tra i registi, uno più bravo dell’altro, fa sì che i sette corti seguano una stessa linea guida, una stessa struttura narrativa che dà un senso di continuità al film e lo mostra come un’opera unica, inscindibile.

L’Ira, peccato di apertura del film, con lo zampino di Ionesco palpabile dalle prime inquadrature, è uno dei più belli. Dà subito al film un sapore ironico e a tratti grottesco, che conserverà, in misure diverse, per tutto il resto del film. Sul podio di quelli che più mi hanno colpito va citata assolutamente l’Accidia di Godard, che trasmette benissimo con pochissimo (capacità di cui Godard era già dotato) quella sensazione letterariamente definita “accidia”; a me, d’istinto, viene la parola “scazzo”, o almeno a questo ho pensato mentre guardavo Eddie Constantine fare benzina.

Encomio obbligatorio anche alla Superbia, girato da Roger Vadim, con una stupendissima Marina Vlady. Un corto che, negli ultimi due minuti smonta in un attimo il castello narrativo costruito nei venti minuti precedenti. Bellissimo.

Impossibile non parlare anche dell’Avarizia di Chabrol, forse il più bello di tutti (anche se dare una preferenza così rigida è sempre difficile e azzardato).

La poesia che Chabrol tira fuori dal più deprecabili dei vizi è straordinaria. Lascia senza parole (un po’ come sono io adesso: perso sulla tastiera a cercare un modo di esprimere la bellezza del corto senza usare sempre gli stessi aggettivi).

Incisiva l’Invidia, divertente la Gola, originale e inaspettata la Lussuria.

Partendo da un tema così conosciuto e utilizzato nell’arte, lo spettatore è stuzzicato sin dall’inizio dalla curiosità di scoprire come il regista abbia trattato l’argomento. Ed è una curiosità che viene rinnovata di peccato in peccato: “chissà come Ionesco abbia scritto dell’Ira” ci si chiede all’inizio. Poi, soddisfatti e deliziati da questa prima “portata”, si osserva la scena che titola con L’Invidia, e il meccanismo si ripete, fino alla fine, chiudendo in bellezza col sapore di Chabrol. La ciliegina sulla torta.

Un film che riempie. Come solo la Nouvelle Vague sa riempire.

Robin

Bronson - Nicolas Winding Refn

2011-08-10T16:24:00.000+02:00

Com'è bello scoprire registi nuovi e bravi!
Dopo un'astinenza cinematografica di quasi venti giorni ci voleva proprio un titolo come questo.
Confesso che avendo letto che il regista era di provenienza danese mi aspettavo qualcosa di "dogmatico" alla von Trier.
Nulla di più lontano.
Il regista prende come pretesto la vera vita di un carcerato britannico, tale Michael Peterson, noto con lo pseudonimo di Charles Bronson, per porre quesiti interessanti sulle capacità di espressione e di autoaffermazione dell'uomo.
Una tecnica di regia, che come ho già detto, si distacca notevolmente dai connazionali del Dogma e crea un linguaggio abbastanza originale e proprio.
Alternando momenti di estrema violenza a scene di un umorismo ai limiti del grottesco, Refn riesce a farci immedesimare in un ruolo che si allontana notevolmente da quella che può essere la "normalità" dell'essere umano: un criminale violento e psicopatico, che vede nella violenza la sua massima capacità di espressione. Ama la galera perchè solo lì riesce a essere famoso, ambizione che rappresenta il suo massimo volere. Anche solo su questo punto potrebbe partire una discussione senza fine sulla società odierna, pervasa da persone che vedono nella fama un fine e non un effetto collaterale; fenomeno che produce una quantità spropositata di Costantini e Belen che ammorbano ogni media con degli immensi NIENTE. Ma meglio non protrarre troppo quest'argomento, potrei avere scatti che mi porterebbero a diventare il futuro soggetto per un film di Refn.
Tornando invece al Bronson interpretato da uno straodrinario Tom Hardy, il suo personaggio è curato fino al minimo dettaglio. Il protagonista ci mostra i propri pensieri presentandoli sotto forma di spettacolo teatrale carcerario di cui lui è l'attore protagonista. Indossando gli abiti di un Pierrot adattato al mondo criminale, il nostro Bronson accompagna virgiliamente tutto il film. Come se egli stesso raccontasse la propria storia ad un pubblico immaginario nella sua testa. Dettaglio che dà un tocco di onirico delirio alla narrazione, molto adatto al tema.

Una bella riflessione sulla solitudine, sull'ambizione e sulla voglia di esprimere se stessi, che non ha la presunzione di dare una risposta ma fornisce solo spunti di riflessione.
Assolutamente un pollice in su!
Robin

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Paolo Sorrentino - Il divo

2011-07-15T00:09:00.002+02:00

Non era facile fare un film su Andreotti, considerato il fatto che molti dei personaggi di quella storia sono ancora vivi - in primis il protagonista, il divo Giulio, il Papa nero, il gobbo - chiamiamolo come vogliamo, ogni epiteto nasconde critica e ammirazione. Ma Sorrentino ha avuto la geniale idea di trattare l'argomento con una forte dose di surrealismo e di grottesco: una soluzione comoda, senz'altro, ma che ha anche il merito di condurre, attraverso il paradosso e l'iperbole dei toni, verso una riflessione sul potere, sul suo significato e sulla sua espressione. Riguardo ai fatti narrati e sulle responsabilità di essi, Sorrentino si affretta a precisare che non possono avere il rango di verità: essi infatti, per scelta degli autori, sono la messa in scena di una ricostruzione parziale (ad esempio, dei racconti dei pentiti), ma che è funzionale all'idea di potere che si vuol far trasparire dal film, e che indubbiamente ha caratterizzato quegli anni cruciali della nostra storia: l'idea di un potere oscuro, quasi insondabile dalla gente comune, volta all'autoconservazione, ma non priva di un'attenzione al benessere del Paese quasi orwelliana. Un potere caratterizzato dalla moltitudine di intrecci, dalla complessità e ambiguità degli obiettivi, che non può fare a meno di compromettersi, che deve prendere atto, che deve "collaborare" per sfruttare, piuttosto che cercare di sconfiggere, debellare, estirpare.
Davvero ottimi gli interpreti, su tutti Toni Servillo (all'ennesima prova magistrale), che ha cercato di rendere la figura di Andreotti concentrandosi sulle sue contraddizioni, sulle sue angosce (in particolare quelle legate alla morte di Moro), dando espressione alle stesse riflessioni del protagonista, che costituiscono poi lo stesso espediente narrativo della pellicola. Espediente che crea una certa dose di straniamento nello scarto tra la riflessione serena dello statista sugli avvenimenti e la crudeltà dei loro effetti e della loro rappresentazione.
Tutt'intorno, una classe politica onnipotente e decadente, in cui vi è un egocentrismo esasperato, e ben pochi casi di umanità, il tutto evidenziato magistralmente da alcune scene grottesche (anche grazie alle devianti e geniali colonne sonore): su tutte, la caterva di omicidi politici messi in scena al ritmo di un forsennato rock (Andreotti rock star?), oppure l'allegra "surfata" di Pomicino sul Transatlantico, oppure la romantica ballata che accompagna il presunto "bacio" di Andreotti al mafioso.
Da antologia due scene: quella del monologo di Andreotti, che delinea con le parole l'immagine di potere rappresentata nell'intero film, e quella in cui lo statista, dopo l'autorizzazione del Senato a procedere nei suoi confronti, stringe la mano della moglie mentre sullo schermo del televisore passano le immagini di Renato Zero che canta I migliori anni della nostra vita.

Real_Gone

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Cronenberg prima puntata... VIDEODROME

2011-07-13T16:12:00.006+02:00

<<Siamo condannati ad essere liberi.
Dobbiamo continuare a provare a
strappare il controllo al mondo,
all’universo, alla realtà, anche se
questo tentativo potrebbe essere
senza speranza>>.

La tecnologia inizia letteralmente a “prendere corpo” in una delle opere più decisive di Cronenberg, che contribuisce a fargli fare un salto in avanti verso un cinema più radicale, ormai difficilmente inquadrabile sotto l’etichetta di un genere: Videodrome.

Il protagonista Max Renn è infatti al centro di un’avventura immateriale, ma fatta di una atmosfera allucinatoria dove le videocassette si contraggono sanguinolente e in cui la sua tv pulsa, si rigonfia e ansima come fosse prossima all’orgasmo, protende grosse labbra pronte ad inghiottirlo ed esplode eruttando sangue, viscere e carne. Cronenberg ci mostra la televisione come elemento “incorporato” al nostro sistema nervoso, in cui secondo le parole del professor O’Blivion (sulla scia di Mc Luhan) <<lo schermo televisivo è la retina dell’occhio della mente. Dunque lo schermo televisivo è una parte della struttura fisica del cervello umano>>. Max arriva a configurarsi come una vera e propria “appendice della macchina”, si muta in una sorta di mostro bionico metà uomo e metà videoregistratore, e viene posseduto da videocassette (inserite in una fessura vaginale apertasi sul suo stomaco) contenenti probabilmente le sue stesse allucinazioni. Il suo braccio termina come una pistola di carne che lo renderà omicida “agito” da volontà superiori; ancora una volta l’eroe cronenberghiano è al centro di una cospirazione tra due organizzazioni: la Spectacular Optical e la “Missione Catodica”. Ancora una riflessione sul “controllo”: Max è vittima di un complotto o i vari personaggi sono solo pedine nel gioco crudele e sconcertante dei suoi incubi?

Una volta assunto lo schermo televisivo come interfaccia integrato al nostro sistema nervoso, Cronenberg riflette sull’ <<intossicazione iconica derivata dal consumo di immagini televisive e sulle modificazioni fisiche e antropologiche che la diffusione della tv sta apportando all’apparato percettivo umano>> e sulla nostra necessità di divorare giornalmente immagini, al punto da concepire una missione “catodica” che, alla stregua di un’associazione umanitaria, si occupa di riabilitare i rifiuti della società semplicemente sottoponendoli al consumo passivo di immagini televisive, allo scopo di “reinserirli nella realtà”.

Il programma televisivo “Videodrome” infatti, che per le sue immagini “dure” ha catturato la curiosità di Max, ha il potere di generare in chi lo guarda un tumore maligno al cervello, causa delle allucinazioni, il quale si rivelerà poi, ancora nelle parole di O’ Blivion, un nuovo organo: <<Dopotutto non c’è nulla di reale al di fuori della nostra percezione della realtà, non è vero? Non sei d’accordo anche tu?>>

Il virtuale è già la nostra realtà, sembra volerci dire Cronenberg. E ancora secondo O’Blivion: <<La realtà è meno della televisione>>.

Compare ancora una volta però l’elemento virale, la fenomenologia del contagio, e Max alterna alla sua curiosità verso il divenire macchina la <<repulsione per il contagio macchinico>>, in quanto portatore di un elemento estraneo, che a poco a poco contaminerebbe il corpo umano. Ma con ciò Cronenberg non si pone in una posizione di rifiuto verso al modernità tecnologica, piuttosto avverte il potenziale di un cambiamento avveniristico contenuto in esse al cospetto del quale forse noi non siamo ancora abbastanza “adeguati”. Ci mostra come i nuovi media esigano una “nuova carne”, <<un nuovo corpo, un nuovo spettatore: che può nascere – e forse sta già nascendo – solo dalla soppressione del vecchio spettatore, quello cresciuto nell’illusione che le immagini fossero sempre e comunque una “riproduzione” della realtà>>.

Da questo punto in poi Cronenberg ci metterà sempre in condizione di dubitare sulla natura delle immagini che ci propone: sane o virali? Reali o allucinatorie? Soggettive o oggettive? Innestando in noi un “dubbio sistematico” che fa però di noi parte attiva nella decifrazione.

Gabriella.

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L'illusionista - Sylvain Chomet

2011-07-09T16:40:00.011+02:00

Ed ecco che, a quasi trent’anni dalla sua morte, il mito e la magia di Tati ritorna a vivere attraverso questo delicato e raffinato omaggio al maestro francese.

“I maghi non esistono”

E così che si chiude il secondo lungometraggio dell’animatore e registra francese Sylvain Chomet, tratto da una sceneggiatura, mai divenuta film, del magico e strabiliante Jacques Tati.

L’intera opera, però, rovescia il messaggio di questo amaro e poetico finale: la magia esiste, ci circonda, illumina le nostre vite e l’accoppiata Chomet-Tati ne è la prova.
Chomet,infatti, rievoca e ricrea, sempre con grande riservatezza, cortesia e rispetto, quella dolce e leggera comicità fatta di mimica facciale e movimenti corporei, in cui la parola è bisbigliata e serve da contorno; un maestro di garbata e contenuta comicità,Tati, capace di raccontare con un linguaggio essenzialmente visivo, mimico e delicato la società francese nel suo divenire dinamica, meccanica, tecnologia e dominata dal mito del consumismo.
Un capolavoro di poesia e leggerezza, con uno Chomet , quasi a non considerarsi all’altezza, che rimane dietro le quinte lasciando Tati padrone della scena, muovendone i fili con estrema delicatezza e amorevole rispetto.
In una storia che parla di crescita individuale, ma anche di degrado e di impoverimento intellettuale in una società poco propensa a considerare l’arte un veicolo di crescita spirituale.
Un mondo interessato al progresso, alle novità tecnologiche che ha dimenticato cosa vuol dire sognare, viaggiare e volare sulle ali della magia, che non vuole più perdersi nei meandri della forza illusoria dei prestigiatori, degli illusionisti e dei giocolieri; ma anche un film sul divenire adulti, sull’abbandono della propria anima più bambinesca e candida, sulla progressiva integrazione nell’ordinamento sociale e l’accettazione delle sue regole e convenzioni.

Il nostro illusionista-monsieur Hulot comprende quando è il caso di farsi da parte, quando è il caso di chiudere il sipario. Salutare una società troppo adulta, non pronta ad accogliere le sue magie, le sue illusioni, come la giovane Alice che cresce, si integra, trova l’amore e viene spogliata da tutte le sue illusioni comprendendo che i maghi non esistono ma solo per chi ha deciso di crescere e per il mondo contemporaneo. E allora monsieur Tati è costretto a vagare, a vagabondare, con il suo ombrello, la sua pipa, il suo cappello e il suo impermeabile alla ricerca di un mondo infantile, candido, inesperto, curioso e capace di guardare con occhi vogliosi di sapere e conoscenza. Capace di incantarsi, sorprendersi e meravigliarsi di fronte ad un cilindro ed un coniglio, pronto ad essere soggiogato dalla forza illusoria, ingannevole dell’arte.

Con una dignità meritevole di rispetto ed apprezzamento, di chi accetta la fine del proprio compito e ricerca altre vie per rinascere,il nostro illusionista conserva la propria arte per chi è pronto ad aprire gli occhi del proprio cuore per lasciarsi trasportare in un universo magico, poetico, incantato e fatato, incontaminato dal progresso e dal consumismo, abitato da chi ha bisogno di nutrirsi di musica, di poesia, di cilindri, di ventriloqui, di pagliacci e di giocolieri.

Un’arte incapace di scuotere e di destare curiosità non perché ha perso la sua forza e il suo fascino, ma perché è inserita in contesto che sta cambiando, che corre incontro al progresso e alle leggi del mercato. In una società in cui tutto è acquistabile e vendibile, anche l’arte si trasforma in bene di consumo mortificando chi riconosce nel suo potenziale creativo la possibilità di crescita individuale; e allora capita di essere scrutati da occhi incapaci di guardare all’arte come oggetto di fascinazione e creatrice di un mondo immaginario in cui tutto è possibile.

Illusionisti, clown, ventriloqui e giocolieri rassegnati e disillusi, ma al contempo fiduciosi nella nascita in una comunità di persone che riscoprano il valore dell’arte, guidati dalla forza della loro immaginazione, assetatati ed affamati di candore artistico.

E allora si che bisognerebbe non crescere mai, rimanere increduli e sbalorditi di fronte alla potenza illusoria dell’arte.

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Tati- Monsieur Hulot

Valeria

Louis Malle - Zazie dans le métro

2011-07-08T16:49:00.001+02:00

Fare una trasposizione cinematografica di Zazie nel metrò non è affatto un lavoro facile. Queneau è completamente schizzato, ha un modo di scrivere tutto suo, onirico, a tratti grottescamente delirante, comunque molto letterario e molto poco cinematografico. Quando l’ho letto, anni fa, ho pensato che mai al mondo qualcuno avrebbe potuto trarne un film.

E invece il film uscì, e a un solo anno di distanza dalla pubblicazione del libro. Forse leggendo un libro così bello, il regista francese si è voluto misurare con questa sfida. Malle è Malle, e il periodo è tra i migliori in assoluto della storia del cinema. I registi si alimentano di idee a vicenda, dipingono tutti una Parigi in cui credo sia impossibile non sognare di viverci, almeno per un po’.

Una insopportabile (ma adorabile) bambina arriva a Parigi col sogno di vedere il metrò, ma questo è chiuso per sciopero. Viene ospitata da uno zio particolare e, fuggendo di casa, vive mille avventure incontrando personaggi stranissimi.

Il tratto grottesco e surreale del libro è portato cinematograficamente attraverso riprese velocizzate, gag comiche alla fratelli Marx, giochi di luce, giochi di musica e giochi di montaggio.

Tutto il film sembra un gioco, un divertentissimo gioco tra i personaggi del film in cui lo spettatore si sente partecipe dall’inizio alla fine. Arrivati ai titoli di coda, si ha la sensazione di aver fatto un sogno strano, ma bello, di quelli in cui si ricordano solo le sensazioni e non cosa è successo in particolare.

Come in ogni altro film che ho visto del periodo della Nouvelle Vague, anche in questo ritrovo una piacevole sensazione difficile da spiegare, un po’ come un pasto fatto in casa con persone care; nutriente, gustoso, abbondante, e circondato da un accogliente alone di affetto che solo in una casa può trovarsi. Non so se ho reso bene l’idea, manca qualche sfumatura ma non riesco proprio a esprimerla a parole. Vi lascio con il trailer del film. Una buona giornata a tutti.

trailer

Robin

Dziga Vertov - L'Uomo con la macchina da presa

2011-07-06T18:30:00.002+02:00

“Basta con le marce, futuristi,

un balzo nel futuro […]

Basta con le verità da un soldo.

Ripulisci il cuore dal vecchiume.

Le strade sono i nostri pennelli.

Le piazze le nostre tavolozze.

Non sono stati celebrati

dalle mille pagine del libro del tempo

i giorni della rivoluzione!

Nelle strade, futuristi,

tamburini, e poeti!”

[Vladimir Majakovskij, da “Ordine all’esercito delle Arti”, 1918]

Grandi sono i sogni e le speranze dei futuristi russi di quegli anni, che vedono nella rivoluzione bolscevica e nella nascita dell’Unione Sovietica il passo verso quello noto come “il Radioso Avvenire”. Così come Majakovskij nella poesia e nella pittura, Dziga Vertov, e altri grandi e noti cineasti, compivano le loro ricerche e le loro sperimentazioni in campo cinematografico, supportati da quello che era il nuovo governo.

“Il Cinema, tra tutte le Arti, è sicuramente la più importante” [V.I. Lenin]

Non soltanto regista, ma soprattutto teorico del cinema, Dziga Vertov condensa le sue ricerche e le sue idee in questo grande e indiscusso capolavoro.

Siamo nel 1929, già il mondo ha conosciuto svariati maestri che hanno rivoluzionato il cinema, che ne hanno fatto un’arte e che ne hanno dimostrato gli innumerevoli potenziali.

Oltre oceano, negli Stati Uniti, erano già sorti i primi magnati che si erano accorti di quanto si potesse guadagnare sfruttando il cinema, e già cominciava a prendere piede l’industria hollywoodiana. La Germania ci offriva ancora per pochi anni talenti del calibro di Murnau e Lang, mentre in Italia già aveva preso piede l’Istituto Luce e il cinema di propaganda.

In Russia, negli anni della rivoluzione (1917-1921), ci fu un vero e proprio “arruolamento” di artisti.

Persone come Ejzenshtejn, Pudovkin, Kuleshov, Dovzenko, Vertov, Tissé, formarono il Comitato del Cinema e fondarono a Mosca una “Scuola d’Arte Cinematografica”; la prima al mondo.

Il cinema diventava un'arma a servizio della rivoluzione, era un mezzo a servizio delle masse, che doveva contribuire all’acculturazione del paese.

Per circa un quarto di secolo, lo Stato sovietico rimase il solo al mondo a non considerare il suo cinema come un'industria sottomessa alle leggi del profitto.

E’ un periodo di esplosione artistica, i capolavori si contano a decine. Ma come tutti i periodi d’oro, ha vita corta.

Con la stabilizzazione del potere e l’avvento del totalitarismo staliniano, le cose cambiarono presto.

“L’uomo con la macchina da presa” è uno degli ultimi capolavori dell’era d’oro del cinema sovietico. Vertov ha condotto con maestria un bellissimo esperimento cinematografico: per la prima volta nella storia, girava un film muto senza didascalie. Solo immagini. Comprensibile in ogni parte del globo, sia da intellettuali, che da analfabeti. Un film per tutti.

Che cosa racconta? Non so dare miglior risposta che “la vita vissuta”.
Vertov va in giro per le strade di Mosca, e riprende le persone, cosa fanno, dove vanno a lavorare, dove a svagarsi. Come vivono insomma. “Spia” le loro vite attraverso “l’occhio” della macchina da presa.

Niente attori, ma vita vera, uomini e donne vere. Microstrorie di vita vissuta del 1929 unite dal filo conduttore di un cineoperatore che va in giro con questa macchina da presa a riprendere tutti.

Dziga Vertov pone il cinema come arte della vita. Facendo tesoro degli esperimenti di montaggio del collega Ejzenshtejn, fu tra i primi a comprendere con quanta facilità si potesse distorcere la realtà a fini ideologici, ma a generare comunque poesia.

A neanche un anno dall’uscita del film, sconvolto dai sogni infranti e soffocato dalla censura, si suicidava Vladimir Majakovskij, icona intellettuale della rivoluzione bolscevica.

L’evento sconvolse il paese, dal primo all’ultimo cittadino (o “compagno”, se vogliamo adeguarci alla terminologia del tempo).

Per gli intellettuali non si trattava solo della pesante perdita di un amico, ma anche di un monito che annunciava che le cose stavano cambiando in maniera drastica e terrificante. Gli eventi della storia, ne diedero conferma.

A partire dal 1930, tra l’avvento del sonoro da un lato, e la soffocante censura staliniana dall’altro, anche i più grandi registi furono costretti a girare film di propaganda, noiosi, retorici, e ripetitivi all’inverosimile. Si prendano ad esempio Aleksandr Nevskij di Ejzenshtejn, o Ninnananna di Vertov, film che conservano il tocco da maestro, ma in cui si percepisce un’invadente presenza esterna, che costringe il regista a usare il proprio genio per comunicare messaggi che non condivide.

Il geni rimangono, e continuano a lavorare (anche perché se non l’avessero fatto con ogni probabilità sarebbero stati ammazzati o deportati nei gulag) ma i capolavori sono ormai parte di un passato da sognatori, che resterà solo in pellicola.

Il cinema non era più a servizio delle masse, ma a servizio del culto della personalità del dittatore.

Per tornare a regalarci capolavori, l’Unione Sovietica dovrà aspettare la morte di Stalin, nel 1953.

Con l’uscita postuma nel 1958 della seconda parte dell’Ivan il Terribile di Ejzenshtejn, il regista riscattava la sua memoria di genio del cinema, e l’Unione Sovietica si preparava a entrare nel decennio degli anni ’60, dove giovani cineasti sovietici, influenzati sicuramente dalla dirompente Nouvelle Vague francese, cominciarono a produrre dei capolavori d’inestimabile valore artistico, rendendo onore ai connazionali geni del passato come Dziga Vertov.

Robin

Oasis - Lee Chang-dong

2011-07-02T18:42:00.001+02:00

Può la mano di un regista dipingere nello stesso istante le aspre venature della crudeltà umana e la delicata immagine di un amore puro e disinteressato come quello dei due giovani protagonisti di questo film? A quanto pare la mano di Lee Chang-dong è capace di tutto questo.

Lui, giovane ex galeotto colpito da un lieve ritardo mentale, e lei, giovane fanciulla affetta da paralisi celebrale; reietti, ripudiati e respinti dalle rispettive famiglie, mosse esclusivamente da crudele egoismo, per niente propense ad accettare quello che la società ha già bollato come “scarto", interessate solamente al proprio tornaconto personale e alla conservazione della propria dignità; troppo occupati, i suoi membri, a giocare a fare gli adulti per comprendere che a volte il mondo ha bisogno di essere osservato con gli occhi innocenti di un bambino per apparire più digeribile. E di questo sono consapevoli i due giovani protagonisti, abituati ad osservare ciò che li circonda con una purezza, una spensieratezza e un’innocenza tipicamente infantili, trascinati di volta in volta nel profondo baratro sociale, ma capaci sempre di salvare se stessi per ritornare a vivere il loro amore candidamente.

Sullo sfondo una società dominata da xenofobia e pregiudizi, in cui la legge del più forte si erige a totem; una sorta di darwinismo sociale in cui il più forte, il più accettato e il più integrato vince su colui etichettato come “disadattato”.

E’ qui che Chang-dong trova la forza di rovesciare tutto questo mettendo al centro della vicenda la storia d’amore tra due reietti e trasformando il loro amore in un’ancora di salvezza di fronte all’abominio umano.
Un amore che si nutre di sogni, di ideali, di immaginazione e che, nel momento un cui incontra la realtà, si trova a scontrarsi con l’intolleranza comune e con le pseudo regole di istituzioni chiamate a vigilare e ad operare a favore del più forte; un amore che si nutre di poesia, la stessa poesia con cui Chang-dong trasforma i riflessi di luce di uno specchio in piccole farfalle bianche e in una candida colomba; un amore che trascende pregiudizi e razzia sociale, un’oasi di salvezza le cui acque purificano e cancellano il fango nel mondo circostante.
Rami secchi da estirpare coloro che hanno dimenticato il vero senso della solidarietà, della fratellanza e dell’amore.

Lee Chang-dong con un linguaggio iconico, metaforico e simbolico ci trascina in una piccola oasi di poesia e bellezza che poco ha a che vedere con il degrado morale ed etico della società contemporanea; la sua mano è capace di coniugare ed amalgamare gli aspetti, così distanti e contrastanti, dell’animo umano, portandoci ad odiare, e contemporaneamente ad amare, noi stessi in una danza che oscilla tra umanità e disprezzo.

Mostrandoci e documentando come l’animo umano possa essere capace di gravi sgarbi, in realtà, ci da una grande lezione: l’amore non conosce né discriminazioni né definizioni.
Bisogna solo imparare a guardare nella profondità di ognuno di noi per capire che in fondo non siamo poi così diversi. Non sarà un handicap a renderci meno capaci di amare, meno capaci di gesti così drasticamente delicati e premurosi; se imparassimo a guardare meglio ci renderemmo conto di essere circondati da tante piccole oasi capaci di dare refrigerio alle nostre piccole vite.

Trailer

Valeria

Louis Ferdinand Céline (27-05-1894 / 01-07-1961)

2011-07-01T14:00:00.004+02:00

Oggi sono cinquant’anni che Louis Ferdinand Destouches, medico e scrittore meglio noto come Céline, ha deciso di andare da qualche altra parte e lasciarci solo i suoi libri per ricordarlo. A poche ore di distanza da quel primo luglio del 1961 un altro scrittore,Ernest Hemingway, si sparava un colpo di fucile decidendo di farla finita. La morte di Céline passò sotto silenzio, quella di Hemingway fu in risalto sui giornali di tutto il mondo.

Di Céline, probabilmente lo scrittore più scomodo del Novecento, si parlava malvolentieri. Uno scrittore maledetto, un collaborazionista, un uomo bruciato dalle sue follie… Usato successivamente da beceri gruppi reazionari, che nulla capivano di letteratura, come manifesto per propagande deliranti. A distanza di cinquant’anni per fortuna la situazione è cambiata, non si usano più le lenti distorte dell’ideologia per valutare l’opera di quello che ritengo essere uno dei più grandi scrittori del Novecento.

Erano i primi anni Novanta, quando mi imbattei per caso nelle pagine del “Viaggio al termine della notte” e finalmente riuscì a comprendere cosa voleva dire un libro che ti cambia la vita, poi passai al suo secondo romanzo “Morte a credito” e lo shock fu ancora maggiore. Céline mi era ormai entrato dentro in modo definitivo e sapevo che non mi avrebbe più lasciato. Dopo vent’anni il mio giudizio è rimasto immutato. Leggere tutte le sue opere, i saggi critici a lui dedicati, scriverci la mia tesi di laurea,mi hanno permesso di comprendere meglio il suo mondo, la sua poetica e il suo incredibile laboratorio di scrittura, ma tutto ciò nulla ha tolto alla capacità di emozionarmi ogni volta che prendo in mano quei suoi due primi libri.

Sarebbe impossibile tratteggiare in poche righe la vita e il percorso poetico di qualunque scrittore figuriamoci di un gigante come Céline. Dall’entusiasmo generale per i suoi due primi libri (1932 e 1936), all’allucinato scrittore dei pamphlet antisemiti (1937-1941); dalla fuga in Germania alla fine della guerra, all’arresto in Danimarca per collaborazionismo e ai suoi ultimi anni in Francia, la sua vita è stata essa stessa un romanzo. Riuscì a essere amato e odiato da tutti. Ma lui continuava a spiazzare, fedele solo alla sua lucida, feroce, disillusa onestà intellettuale. Come può un uomo scrivere i passi più carichi di amore e di pietà verso tutto ciò che è vita e poi diventare uno dei più feroci e cinici fustigatori dell’essere umano (rintanandosi alla fine in una piccola villetta circondato solo dalla sua compagna e un numero indefinito di cani e gatti abbandonati)? Volevo cercare di capire come un uomo può passare da un amore così profondo a un odio (apparentemente) feroce. Non mi accontentavo delle soluzioni di comodo, Céline impazzito, Céline pagato che critici incompetenti affibiavano con fretta alla sua figura. Doveva esserci qualcosa di diverso… non so se sono arrivato a una conclusione (il bello dello studio e della ricerca letteraria consiste nel non arrivare mai a un dato definitivo), ma di certo so che la poetica di Céline cammina per un binario assolutamente coerente con quella che era la sua visione dell’uomo. Amava gli uomini di un amore totale ma appena scoprì che erano capaci (anche) di azioni malvage cominciò a detestarli, a scaricare addosso all’umanità i peggiori improperi, ma lo faceva per difendere quello che era stato e quello che continuava ad essere nel profondo del suo animo. Non si fidava più della moltitudine, ma soltanto dei singoli, dai vecchietti indigenti che curava gratuitamente a Meudon quando, ormai vecchio e dimenticato da tutti aspettava la fine, agli animali abbandonati che custodiva con amore riuscendo a incanalare quel suo profondo amore verso tutte quelle forme di vita che non avevano altro modo di ringraziare che con lo sguardo,quello che bastava a Céline per sentirsi uomo.

Céline mi ha insegnato,e continua a insegnarmi, ciò che ritengo essere il senso profondo di una vita coerente con il proprio senso etico. Di un amore non teorico e a tanto al chilo con cui molti si riempiono la bocca, ma di quello vero, disinteressato che siamo capaci di dare quando nessuno ci vede,con il pudore della tenerezza, quello che troviamo negli occhi di un cane quando facciamo loro una carezza o nella gioia di un amico quando gli stiamo accanto per il solo piacere di condividere un pezzo di strada insieme.

Sergio

Brano tratto dal libro "Da un castello all'altro"
Brano tratto dal libro "Viaggio al termine della notte"

Casablanca - Michael Curtiz

2011-06-29T16:16:00.005+02:00

Non ricordo più la prima volta che ho visto Casablanca. Non è stato molto tempo fa, ma non è stata quella volta a segnarmi.

E’ difficile anche per la persona meno sensibile non commuoversi con Casablanca, se poi si conta che un film possa portare ricordi personali molto forti, posso dire che è impossibile per me vedere questo film e non versare qualche lacrima in certe scene.

E’ bello quando un film non porta con se soltanto il suo valore intrinseco, il suo significato, le sue immagini, la cura della sceneggiatura etc..

Casablanca è per me uno di quei film che manda una quantità sconfinata di emozioni, legate non solo alla storia, ma soprattutto a particolari momenti e a particolari persone.

E’ talmente conosciuto che non serve che scriva qualcosa per suscitare la curiosità di chi ancora non ha pianto su questo film. Chi non ha avuto ancora questa fortuna, comunque ne avrà già sentito parlare a sufficienza per farsi destare un minimo di interesse.

Quello di cui vorrei parlare è invece la forza con cui il cinema avvicina la gente, e suscita emozioni assolutamente esclusive, con sfumature diverse da persona a persona.

Certe opere assumono un valore speciale perché condivise con qualcuno, e spesso queste opere rappresentano un punto di contatto, e riescono a rendere magici dei momenti che altrimenti potrebbero essere solo belli.

Questo è spesso il motivo per cui siamo legati a film visti nell’infanzia, per quanto alcuni possano raggiungere livelli di banalità che se li vedessimo oggi per la prima volta penseremmo che solo un idiota potrebbe stare a guardare certa roba. Eppure suscitano sempre un sorriso quando li rivediamo, non possiamo fare a meno di ricordare, guardando quelle immagini, di come il nonno preparasse la videocassetta mentre la nonna preparava i panini, e si ripetevano a memoria le battute del film insieme alla sorella o ai cugini o ai compagnetti di classe. E scatta sempre un piacevole senso di complicità quando incontri qualcuno che ti dice “Oh, anch’io da piccolo/piccola lo adoravo questo!”

E quante volte i gusti cinematografici, o musicali o letterari fanno avvicinare le persone, talvolta accendono anche la scintilla per amori fortissimi e duraturi.

“ -Come vi siete conosciuti?

- Entrambi amavamo Pessoa ed eravamo affascinati dalle foto di Cartier-Bresson”

“E così anche tu ami il Maestro e Margherita..”

“-Quale preferisci della trilogia dei colori?

-Il rosso

-Anche io, ma il Bianco lo amo pure.

- (Sorriso)

- (Sorriso)”

Accade anche l’opposto, forse con esagerazioni:

“-Ti piacciono i Led Zeppelin?

- Chi?

- Dimenticami!”

Forse può essere considerato un eccesso, ma entro certi limiti credo sia normale; d’altra parte, statisticamente, non mi sono mai trovato a mio agio con qualcuno che leggesse Moccia o fosse un patito dei cinepanettoni. Diventa una questione non più solo di gusti, ma di tipologia di sensibilità.

E’ ovvio che non si può conoscere tutto, ma tra due persone che hanno uno stesso tipo di sensibilità scatta anche il piacere di far scoprire all’altro/a qualcosa che ami.

A una persona molto importante una volta, feci conoscere Jules et Jim. Già io amavo questo film con ogni fibra del mio corpo, mi trasmetteva emozioni fortissime.

Visto il film, lei aspettò la sera e mi chiamò, e mi disse: “Questo film ha un po’ cambiato la mia vita”. E’ stato un momento bellissimo.

Per una serata abbiamo parlato di Jules et Jim, di Truffaut, di quello che il film aveva significato per lei e di quello che aveva significato per me. Alla fine della serata, Jules et Jim aveva acquisito un altro valore, legato anche a quella conversazione, e anche adesso, quando riguardo il capolavoro di Truffaut, non posso fare a meno di sorridere ripensandoci.

Trovo bellissimo tutto ciò.

Ho scelto Casablanca come pretesto per affrontare questo discorso perché ho notato che statisticamente ha questo potere più di altri film. Da tante persone ho sentito dire “Ah.. quanti ricordi con Casablanca..”

Non so se è stato solo un caso che io abbia incontrato persone le quali hanno vissuto qualcosa in particolare con Casablanca, o è Casablanca in sé che ha la forza di rendere speciale e magico il momento della sua visione.

Mi piace credere a questa seconda ipotesi.

Le atmosfere di nostalgia per Parigi, dei bei tempi andati con Ilsa alla Bella Aurora, l’angoscia dei fatti più grandi e poco gestibili del presente, la necessità di una nuova separazione, sono tutti elementi fortissimi, che forse un po’ tutti possiamo collegare a fatti personali. Chi, d’altra parte, non ha mai avuto nostalgia di qualcosa o non ha mai dovuto affrontare decisioni dure?

“Se lui parte e tu rimani un giorno sarai presa dal rimorso, non oggi e forse neanche domani. Ma presto o tardi, e per tutta la vita.”

Fin troppo facile immedesimarsi in situazioni del genere: lasciare qualcosa che si ama per qualcosa di più importante. Piangendo sì, avendo nostalgia, tenendosi dentro tutte le belle cose del passato e sapere che nessuno potrà mai togliercele

“avremo sempre Parigi..”

Ma anche guardando sempre in avanti, tenersi sempre aperti alle nuove esperienze, pensare sempre che una nuova conoscenza può essere “l’inizio di una meravigliosa amicizia”

Ogni tanto sento il bisogno di rivedere Casablanca, ha l’effetto benefico di esorcizzarmi paure e nostalgie e lasciarmi con la speranza. Il tutto al basso prezzo di qualche lacrima.

Robin

Suonala Sam

Le avventure acquatiche di Steve Zissou - Wes Anderson

2011-06-29T14:20:00.001+02:00

Da buona e fedele “andersiana”, quale mi definisco, trovo doveroso dedicare qualche riga a uno dei registi più interessanti dell’attuale panorama cinematografico. So già di rendere felice chi, come me, apprezza ed ama questo singolare regista, ma so anche di far adirare quanti,invece, poco lo sopportano, perché il cinema di Anderson, così perfettamente riconoscibile e particolare, non ammette mezze misure; o lo si ama o lo si odia.

Ho scelto quello che forse è il film che, a parer mio, meglio raccoglie temi, motivi e personaggi del singolare e surreale universo andersiano e il marchio di fabbrica,ovviamente, non cambia:

inquadrature piatte, geometriche, pittoriche, grande cura per ogni singolo particolare e minuziosa scelta delle musiche, essenziali per il risultato finale.

Anderson mette in scena personaggi sopra le righe, apparentemente lontani da noi, ma in realtà più vicini di quanto pensiamo; uomini e donne in bilico tra il bisogno di autoaffermazione individuale, bisogno di realizzare sogni e aspirazioni e la necessità di approvazione sociale.

E di questo Steve Zissou è un caso esemplare, diviso tra la volontà di creare una figura leggendaria attraverso la registrazione di documentari acquatici e il bisogno di realizzarsi nel privato.

Al centro dell’universo andersiano troviamo sempre famiglie disfunzionali, allargate ed atipiche (che siano gruppi di marinai o famiglie super allargate o gruppi di amici), i cui membri sono chiamati a fare i conti con la definizione dei propri rapporti, faticando ed arrancando per armonizzare la propria esistenza e il proprio modo di essere con ciò che li circonda.

Quello che domina il mondo di questi personaggi è il caos, funzionale, però, al loro sopravvivere e necessario nell’affrontare i rapporti familiari e sociali. Un caos che, se in primo momento getta nel panico, confonde e lascia naufragare chi lo abita, a poco a poco accarezza i suoi protagonisti, li culla portandoli a comprendere che i rapporti umani, per quando difficili da decifrare e gestire, sono in realtà necessari.

Una sensibilità artistica, quella di Anderson, capace di dipingere con ironia, leggerezza e un tocco di poesia l’uomo in tutte le sue sfaccettature e tutto quello che lo circonda; un piccolo gioiello che commuove a fa sorridere. Tuffarsi in quadro per poi muoversi con i suoi protagonisti.

Con la speranza che ognuno di noi possa un giorno trovare il proprio “squalo giaguaro”, perché in fondo la vita è una continua ricerca dell’ignoto in cui siamo tutti dei compagni di viaggio; e Anderson ci mostra quanto sia difficile, durante questo viaggio, salvaguardare se stessi e concedersi agli altri.

Vi lascio con i titoli di coda

Valeria

Vincenzo Pirrotta - Quei ragazzi di Regalpetra

2011-06-27T23:43:00.006+02:00

Quelle volte che a Catania capita di assistere a delle opere teatrali di un certo spessore (cosa che purtroppo non avviene spesso), diventa un piacevole obbligo il trovarsi un posto in prima fila per saziare quella sete di cultura che la nostra città ha troppe volte tentato di calmare con le solite e vecchie stantie arie di continenti o ripetitive eredità di zii canonici.

Eccoci allora presenti per assistere all’ultimo lavoro di Vincenzo Pirrotta “Quei ragazzi di Regalpetra” che l’artista palermitano ha ridotto dal libro di Gaetano Savatteri assieme allo stesso scrittore. Pirrotta è uno di quegli uomini di teatro siciliani, che per fortuna abbiamo, il quale continua a ricordarci come il fatto di avere una grande tradizione culturale alle spalle non vuol dire adagiarsi su essa senza avere più desiderio di ricerca ma piuttosto partire da quella tradizione per sperimentare nuovi linguaggi più adeguati al nostro tempo. D’altronde Pirrotta, allievo del grande Mimmo Cuticchio, ben conosce storie e tradizioni della nostra terra ma riesce ogni volta a rielaborarle e renderle vive sul palcoscenico con un lavoro sul linguaggio, sia del testo che del corpo, tale da collocarlo tra gli artisti più importanti che abbiamo oggi in Italia assieme a nomi del calibro di Pippo Delbono o dell’altra siciliana Emma Dante.

Il luogo di Regalpetra prende naturalmente le mosse da un luogo di fantasia che Sciascia creò nel 1955 nel suo “Le parrocchie di Regalpetra”, unendo la sua Racalmuto al libro di Nino Savarese “Fatti di petra”. E’ in questa Regalpetra che Pirrotta ci accompagna, facendoci conoscere luoghi e personaggi di un paese dove all’inizio tutti si affrettano a dire che la mafia non esiste, che è un affare di altri, che qui si vive di lavoro, di estrazione di sale e di zolfo. La mafia è un cancro degli altri e a Regalpetra quando avviene il primo omicidio si dice che sia storia di corna (quanto dolore e quanti ricordi lancinanti risorgono in quei momenti pensando a quello che successe a Catania nel 1984, dopo lo spietato assassinio di Giuseppe Fava con i giornali e le istituzioni che si affrettavano a dire che a Catania la mafia non esisteva e che l’omicidio era di altra natura). Ma “sangu chiama sangu” e pian piano Regalpetra diventa un mattatoio, si uccide per niente e per tutto, la faida scoppia brutale e “l’asfalto non la smette di bere sangue”. Pirrotta pone come spartiacque della storia di Regalpetra l’anno della morte di Leonardo Sciascia, come se la figura del grande scrittore rappresentasse una diga morale contro la barbarie. Il potere della penna contro quello della pistola come Saviano ci ha ricordato qualche mese fa. Ma se scompare la penna le pistole si scatenano. Regalpetra diventa un inferno in terra e Pirrotta ci presenta omicidi, vendette e canti funebri come soltanto un conoscitore della macchina teatro sa fare. Come in una moderna tragedia greca, con il coro che ci accompagna, scorrono davanti a noi storie di tragedie familiari e di patti scellerati. Ma quei ragazzi di Regalpetra non sono solo quelli che si scambiano colpi di pistole a tutte le ore ma anche quelli che, per fortuna, stanno dall’altra parte, quelli che, cresciuti a fianco di Sciascia, stampano un giornale dove cercano di denunciare tutte le violenze alle quali assistono. La faida dura 17 lunghissimi anni a Regalpetra e nel bellissimo momento finale uno di quei ragazzi virtuosi si chiede se avrebbe potuto fare di più per fermare quello scempio… no si dice,tutto sarebbe avvenuto ugualmente… ma questo è “alibi da poco, alibi da niente…”. Alla violenza non ci si abitua e del potere della cultura non possiamo mai fare a meno.

Pirrotta è il solito gigante del palcoscenico, la sua voce e il suo corpo riempiono lo spazio teatrale come pochi, l’opera forse non raggiunge i picchi di “Terra matta” che lo scorso anno riuscì a emozionarci come rare volte capita ma nel complesso è sicuramente un altro grande tassello nella sua produzione teatrale.

Sergio

Werner Herzog - My son, my son what have ye done

2011-06-26T14:35:00.001+02:00

Prepararsi a vedere un film di Werner Herzog prodotto da David Lynch ti mette sin dall’inizio una curiosità e un’attesa particolare. Probabilmente perché si tratta di due autori che ci hanno regalato tra i capolavori più belli e inquietanti della storia del cinema.

My son, my son, what have ye done è uscito in Italia a settembre dello scorso anno e rappresenta sicuramente un piccolo riscatto da parte dell’autore Tedesco dopo l’infelice prova de “Il cattivo tenente, ultima fermata New Orleans” inutile remake del capolavoro di Abel Ferrara. Negli ultimi vent’anni Herzog ci aveva fatto vedere tra i documentari migliori mai visti al cinema (ne riparleremo sicuramente) e aveva un po’ fermato la sua produzione di lungometraggi . Adesso sembra aver ripreso con buona lena anche questo versante narrativo e anche se siamo ancora distanti dalla genialità dei suoi titoli degli anni Settanta (Aguirre, Nosferatu, Woyzeck), chi ama il suo cinema non può non riconoscere la sua mano. My son… inizia quando i fatti sono già accaduti, un omicidio di una donna da parte del figlio, tutto il film è il tentativo di capire i motivi che conducono il ragazzo a questo gesto. Il suo lento scorrere nei meandri della follia attraverso viaggi esotici, richiami mistici e rapporti educativi castranti.

La mano di Lynch si avverte in maniera forte con personaggi che sembrano usciti direttamente dai suoi film (la madre possessiva o il nano onirico) e che, associati ai temi ricorrenti herzoghiani (l’incombenza assoluta e preponderante della natura con la sua forza e i suoi animali curiosi, in questo caso fenicotteri e struzzi…), producono un risultato abbastanza disturbante (ed è ovviamente un punto a favore). Peccato che alcune scelte narrative non siano poi portate fino in fondo come se il girare all’ombra degli studios americani tarpi (in)consapevolmente le ali della fantasia di Herzog facendolo fermare sempre un attimo prima dello scatto verso l’ignoto (in quel terreno che nel passato ha prodotto i suoi capolavori).

Il film è tratto da una storia vera, un omicidio, avvenuto nel 1979, di una donna da parte del proprio figlio successivamente dichiarato non sano di mente; si dice che Herzog incontrò quest’uomo alla fine degli anni Novanta andandolo a trovare nel camper dove viveva e di esserne rimasto molto colpito a causa della sua follia tanto da non volerlo più vedere. Conoscendo un po’ Herzog questo tizio doveva proprio essere particolare…

Sergio

Trailer

Morfij (Morfina) - Aleksej Balabanov

2011-06-24T15:59:00.000+02:00

Mi sono sempre chiesto come mai dai romanzi di Bulgakov non fossero tratti tonnellate di film. Fatta eccezione per il più noto “Maestro e Margherita”, i suoi racconti si prestano, a mio parere, enormemente a trasposizioni cinematografiche. Già con Cuore di Cane, di Vladimir Bortko questa mia convinzione aveva trovato conferma.

Ieri sera, già entrato in quello che posso definire “tunnel Balabanov”, mi sono imbattuto in quest’altro piccolo capolavoro.

Basato sull’omonima novella autobiografica bulgakoviana, Balabanov riprende egregiamente anche altri racconti contenuti nel libro “Appunti di un giovane medico”, compiendo un lavoro di trasposizione cinematografica a regola d’arte.

Essenziale, conciso, per certi versi spietato, il film ci narra la storia di un giovanissimo medico senza esperienza mandato a dirigere un ospedale in uno sperduto villaggio della Russia, in tempo di guerra civile. Le ansie, il senso di responsabilità, le paure che questo lavoro fanno gravare su di lui, lo trasformeranno in un drogato di morfina.

Senza mai scadere nel banale, Balabanov affronta il tema della droga in maniera egregia, senza ipocriti moralismi ma trascinando lo spettatore sullo stesso piano emotivo del protagonista, vivendo sensazioni di dipendenza, di angoscia, di crisi d’astinenza e di senso di colpa. Un bravissimo Leonid Vichevin, attore alle prime armi, spaventosamente rassomigliante al vero Bulgakov, aiuta notevolmente il regista a raggiungere il proprio scopo.

Sorprendente come si avverte, verso la fine, un senso di nostalgia per quell’ospedale tanto odiato durante tutta il film. Lo stesso senso che si avverte leggendo alcune pagine del libro. Come sia riuscito in questo intento non sono riuscito a comprenderlo, ma forse è un bene che resti ignoto, come il trucco di un bravo prestigiatore.

“Più della meschina verità mi è prezioso l’inganno che mi sublima, e su quest’inganno piangerò tutte le mie lacrime” diceva Pushkin, ma forse sto divagando.

Adoro come questo regista riesce a rendere le atmosfere delle sue storie. Riesce a farci fare un tuffo nel suo mondo, in questo caso nel passato, con dettagli curati sino al minimo e apparentemente più insignificante particolare. Già in Brat si nota questo tocco di classe. Decisamente migliorato con gli anni e con l’esperienza, il suo talento riesce nel medesimo intento anche con un mondo ormai estraneo a chiunque, in primis a egli stesso, per ovvi motivi di età.

Morfij non si limita a raccontare una storia; trasmette, in maniera essenziale, la vita intera del dr. Poljakov e dell’infermiera Anna Nikolajevna. Il loro freddo, la loro fame, la loro difficoltà nell’affrontare ogni giorno lo stesso inferno, la pace fittizia delle iniezioni di morfina, sono soltanto dettagli per affrontare con cura tutto il loro spettro emotivo, che lo spettatore vive assieme a loro, dall’inizio fino alla fine, una fine a dir poco geniale.

Senza dubbio un maestro nel captare l’essenza di un libro e tradurla in linguaggio cinematografico.

Robin

Tanjechka suona il piano (non ho trovato trailer sottotitolati, preferisco una scena musicale che accompagni la lettura)

Rebecca Dautremer e Philippe Lechermeier - Il diario segreto di Pollicino

2011-06-24T12:51:00.000+02:00

In queste sere mi sono addormentata sulle pagine di un bellissimo libro di cui voglio parlarvi: Il diario segreto di Pollicino scritto da Philippe Lechermeier e magnificamente illustrato da Rebecca Dautremer.
Appena l’ho visto in libreria, sono stata subito attratta da questo libro rosso dal formato insolito (molto più piccolo rispetto allo standard dei libri illustrati). La prima impressione che si ha sfogliandolo è proprio quella di “sbirciare” di soppiatto in un diario, “mettere il naso” in qualcosa di privato, prezioso, proibito ai più. Il modo in cui è scritto non fa che rafforzare queste prime sensazioni… ogni pagina è un mondo a parte tutto da scoprire. Non è solo un libro da leggere, ma un libro in cui immergersi, cercare, rovistare tra i dettagli… anche le note a margine, i disegni sullo sfondo e gli scarabocchi “a penna” riservano piccoli piaceri nonché informazioni importanti per la storia. L’illustrazione si fonde con la parola scritta al punto da non potersene più separare, così come alla vicenda principale si fondono mille digressioni… e il macromondo si fonde con tanti mondi più piccoli al punto da non poter più distinguere la storia principale da quelle di contorno. Il grande e il piccolo sono parti di un complesso e unico insieme… allo stesso modo Pollicino, minuscola creatura, vive da protagonista in un mondo che non è a sua misura.
La triste storia di Pollicino e dei suoi fratelli si colora di elementi grotteschi e divertenti e i disegni di Rebecca Dautremer ne fanno poesia allo stato puro. Stupendo quello del corsetto metallico della matrigna, chiuso da lucchetti, catenacci e chiavistelli per proteggerne i segreti e i tesori.
Il libro saprà ricompensare chi lo guarda con attenzione… innumerevoli chicche si nascondono fra le pagine, una su tutte è un piccolo disegnino che evoca un piccolo foglio strappato da un catalogo “simil ikea” in cui si vedono i vari modelli e i prezzi dei letti per molti fratelli, disponibili nei colori nero, marrone e cacca d’oca...

Gabri

Vivre sa vie (Questa è la mia vita) - Jean-Luc Godard

2011-06-22T14:57:00.002+02:00

Sono perfettamente cosciente di intraprendere un percorso irto di ostacoli perché parlare di Godard e del suo personalissimo cinema non è cosa facile, soprattutto quando, come nel mio caso, si ama incondizionatamente questo straordinario maestro.

Nel suo quarto lungometraggio, che narra la storia di Nanà, giovane commessa di un negozio di dischi divenuta per una seria di vicissitudini e scelte una professionista del marciapiede, Godard abbandona le regole della narrazione convenzionale, segmentando la storia in 12 quadri, ognuno dei quali caratterizzato da un registro specifico (da quello filosofico a quello letterario, da quello giornalistico e sociologico a quello delle arti figurative), tutti funzionali alle riflessioni a cui ci obbliga il maestro francese. Inoltre, in perfetto stile Nouvelle Vague ed in linea con la sua idea di cinema, opta per una serie di scelte tecniche che hanno come scopo quello di provocare straniamento nello spettatore, e spingerlo così ad una acuta e attenta riflessione sui temi trattati e le immagini mostrate, e di distanziarsi quanto più possibile dal modello di cinema americano che stava espandendosi a macchia d’olio.

“c’è una sorta di ascesi che ti impedisce di parlare bene finché non si guarda la vita con distacco”

E’ questa la lezione di Godard. E’ necessario guardare con distacco ciò che ci circonda, solo così saremo in grado di riflettere, di analizzare la realtà circostante e trarre le nostre conclusioni; perché, che ci piaccia o no, il cinema di Godard non è per menti pigre, non è semplice intrattenimento, piacevole svago, è vita in tutte le sue sfaccettature.

Ci invita (o meglio ci obbliga, attraverso le sue scelte tecnico-narrative) a guardare la vita con la giusta dose di coinvolgimento e distacco, così da renderci sempre più lucidi ed attivi.

“La mia originalità, e il mio fardello, sta nel credere che il cinema sia fatto più per pensare che per raccontare storie.”

Ogni immagine, costruita per essere quanto più vicina alla vita reale, diventa portatrice di un’ideologia. La profondità semantica di ogni fotogramma colpisce direttamente lo spettatore, senza bisogno di nessuna mediazione.

In particolare, in Vivre sa vie (Questa è la mia vita) Godard ammette che ognuno di noi è libero di vivere la propria vita, a patto che sia consapevole delle responsabilità che questo vivere comporta.

"Credo invece che siamo sempre responsabili delle nostre azioni. E siamo liberi. Alzo la mano, sono responsabile. Giro la testa sono responsabile. Sono infelice, sono responsabile. Fumo una sigaretta, sono responsabile."

Un elogio al libero arbitrio, insomma, senza nessun insegnamento morale.

Scegliere è Vivere e Vivere è Scegliere. Le conseguenze, poi, sono inevitabili.

“Voler evadere è un'illusione. In fondo le cose sono come sono e nient'altro. Un volto è un volto. Dei piatti sono dei piatti. Gli uomini sono gli uomini. E la vita è la vita.”

Valeria

Brat - Aleksej Balabanov

2011-06-21T18:01:00.000+02:00

L’Unione Sovietica è da poco caduta. Grandi, profondi e radicali sono i cambiamenti della società russa dei primi anni novanta. In questo periodo di transizione, di confusione sociale, la criminalità organizzata ha trovato il più fertile dei terreni per la sua ascesa al potere.

Questo è il teatro in cui il regista ha deciso di ambientare la storia amara di un giovane russo, amante della musica. In lui, la speranza in un futuro migliore, la profonda voglia di vivere la vita in modo normale, una voglia di divertirsi, di conoscere gente nuova, viene stroncata dagli eventi di forza maggiore. La lealtà verso il fratello in pericolo a causa di un boss lo condurrà passo passo in uno squallido mondo fatto di droga, omicidi, stupri e false amicizie, che lo trasformeranno in un killer spietato. Sarà solo il suo buon cuore e il suo profondo senso di giustizia interiore a muovere le sue azioni in una società corrotta, che muove goffamente i primi passi in un mondo capitalista che non comprende, in cui davvero certi uomini applicavano alla lettera la massima “facciamo un po’ come cazzo ci pare”.

Un bellissimo uso della colonna sonora, studiata per far immedesimare al massimo lo spettatore in Danila, il protagonista (quasi tutti i pezzi sono dei Nautilus Pompilius, gruppo russo estremamente popolare nella cultura giovanile “alternativa” di quegli anni). Splendide le ambientazioni: per suggerire un clima di squallore e decadenza, il regista evita accuratamente le riprese nelle bellissime vie pietroburghesi, dando maggiore attenzione agli spazi interni, quasi tutti decrepiti e lasciati a se stessi, dettaglio che rispecchia l’essenza di molti personaggi del film; e anche quando la scena è all’esterno, è quasi sempre in sporchi e luridi bassifondi di periferia. Solo all’inizio del film, quando Danila arriva pieno di speranze a Leningrado (anzi, a Pietroburgo) si vedono carrellate attorno a quelli che sono gli edifici che rendono Pietroburgo una delle città più famose al mondo per i suoi capolavori architettonici.

Per i suoi temi attualissimi trattati con maestria, il film è presto diventato un cult tra i russi, e ha portato fama al regista anche fuori casa, presentato nella sezione Un Certain Regard del Festival di Cannes del ’97.

Un film asciutto e duro, un affresco senza moralismi né retorica sulla società russa di quegli anni, che, per certi aspetti, continua ancora a vivere in quello che è il regno del piccolo zar Putin, asceso al potere proprio in quegli anni (quando si dice “il caso”).

Nel 2000 Balabanov ha girato anche il sequel “Brat 2”, tradotto in Italia col titolo “Il fratello più grande”, di cui spero di poter parlare presto.

Robin

guarda il Trailer

La casa dalle finestre che ridono - Pupi Avati

2011-06-20T21:12:00.001+02:00

L'altra sera, dopo la visione dell'insipido "The ward" di J. Carpenter, camminando per le vie del centro è nata una discussione sulle location dei film horror, sui luoghi che fanno paura e sui luoghi privi di questa caratteristica, fino ad arrivare ad interrogarci con un "si può ambientare un horror tra le bancarelle della fiera?".
La mia risposta è si. Penso che qualsiasi ambiente abbia le potenzialità di diventare uno scenario orrorifico. Un chiaro esempio è “La casa dalle finestre che ridono” originale ed efficace horror del ’76 diretto da Pupi Avati.
Questo film dimostra che è possibile spaventare con la presenza della luce, come un assolato paesino romagnolo, all'apparenza tranquillo e sereno, può benissimo essere scenario di terrorificanti eventi. Il buio viene (quasi) del tutto eliminato, anche i luoghi chiusi e notturni vengono abbondantemente illuminati, lasciando tutto visibile. Ed è proprio questa totale chiarezza della visione il punto di forza della pellicola, perché spiazza lo spettatore, generando un fastidioso senso d'inquietudine tramite la privazione di ogni forma di certezza, sovvertendo il classico clichè del "luce= sicurezza e buio=pericolo". L'inquietudine poi viene maestralmente dosata per tutto il film, accompagnata dalle efficaci note di Amedeo Tommasi, fino all'apice del finale. Un finale geniale, che in un certo senso risarcisce lo spettatore da alcuni grossolani errori e piccoli difetti cosparsi all'interno della pellicola.

Simone

Euripide - Andromaca

2011-06-20T16:18:00.003+02:00

Ho visto ieri al teatro greco di Siracusa l'Andromaca di Euripide.
Si sa che uno spettacolo rappresentato lì acquisisce un qualcosa di magico, è un'atmosfera che ha del "numinoso", si percepisce almeno un po' il brivido del rituale sacro che dovrebbe essere il Teatro. Il Teatro. Quello degli alberi che ondeggiano per il vento dietro la scena, quello degli attori "nudi" in una scena aperta a 180°, che li vedi ovunque vadano.
Il Teatro! Delle Valerie Moriconi straziate dall'essere Medea, quello che ti spacca la pancia con le emozioni che trasmettono gli attori, il coro (con cui il pubblico deve identificarsi, perché avvenga la catarsi di questo rito sacro), le soluzioni di regia.
Signori e signore...il Teatro! Quindi volenti o nolenti si partiva già moolto avvantaggiati.

Andromaca, però, è un testo difficile. Non è la classica tragedia. E' un'opera disorganica apparentemente, la "protagonista" scompare a metà e in scena si vede il dramma di Peleo (lui è l'uomo dei sentimenti, degli antichi valori, che si contrappone alla violenza senza senso), passando per quello di Ermione. La violenza è la vera protagonista di questa tragedia.

L'invettiva contro gli Spartani (fu scritta durante la guerra del Peloponneso), contro gli strateghi (siamo nel periodo in cui gli strateghi-demagoghi
distruggono l'apollinea età di Pericle e avviano anche Atene verso l'ellenismo), contro le donne.

Le donne euripidee: se ne potrebbe parlare per ore. Si dice che Euripide fosse misogino. Niente affatto a mio parere (e soprattutto a parere di molti altri
studiosi). Euripide, sempre "molto avanti" per i suoi tempi, colui che introdusse i sentimenti, comprendeva le donne, le ha fatto eroine.
Non come Sofocle, che le rendeva immense nel loro coraggio, titaniche nel loro dolore, ma comprendendo i loro drammi, piccole come gli uomini
in un mondo (quello ellenistico) allo sfacelo.

La trama comunque si trova facilmente su Wikipedia, non è di questo che vorrei scrivere. Ma di quello che ho provato ieri.
Infatti premetto che non sono una critica teatrale e che baso i miei giudizi sulle sensazioni che gli attori mi hanno comunicato.

Poco prima dell'inizio dello spettacolo, essendo l'ultima replica, è stata premiata Gaia Aprea, bravissima nel ruolo della dea Teti (che si rivela solo alla fine, mentre per quasi tutto lo spettacolo sembra essere "solo" la corifea). Certamente la migliore di tutto lo spettacolo. Il coro, che come si sa nelle rappresentazioni classiche fa un buon 50% dello spettacolo, era molto bello. Ben organizzato, belle le coreografie, un po' forzato l'uso delle voci liriche, ma tutto sommato poteva starci. Brava ma non eccessivamente brillante la protagonista Laura Marinoni, nel ruolo di Andromaca. I commenti un po' di tutti sono stati del tipo
"non aveva una presenza fortissima", da protagonista, diciamo. Certamente molto brava comunque, penalizzata dal confronto con la vibrantissima Aprea.

A sorpresa mi è parsa eccellente, nel ruolo di Ermione, Roberta Caronia. Molto comunicativa, ha osato molto con un personaggio molto "moderno", da bambina
viziata, da spregiudicata spartana. Ermione "impazzisce" ad un certo punto nella tragedia e anche lì è stata molto molto "vera".
L'unica pecca di Ermione è stato il dover condividere una scena con un inutile Oreste (Gabriele Palmarini), forzatamente pazzo. La scena della loro discussione è stata trasformata in un accoppiamento, e onestamente a mio parere non ci stava. Forse l'unica cosa che ha sbagliato il regista.
Bravo anche Menelao (Paolo Serra), il ragazzino Molosso Gabriele Fichera (in genere dai ragazzini a teatro non ci si aspetta granché, ma merita una menzione), la serva, la nutrice e il messaggero.

Vero dramma nel dramma l'agghiacciante interpretazione del Peleo di Mariano Rigillo. Una caricatura della recitazione teatrale. Falsissimo. Allungava
e aspirava le ultime sillabe senza alcun motivo. Era completamente fuori dal personaggio. Eppure ha ricevuto più applausi di tutti.
D'altro canto ieri in molte sue battute il pubblico rideva. Sissignori. Un buon 50% del pubblico trovava esilaranti battute come "schifoso vigliacco", "tu non vali niente", "non c'è peggiore sventura delle donne" o cose del genere. A ridere erano sopratutto delle oche starnazzanti. "Le donne amano lamentarsi", e giù risate. "Le donne spartane non sono donne perbene" e se ne cade giù il teatro, manco ci fosse Litterio.

Pessimo quel 50% di pubblico, che disturbava con abbondanti flash la concetrazione dell'altro 50%. Pubblico di signore che non avevano le pellicce solo
per i 30° che c'erano. Pubblico medio di commediola borghese e non troppo strana, che a Catania si abbona tipicamente al Teatro Brancati.
Mica potevano perdersi un'occasione mondana come il teatro greco!
Dovevano ridere, ma per sbeffeggiare Rigillo, che viene da 200 anni di televisione e viene a Siracusa a fare la caricatura! Sembrava la Marchesini quando fa Rossana l'attrice. Uguale, veramente. E quindi veramente imbarazzante. Invece il pubblico si sganasciava per le battute.
La gente non comprende la tragedia. Tutto come in tv, dove nella fiction più drammatica c'è sempre qualche momento da ridere. Come nei programmi della De Filippi, dove la gente si accapiglia, le donne quasi lottano nel fango, così il drammatico scontro di valori tra Peleo e Menelao diventa argomento di risate. La gente non vuole andare a teatro per soffrire, catartizzarsi, la gente vuole svagarsi. Panem et circensem. Da quanta gente ci si sente dire "no, per favore, se è un dramma non vengo, dopo una settimana così!".

Avevo buttato giù delle riflessioni sulla condizione della donna greca, sull'ellenismo, sulla dea Teti come archetipo, ma esulano dallo scopo di questo commento. E poi dopo le risate del pubblico di ieri mi sembra inutile.
Chi va a teatro non deve studiare, per carità, ma almeno saper aprire il cuore! Aprirsi ai sentimenti, ai drammi quando sono drammi, alla commedia quando è commedia. Non riportare tutto alla tv!
A tal proposito vorrei segnalarvi:
http://www.facebook.com/#!/notes/gabriella-trovato/questo-%C3%A8-lombelico-del-mondooooo/10150297448796729?notif_t=like

Nel totale: soldi ben spesi! Grazie ad Euripide, al regista Luca De Fusco, alla Marinoni e tutto il cast.
Sia lodato il dramma antico!

LaGaTTaPaZZa

Woody Allen - Incontrerai l'uomo dei tuoi sogni

2011-06-20T15:33:00.001+02:00

Mi aspetto da un giorno all’altro che Giacobbo dedichi un’intera puntata di Voyager al mistero della pessima vecchiaia di Woody Allen. Cosa è accaduto? Forse quindici anni fa è stato vittima di un incidente analogo a quello che (secondo alcuni) causò la morte del “vero” Paul Mc Cartney, prontamente sostituito da un perfetto sosia. Ma se (volendo considerare valida questa ipotesi) gli altri 3 fab four e i loro manager ebbero il culo con la C maiuscola di trovare non solo un sosia ma anche il genio musicale che fingendosi Mc Cartney ancora ci regala immensi capolavori, questo Allen, per quanto altrettanto brutto e occhialuto al punto da non destare sospetti, sembra sconoscere non solo il genio a cui eravamo abituati ma persino le regole basilari di un cinema che possa definirsi decente.
Ieri però, dopo aver visto l’ultimo film firmato Woody Allen, mi è balenata in mente un’ipotesi che farà gola allo stesso Giacobbo (no, gli alieni non c’entrano e nemmeno i nazisti ma io credo che gli piacerà ugualmente). E se Woody avesse deciso di prenderci tutti in giro fino alla sua morte? Mi spiego meglio. Non possiamo non considerare il fatto che ogni anno esce un suo film che riesce (sorprendentemente) ad essere peggiore di quello precedente. In questa involuzione io mi rifiuto di vedere la demenza senile, voglio a tutti i costi vederci un piano. Forse sta semplicemente tirando la corda per vedere fino a che punto riesce a fregarci. Io stessa mi sento “fregata” per il fatto di essere rimasta a guardare per intero un film che non merita nemmeno dieci minuti di umana pazienza. La banalità innalzata monumento, cali di ritmo spaventosi, dialoghi che sembrano scritti da Topo Gigio. Tutto questo è troppo brutto per non essere fatto apposta.
Tra i contenuti speciali del dvd c’era il contributo video di un critico che si sprecava in una attenta esegesi del film. Io immagino Woody Allen ridere a crepapelle davanti a questo commento e dire al suo agente di chiamare subito Ruby per farle firmare il contratto per il prossimo film. Un giorno, sul suo testamento troveremo scritto “ve lo siete meritato”.

Gabri

Woody Allen - Amore e Guerra (Love and Death)

2011-06-17T18:15:00.000+02:00

Pranzo pesante, di quelli che ti si piazzano sullo stomaco come un’incudine. Ho bisogno di un film leggero per bilanciare, che faccia ridere abbastanza anche per farmi dimenticare l’imperante senso di colpa per non stare studiando.

Chi meglio di Woody Allen in questi casi?

Sempre attuale, sempre pungente, sempre divertente.

“ci sono cose peggiori della morte, avete mai passato una serata con un assicuratore?”

Evitando caldamente Harry a pezzi per il nervoso suscitatomi dal quiz di Moretti, ho virato su un titolo degli anni 70, forse la sua epoca migliore.

Ambientato in una Russia ottocentesca impregnata di anacronistici e straordinari riferimenti alla società odierna, il film parla delle avventure di Boris, vigliacco soldato dell’armata zarista (ovviamente interpretato da Woody) e della donna da lui amata, Sonja (Diane Keaton), bellissima e intelligente. L’unica con la quale lui possa affrontare discorsi “più seri”.

In questo film affronta, con un umorismo sofisticatissimo come al suo solito, i temi a lui cari, e cari in fondo un po’ a tutti quanti noi: la paura della morte, la contrapposizione di codardia ed eroismo, il complesso rapporto con la società, e, ovviamente, il complessissimo rapporto con le donne e con la sessualità. Tema che si potrebbe definire un marchio di fabbrica della sua filmografia.

“Lei - Sei stato l’amante migliore che abbia mai avuto.

Lui – Sai, faccio tanta pratica da solo”

Inoltre, credo di non aver mai visto un film di Woody Allen così ricco e trasbordante di citazioni, e, da bravo fanatico di letteratura e cultura russa non posso che apprezzare gli innumerevoli riferimenti a Dostoevskij; anche non volendo ricordare il meraviglioso dialogo in cui cita in pochi secondi tutti i più grandi capolavori del maestro russo, vi sono l’esitazione e il senso di colpa per l’omicidio (tema pregnante in Delitto e Castigo) filosofie e dubbi morali sulla fede e sul libero arbitrio (tema centrale de I fratelli Karamazov) e un accenno anche a L’Idiota con il personaggio dello scemo del villaggio, che porta curiosamente il nome di Bezuchov, personaggio principale di Guerra e Pace di Tolstoj, romanzo sulla quale struttura è tessuta quasi tutta la trama del film.

Una piccola considerazione anche per una citazione un po’ più nascosta, ossia quella della scena del duello, palesemente tratta da Un colpo di pistola, piccolo racconto all’interno della raccolta I racconti di Belkin di Pushkin. Il racconto narra una vicenda che si svolge esattamente come la scena di Allen, ovviamente, senza la visione comica e grottesca data dal regista newyorkese.

Non di inferiore valore sono le citazioni cinematografiche, dai più alti Bergman per alcune scene della morte che ricordano un po' Il settimo sigillo, a Frankenstein jr., uscito solo qualche anno prima ma già diventato un cult.

“potrebbe andare peggio, potrebbe piovere..”

Robin

Citazioni a raffica su Dostoevskij

Hunger - Steve McQueen

2011-06-17T15:35:00.002+02:00

Steve McQueen (nessuna relazione con l’omonimo attore americano) porta sullo schermo la rivolta dei detenuti del carcere irlandese di Long Kesh ,avvenuta nei primi anni 80, contro il governo britannico per l’attuazione dello status di prigioniero politico e la conseguente morte del loro leader, Bobby Sands, attivista politico nordirlandese, in seguito ad un drastico sciopero della fame.

Ciò che ci ritroviamo davanti agli occhi è il cosiddetto “sciopero della coperta e del sapone”: i detenuti si rifiutavano di indossare le divise dei criminali, indossando una semplice coperta, imbrattavano i muri delle celle con i loro escrementi e svuotavano le latrine nei corridori del carcere. Tutto questo per essere riconosciuti prigionieri politici e non veri e propri criminali.

Mai titolo fu più esatto. Fame. Fame di riscatto, di rivincita, di dignità, di libertà. Fame di rispetto per i propri ideali.

Il film di McQueen è un potente pugno allo stomaco, è una lama che si infila dentro al petto e sta lì per delle ore. Poco è lo spazio lasciato alle parole, perché le immagini, così disturbanti e lancinanti, hanno una profondità tale da riempire questo “vuoto”. E la bellissima fotografia di Sean Bobbitt, così elegante e suggestiva, che cozza con le immagini di sporcizia e violenza, rende ancora più intollerabile la vista di cotanta sofferenza.
Hunger non è solo questo, non è solo sofferenza fisica e sgomento intellettuale per l’atroce ed ingiustificato trattamento riservano ai detenuti, ma è anche un film sulla resistenza di fronte a soprusi del potere e sulla volontà di poter cambiare le cose anche sacrificando la propria vita.
McQueen non lascia niente al caso; la sua ossessione per i particolari, anche i più macabri e disturbanti, accentuano il sentimento di turbamento e sgomento e lo struggente e lungo deterioramento fisico e psicologico del protagonista colpisce al cuore, smuove le viscere; non ci lascia seduti sul divano ad osservare, ma ci rende partecipi di un lento morire, testimoni di una scelta di morte e di vita.

“Io credo in qualcosa e, in tutta la sua semplicità, è la cosa più potente”

“Serve una rivoluzione, servono i soldati politici e culturali per dare una scossa alla vita”

Un scelta lontana da ogni forma di disillusione, ma piena di speranza e consapevolezza. Una scelta di vita. Morire per un ideale e rinascere nelle coscienze altrui.

Valeria

Ecco il trailer!

Park Chan-wook - I'm a Cyborg, But That's Ok!

2011-06-16T17:46:00.001+02:00

Dopo aver visto la trilogia della vendetta (in particolar modo il secondo e il terzo: “Old Boy” e “Sympathy for Lady Vengeance”) viene da aspettare il momento giusto per vedere un altro film di Park Chan-Wook. La violenza, sia delle immagini che dei concetti, di quei film è stata come un pugno nello stomaco, durata per un bel paio d’ore.

Questo lavoro, uscito a solo un anno di distanza da Lady Vengeance, non manca di scene intense allo stile Chan-wookiano, ma trasmette anche una tenerezza incredibile, capace anche di fare inumidire un po’ gli occhi.

Il film è ambientato quasi per intero all’interno di una clinica psichiatrica. La protagonista, Young-goon è convinta di essere un cyborg. Parla con la radio, coi neon, coi distributori automatici ed è debolissima in quanto è convinta che mangiare potrebbe danneggiare il suo sistema cibernetico. Si nutre solo leccando delle pile, che, a modo suo, la ricaricano di energia.

Il-sun, un paziente che ruba tutto (incluso anima e comportamento altrui) perché è convinto che se non lo facesse potrebbe scomparire, si affeziona a lei e riesce ad aiutarla molto più di quanto ne siano capaci i medici.

Intubata e costretta a mangiare a forza a causa delle sue degeneranti condizioni, Young-goon viene salvata da questo ragazzo, che le dice di aver inventato un convertitore cibo in energia elettrica. Solo così lei si convince a mangiare. (Bellissima la scena in cui lui finge di installargli il dispositivo nella schiena)

Una storia d’amore tra due malati mentali trattata con grandissima cura. Il regista riesce ad approfondire le cause della malattia mentale di lei, radicata nel suo rapporto con la nonna, convinta di essere un topo.

Durante tutto il film, la nonna ha un ruolo primario. Spesso appare a Young-goon dicendole “lo scopo della tua esistenza è…” e non completa mai la frase, fino alla fine del film.

Anche il ruolo degli altri malati mentali è curatissimo, da una donna che inventa storie per sostituire i ricordi cancellati dalle sedute di elettroshock, alla paziente convinta di aver inventato delle calze volanti, a un altro che è divorato dal senso di colpa e chiede scusa in continuazione a tutti, etc..

Un film che vale assolutamente la pena vedere. Park Chan-Wook non delude.

Non vedo l’ora di vedere il suo ultimo “Thirst”, uscito nel 2009.

Robin

Guarda il trailer

Stalker - Andrej Tarkovskij

2011-06-14T19:39:00.001+02:00

Non so ormai quante volte ho visto questo film. Almeno tre da solo e svariate per farlo conoscere ad amici e/o conoscenti. Ogni volta c’è sempre qualche dettaglio in più, ogni volta, per ore dalla fine del film continuo a pensarci.

In un presente/futuro è accaduto qualcosa di imprecisato, forse la caduta di un meteorite, che ha dato vita alla “Zona”, un luogo dove non regnano le leggi fisiche della Terra, dove tutto è completamente e assolutamente ignoto.

Gli Stalker sono le guide, gli unici a sapersi come muovere. Lo sono per vocazione, non per scelta.

Uno scrittore e uno scienziato ingaggiano uno Stalker per farsi condurre nella Zona.

Il film è il viaggio catartico dei tre all’interno di questo mondo, presentato come una palude abbandonata a se stessa, con vecchi rottami sparsi, comunque apparentemente innocuo. Lo Stalker invece mette in guardia: “nella Zona niente è come sembra, dovunque può esserci una trappola. Non bisogna mai prendere una strada diretta, non si deve mai tornare indietro dalla stessa strada. Tutto qui cambia continuamente!”

Il dettaglio che rende la Zona estremamente interessante è che si vocifera che al suo interna vi sia una stanza dove si realizzano i desideri più profondi di chi vi entra.

Piano piano, impariamo a conoscere a fondo i tre personaggi e la loro visione della vita, completamente diversa l'una dall'altra così come i motivi del loro interesse nei confronti della Zona.

Straordinaria è la storia del “Porcospino”, maestro dello Stalker protagonista e personaggio che compare solo dai racconti del protagonista. Durante un suo viaggio, il Porcospino perse il fratello nel Tritacarne (il passaggio più pericoloso della Zona) ed entrò nella stanza chiedendo di riportare in vita il fratello. Ma la stanza non avvera i desideri che vengono esauditi consciamente, bensì quelli più profondi, più sofferti “Ciò che rappresenta la tua essenza, che porti dentro di te anche se non ne sei cosciente e che ti domina sempre”. Tornato a casa, il Porcospino fu sommerso da un’immensa ricchezza, e resosi conto che per lui era più importante il lusso della vita del fratello, si impiccò.

Nessuno, nel film, entrerà nella stanza, forse spaventati dalla storia del Porcospino, forse spaventati dal realizzare che ciò che bramano di più possa essere una sciocchezza, o qualcosa di meschino, o forse semplicemente per NON realizzare ciò che più bramano, ed avere un qualche motivo di vivere. E' uno dei tanti, anche troppi, spunti di riflessione che il film offre; i discorsi e il continuo confronto tra il professore e lo scrittore, le regole e le peculiarità della Zona, simbolo dell’animo umano, la complessità emotiva e personale dello Stalker, le poesie che vengono lette durante lo scorrere di particolari immagini.

Scrivere poche righe su questo film è difficile, e difficile è anche non andarsi a perdere scrivendo più a lungo.

Ci vorrebbe uno studio approfondito e calmo per poterne scrivere come si deve, qui mi limito solo a condividere la gioia di chi l’ha visto e di stuzzicare la curiosità di chi ancora non ha vissuto quest’esperienza.

Dico esperienza perché Stalker non è solo un film, ma sul serio un’esperienza, almeno così è stato per me. Riesce ad andare oltre la bellezza cinematografica che possiamo trovare in molti film, ha qualcosa di unico.

Lo Stalker descrive la Zona (scusate, il doppiaggio italiano appiattisce un po', ma non ho trovato la versione sottotitolata su youtube)

Robin

Des hommes et des dieux (Uomini di Dio) - Xavier Beauvois

2011-06-13T01:02:00.006+02:00

Rievocando l’agghiacciante strage di sette monaci cistercensi avvenuta nel marzo del 1996 ad opera di un gruppo terroristico islamico, la Jihad (e non si esclude il coinvolgimento delle forze armate algerine), Beauvois costruisce un’opera stilisticamente asciutta e piatta, atta a raccontare, senza retorica ed inutili ornamenti formali, le giornate di lavoro e preghiera di questa comunità di monaci francesi, ormai perfettamente integrata alla cultura musulmana locale; un equilibro pronto ad essere scosso da una serie di attacchi terroristici di chiara matrice islamica. E’ qui che le pretese del regista (comunque abbastanza biasimabili) cominciano ad essere sempre più concrete e definite. Il film, infatti, poggiando su basi di natura filosofica, religiosa e morale, mostra la comunità di monaci divisa tra il desiderio di autoconservazione individuale e la volontà di aiutare il popolo algerino in difficoltà; non ci troviamo di fronte a martiri, o presunti tali, ma di fronte a uomini con le loro debolezze, le loro paure, le loro credenze ed il bisogno di dare un senso alla loro missione. Beauvois non cade mai nel tranello dell’agiografia, bensì, oscillando squisitamente tra sacro e profano, traccia le memorie di uomini lontani dall’ideale divino, ma bisognosi del loro Dio per affrontare paure e angosce. Interessante a questo proposito è la scelta di alternare alle suggestive ore di preghiera e di lavoro il privato dei nostri protagonisti. Inoltre il titolo italiano non aiuta a comprendere la doppia anima del film che ha come obiettivo la chiara separazione tra il divino ed il terreno (les hommes-gli uomini et les dieux-gli dei) e la volontà di mettere a confronto il Dio cristiano e quello islamico (dieux).
Il film, insomma, ci pone delle domande alla quali nemmeno i saggi monaci sanno dare delle risposte plausibili e soddisfacenti: “morire qui adesso è utile?” “ si diventa martiri per cosa?”.
La loro morte, però, non avrà un sapore diverso rispetto ad altri insensati eccidi, anzi cadrà nel baratro dell’oblio.

"I fiori del campo non cambiano posto per ricercare i raggi del sole"

E’ questo lo spirito dei nostri piccoli monaci.

Lottare per ciò in cui si crede non ha niente di eroico e divino, è semplicemente umano; proprio perché la sua natura è umana le ripercussioni potrebbero essere gravi e lancinanti.

Ecco il trailer :)

Valeria

Hayao Miyazaki - Porco rosso

2011-06-11T15:07:00.002+02:00

Pensare di avere a portata di mano i film di Miyazaki è un antidoto contro i brutti pensieri e i momenti tristi. Come mi succede per i film di Ozu, cominciare a perdermi nelle sue immagini equivale a respirare aria fresca e riprendermi un po’ d’umanità. Non è sicuramente semplice dire quale sia il suo film più bello, per me ognuno di essi rappresenta lo stesso capitolo di un libro che parla di sogni, di tenerezza e di forza interiore.

“Porco rosso” è un film del 1992 ma soltanto nel novembre del 2010 è stato distribuito in Italia. Per fortuna dopo il successo de “La città incantata” i distributori hanno pensato di recuperare i suoi titoli precedenti per farli conoscere al nostro paese e dobbiamo ammettere che mai scelta fu più azzeccata. Il porco rosso del titolo è Marco Pagot, pilota dell’aviazione italiana degli anni Venti trasformato, da un misterioso sortilegio, in maiale. Abbandonata l’aeronautica per non doversi sottomettere al fascismo, si ritira sulla costa dalmata dove si guadagna da vivere facendo il cacciatore di taglie contro i pirati dell’aria a bordo del suo aereo tutto rosso. Tra omaggi più o meno palesi a ciò che Miyazaki ama (il nome di Pagot è un omaggio ai fratelli Pagot famosi fumettisti italiani) e disegni di incredibile fascino, la poetica di Miyazaki si srotola sulla pellicola con la consueta maestria. L’amore per la bella Gina che non riesce più a corteggiare a causa del suo aspetto, il dolore per essere rimasto l’unico sopravvissuto della sua squadra in una battaglia sui cieli durante il primo conflitto mondiale (quanto di orientale in questo aspetto…) e poi la sua critica al fascismo, “meglio porco che fascista…” dirà a un vecchio compagno di volo che vuole convincerlo a tornare in aeronautica…

Come sempre Miyazaki fa film per tutti, per grandi e per bambini, fa sognare, fa riflettere, fa volare a bordo di un aereo tutto rosso fino ai magnifici titoli di coda dove Miyazaki ci regala dei disegni straordinari accompagnati dalle bellissime note di Tokiko Kato.

Sergio

Titoli di coda

Giorgio Diritti - L'uomo che verrà

2011-06-09T15:29:00.001+02:00

Un pensiero di Giorgio Diritti mi era rimasto particolarmente impresso nella memoria ancora prima di vedere il suo secondo film. Diritti si immaginava la reazione di un padre che, accompagnando il figlio a scuola, scopriva, nello spiazzo antistante l’ingresso, due eserciti che si facevano la guerra e, in questo modo genitore e figlio entravano in un mondo di dolore di cui non avevano nessuna conoscenza.

“L’uomo che verrà”, dopo il bellissimo “Il vento fa il suo giro”, non è solamente un film sugli eventi che precedettero una delle pagine più violente e agghiaccianti della seconda guerra mondiale, quella strage di Marzabotto che portò all’uccisione di quasi ottocento persone (in gran parte donne e bambini) per mano dei nazisti che avevano l’esigenza di bonificare il territorio da presenze partigiane… La pellicola, come tutti i capolavori ha un respiro talmente universale da diventare facilmente comprensibile al pubblico più diverso e lontano, sia geograficamente che storicamente. Per fare questo Diritti ci restituisce l’ambiente sociale e familiare di quel tempo con una tale veridicità da permetterci di comprendere in maniera quasi magica quel mondo. L’uso del dialetto bolognese (come fu per la lingua occitana nel precedente film) invece che distanziarci dalla visione ci avvicina in modo decisivo. Anche la scelta di farci vedere tutto attraverso gli occhi di Martina, una bambina di otto anni, diventa essenziale per comprendere lo stupore di fronte a un mondo che sembra non voler conservare più niente di umano. In fondo come provare a spiegare ciò che non è possibile fare? Si prova a rimanere umani di fronte a ogni tragedia e questo prova a fare Martina che, anche di fronte al crollare degli eventi, ha il solo pensiero di sopravvivere e di dare una speranza al fratellino appena nato (l’uomo che verrà del titolo).

Quello di Diritti è un cinema che rimarrà negli anni e che spero possa essere visto da un gran numero di persone perché ci aiuta a trovare la forza, quella di Martina, quella di tutti i sopravvissuti a tragedie immani e che trovano ancora la forza di cantare una nenia a un bambino tenuto in braccio in un lungo viaggio al termine della notte.

Sergio

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Yoji Yamada - Il crepuscolo del samurai

2011-06-08T19:13:00.000+02:00

Dopo avere visto “Il crepuscolo del samurai” (2002) di Yoji Yamada ho finalmente riscoperto come il cinema giapponese possa avere ancora qualcosa da insegnare sulla capacità di dare un’impronta universale a delle storie fortemente tipizzate e che, solo all’apparenza, parlano di un mondo e di costumi lontani anni luce da noi. Mi succedeva spesso con i film di Yasujiro Ozu di calarmi nelle realtà sociali del Giappone del dopoguerra pur conoscendo poco di quel mondo. Un grande artista è probabilmente chi riesce a compiere questa magia, darti un posto nel suo mondo e farti muovere al suo interno come se in quella realtà tu ci fossi sempre stato.
Il film di Yamada parla di samurai, ma in maniera diversa rispetto a come ci aspetteremo da un regista giapponese. Forse abituati ai personaggi grandiosi di Akira Kurosawa ci sentiamo un po’ spiazzati all’inizio davanti a questo samurai, rimasto vedovo, che non può fare tardi la sera per accudire le sue due bambine e la vecchia madre malata. Che fa leggere Confucio alle figlie perché “per quanto possa cambiare il mondo, se tu hai la capacità di pensare riuscirai sempre a sopravvivere in qualche modo”. E’ un samurai di basso rango preso in giro dagli altri compagni che lo chiamano “signor crepuscolo” ma è pieno di una umanità e di un senso dell’onore che lo rendono più nobile e, nel momento della prova, più forte degli altri samurai. Gli eventi sociali si susseguono incessanti durante questo film, guerre, scontri tra dinastie e combattimenti inevitabili ma Seibei Iguchi (il nostro samurai) li affronta sempre non perdendo di vista il suo obiettivo principale: dare un futuro alle due bambine.
Un film prezioso questo di Yamada, necessario mi verrebbe da dire per la sincerità e la dolcezza che trasmette. Perché il cinema quando è arte riesce a darti quella forza di cui tutti abbiamo bisogno nella nostra vita.
Sergio
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Never let me go - Mark Romanek

2011-06-07T20:08:00.000+02:00

Una breve riflessione su un piccolo gioiellino che ho visto tempo fa :)

La profondità e l'eleganza con cui Romanek mette in scena questo intenso dramma non possono lasciare indifferenti e non possono non scuotere gli animi ed indurre ad un'accurata riflessione sul genere umano.
Realizzando un quasi onirico ed affascinate affresco, very british, su questo controverso triangolo di amore ed amicizia, il regista americano si abbandona con estrema sincerità ad un poetico inno all'Umanità; in un universo ormai dominato ed oppresso dell'aridità umana, questi piccoli esseri viventi con i loro sogni, le aspirazioni, le loro speranze, ma anche con le loro paure, sconfitte e sofferenze, rappresentano quelle oasi necessarie per la rinascita di una specie, ormai regredita a semplice merce per il progresso della scienza.
La narrazione procede su due piani, che non sono del tutto equilibrati: quello prettamente umano, che mette in scena, senza retorica e finto buonismo, le anime di questi personaggi, le stesse anime continuamente scrutate e spiate dei responsabili del collegio mediante i disegni realizzati dai piccoli orfani; così l'Arte costituisce quell'unico scrigno in grado di conservare gelosamente il mondo interiore umano. Il secondo piano, invece, procede con grande rigore scientifico, attento a rappresentare gli studenti come robots antropomorfizzati, o come ignari sacrifici umani, "modellati" con il solo obiettivo di far progredire le scienze umane. Ci troviamo davanti a cloni destinati a ricongiungersi al loro Originale con quale potranno finalmente completare.
I due piani appaiono volutamente squilibrati proprio perchè Romanek è interessato a mettere in scena individui già completi ed originali, nonostante le loro paure e i loro dubbi riguardo all'approccio al contesto sociale, chiamati a fare i conti con i due più grandi pilastri dell'Umanità: Amore e Morte

Valeria

Goran Dukić - "Wristcutters - A love story"

2011-06-07T02:00:00.000+02:00

Primo, e finora unico, lungometraggio di un autore croato emigrato negli Stati Uniti.

Dopo la piacevole visione di Ogni cosa è illuminata mi sono messo a cercare le altre collaborazioni cinematografiche di Eugene Hutz, cantante dei Gogol Bordello. Ho scoperto questo titolo, per il quale la band gypsy punk ha fatto la colonna sonora, con la canzone Through the roof 'n' Underground.

La storia è quella di Zia, un ragazzo che dopo una delusione d’amore si è tolto la vita tagliandosi le vene. Compiuto il fatale gesto, finisce in un aldilà particolare, popolato solo da persone che sono morte per suicidio. Il posto è triste e deserto, tutti sono sgarbati, nessuno sorride, mai.

Una sera, in un bar, Zia incontra Eugene, ex musicista rock di origine russa che si è suicidato versando della birra sulla chitarra elettrica durante un concerto, vantando il gesto commentandolo “it was wild!”. Questo Eugene pare esser l’unico, nell’aldilà, a “vivere” con la famiglia: mamma, papà e fratello più piccolo. Tutti si sono suicidati e tutti, quindi, si sono ritrovati.

Zia impazzisce quando scopre che anche Desiree, la ragazza per cui si era tagliato le vene, si è uccisa e si trova in quel posto! Convince l’amico ad accompagnarlo, e parte alla ricerca. Durante il viaggio incontrano Mikal, una ragazza che sta cercando “quelli che comandano” perché sostiene di essere finita lì per sbaglio e vuole tornare indietro.

Fra tante piccole cose, piccoli insignificanti “miracoli” che accadono solo quando non gli si dà importanza, nasce un amore tra Zia e Mikal. Un amore strano, senza sorrisi, ma comunque capace di rendere piacevole, a modo suo, perfino un posto orribile come quello.

Una bellissima partecipazione quella di Tom Waits nei panni di Kneller, un personaggio misterioso alla ricerca del proprio cane. Appare a circa metà film, candidamente sdraiato in mezzo alla strada a riposarsi, stanco delle ricerche. (A seguito di quest’incontro il personaggio avrà risvolti ben più interessanti che non sto a svelare)

Un film bello sia nell’insieme che nei piccoli dettagli, che lascia una piacevole sensazione di pienezza e, paradossalmente rispetto al tema trattato, di positività.

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Buona notte a tutti. :-)

Robin

Pippo Delbono - "La Menzogna"

2011-06-03T16:43:00.000+02:00

Si è aperta il 21 Ottobre negli spazi delle ex fonderie Limone di Moncalieri la nuova stagione del Teatro Stabile di Torino, con uno spettacolo che proprio da un evento legato ad una fabbrica muove i suoi primi passi: l'incendio divampato quasi un anno fa alla Thyssen Krupp, che fu causa della morte di sette operai.

Pippo Delbono ci presenta la fabbrica come un luogo in cui non ci si incontra più: vi sfilano in silenzio gli operai percorrendone gli ambienti spogli e squallidi. Indossano le loro tute con la lentezza di un rito che separa nettamente il tempo del lavoro da quello della vita. Nei gesti di Pepe Robledo, che ripone la sua tuta per vestire con cura un abito pregiato solo in occasione della propria morte, c'è forse tutta la follia umana, la follia dei nostri tempi, del lavorare per potersi permettere di morire. Da qui parte Delbono per guidarci nella ricerca di un senso del dolore e del vivere.

Cos'è che proviamo davanti allo spettacolo delle morti sconosciute? Quale la differenza tra le morti su cui i media puntano i riflettori e quelle tante invece in ombra, di cui non sappiamo nulla? La nostra incapacità di provare dolore ci mette a disagio e la pena che invece ostentiamo racchiude forse la nostra paura dell'ignoto, di ciò che non possiamo controllare, capire. "La separazione è tutto ciò che ci basta sapere dell'inferno" citava già Delbono in un altro suo spettacolo, Questo buio feroce. Con la stessa forza ora il regista scende di nuovo nelle viscere dell'umanità per mostrarne con lucido sguardo il suo volto spietato, ferino, grottesco. In quello che sembra un carosello degli orrori si muovono tutti i personaggi della nostra società a cui Delbono toglie ogni patina di menzogna, mostrandoceli in tutta la loro reale mostruosità. Latrano, ringhiano e abbaiano come cani famelici, sono pedine di una partita già persa, personaggi di un mondo senza speranza, malato alle radici. Anche la bellezza, quando c'è, quando compare all'improvviso come un'epifania, nella danza di Gianluca vestito di perle, è spesso fraintesa, svilita, guardata con cinismo, con ghigno stupido e trasformata in crudele siparietto da varietà.

E' l'altro lato della medaglia e fa paura, anche nella finzione del teatro. Fa scorrere un brivido lungo le schiene degli spettatori la risata atroce di Delbono dietro la grata metallica, così come la violenza che si prepara e il senso di solitudine e di smarrimento che la segue.

Una netta frattura c'è anche tra la realtà e la sua immagine, soprattutto quella confezionata dai media: agghiacciante e stridente il contrasto tra lo spot della Thyssen, girato con quella strategia del sorriso di cui tanta politica è intrisa, e la testimonianza video di padre Alex Zanotelli sulla camorra. La camorra è diventata nel gergo nalpoletano "'o sistema", a testimonianza di quanto il crimine si sia innalzato a regola, sia diventato appunto un sistema che, in quanto tale, è pervasivo, capillare, dai vertici al basso tutto ne è contaminato.

Intanto cresce, si gonfia enormemente una violenza sotterranea e repressa, che ha perso di vista la sua vera origine e che ci fa incendiare alla prima, sia pur piccola, miccia. Quella miccia che all'inizio dello spettacolo era quella dell'incendio in una fabbrica, si è rivelata solo la punta di un iceberg immenso, di cui si sconoscono i confini e in cui ci si sente persi.

La menzogna della Thyssen, quella della società intera e, infine, quella più pesante e più grave di tutte: quella che ci portiamo da sempre dentro.
Per fortuna alla fine arriva Bobò, col peso di cinquant'anni vissuti in manicomio portati con la disinvoltura, ma anche la lucidità, di chi adesso è libero. Con i suoi gesti, i suoi sguardi, la sua presenza magica, sembra raccontarci di un mondo altro da questo, più pulito, sincero, non per questo meno reale o esente dal dolore. Delbono si lascia prendere per mano da Bobò per compiere i primi passi che possono rendere forse questo cambiamento possibile, spogliandosi dell'intima menzogna e manifestando la sua vitale volontà di andare oltre.

Un lunghissimo e partecipato applauso ha accolto la prima assoluta di questo nuovo spettacolo, che da Torino si sposterà poi a Roma, Lisbona, Bucarest, confermando la grandezza di Pippo Delbono, che continua a fare del teatro un mezzo per affermare con forza la sua necessità di agire nella vita. E' un teatro che si riallaccia fortemente all'essenza e agli obiettivi del living theatre e a Brecht, che vuole trovare un'alternativa di linguaggio, nell'intento di riallacciarsi a una realtà da cui tanto teatro si è invece allontanato, chiudendosi in salotti borghesi riservati a pochi addetti ai lavori. Si potrebbe obiettare dicendo che anche quello di Delbono è un teatro difficile, anch'esso lontano da quella dimensione popolare che si prefiggeva Brecht, per la sua struttura poco narrativa dietro la quale sembrano nascondersi tanti simboli da decodificare, tante citazioni da rintracciare. Ma, al di là di questo, c'è prorompente la forza di uno spettacolo vivo, che punta con mezzi nuovi a coinvolgere lo spettatore emotivamente, toccando delle corde molto più profonde di quelle rintracciabili da un'attenta analisi della forma e dei contenuti. Le immagini, così come i gesti, le parole, i tempi scanditi con quella precisione che ne fa dei segni importanti, si imprimono con forza tale da non richiedere nemmeno un immediato sforzo di comprensione, di decodifica del significato. Come la pittura di Bacon, l'arte grandissima di Delbono colpisce direttamente allo stomaco, si fa sberleffo di tanta arte che dorme cullata dalla sua stessa autoreferenzialità e spezza quella linea di frattura che c'è tra attori e pubblico e graffia e punge e fa piangere, ridere, urlare, e toglie il fiato ancora prima di riuscire a spiegarsi il perché.

Gabry (23/10/2009)